tag:blogger.com,1999:blog-63981038539836686162024-03-13T07:33:49.307+01:00Historia del ArteMaría Luz Jorquera.
Profesora de Historia del Arte.
2º de Bachillerato.
Colegio Villamadrid.
Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.comBlogger73125tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-10661324450075155572014-05-30T12:44:00.003+02:002014-08-18T16:15:54.251+02:00La escultura impresionista: Auguste Rodin.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/Rodin_The_bronze_age.jpg/324px-Rodin_The_bronze_age.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="File:Rodin The bronze age.jpg" border="0" data-file-height="2184" data-file-width="1180" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/Rodin_The_bronze_age.jpg/324px-Rodin_The_bronze_age.jpg" height="400" width="216" /></a>Los logros conseguidos por los pintores impresionistas fueron llevados a la escultura por Auguste Rodin (1.840-1.917).<br />
Rodin supera el academicismo y refleja el interés por captar el movimiento y la luz que consideraba fundamentales para obtener profundidad en la escultura.<br />
En 1.875 realizó esta escultura, titulada <i>La edad del Bronce</i>.<br />
Esta obra causó gran polémica ya que se acusó a Rodin de no haber hecho el vaciado de una escultura de arcilla, sino de un modelo real, debido a la perfección que alcanzó. Gracias a sus amigos, como Degás, logró salir triunfal de este trance.<br />
Tras esto, sus esculturas toman dos caminos: la escultura alimentaria, como él lo llamó, decorativa y para vivir; y las esculturas transgresoras, que rompían con la tradición academicista. <br />
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En estas últimas intentó plasmar en los volúmenes las vibraciones lumínicas por medio de superficies rugosas y de multiplicación de ángulos.<br />
Los temas de Rodin difieren mucho de los impresionistas, ya que intentó reflejar en sus obras las pasiones y los dramas humanos.<br />
Los inacabados son otro aspecto característico de su obra, por influencia de las últimas esculturas de Miguel Ángel.<br />
Rodin dejaba conscientemente inconclusas algunas partes de la escultura, de este modo, las figuras parecían surgir del mismo bloque. En ocasiones omitía parte de la escultura como la cabeza o las extremidades, probablemente influido por la estatuaria clásica.<br />
Entre sus obras transgresoras destacan Los burgueses de Calais (1.884)<br />
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f2/Calais_statue_bourgeois.jpg/640px-Calais_statue_bourgeois.jpg" style="max-height: 520px; max-width: 1349px;" width="545" /><br />
<i>El monumento a Balzac (1.897).</i><br />
<img alt="File:Monument to Balzac.jpg" data-file-height="2799" data-file-width="1866" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/58/Monument_to_Balzac.jpg/400px-Monument_to_Balzac.jpg" height="600" width="400" /> <br />
Todas estas ideas las plasmó en su obra más importante llamada <i>Las puertas del Infierno,</i> para las que diseñó también de acompañantes a sus famosos<i> El Beso</i> y <i>Pensador</i>.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/69/Z%C3%BCrich_-_Kunsthaus_-_Rodin%27s_H%C3%B6llentor_IMG_7384_ShiftN.jpg/640px-Z%C3%BCrich_-_Kunsthaus_-_Rodin%27s_H%C3%B6llentor_IMG_7384_ShiftN.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/69/Z%C3%BCrich_-_Kunsthaus_-_Rodin%27s_H%C3%B6llentor_IMG_7384_ShiftN.jpg/640px-Z%C3%BCrich_-_Kunsthaus_-_Rodin%27s_H%C3%B6llentor_IMG_7384_ShiftN.jpg" style="max-height: 521px; max-width: 1349px;" width="347" /></a></div>
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Estas puertas tienen como tema el Infierno que narró Dante en la Divina Comedia.<br />
La figura central, El pensador, es un retrato del poeta italiano mirando hacia el infierno.<br />
Posteriormente, y ya como estatua independiente, El Pensador se convirtió en un hombre desnudo, con los brazos y las piernas sobredimensionados (influencia de Miguel Ángel) y en actitud reflexiva.<br />
Rodin pensaba que para dar vida a las esculturas había que dotarlas de movimiento, por eso El Pensador piensa involucrando todo su cuerpo en la acción: piensa con las manos, con el torso, con la espalda...<br />
Todos sus músculos están en tensión, crispados por el esfuerzo.<br />
Es una escultura cerrada por si misma: la mano izquierda descansa encima de la rodilla izquierda y la otra mano sostiene la cabeza; cierra el gesto el codo derecho apoyado en la pierna izquierda, cerca de la rodilla.<br />
La factura poco pulida de las estatuas provoca en su superficie, fuertes sombras que ayudan a transmitir al observador el sufrimiento del pensador.<br />
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<img alt="File:ThinkingMan Rodin.jpg" data-file-height="1280" data-file-width="960" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/ThinkingMan_Rodin.jpg/450px-ThinkingMan_Rodin.jpg" height="600" width="450" /><br />
El Pensador formaba parte de lo que sería la obra maestra de Rodin: las puertas del Infierno encargadas en 1.880 por el Museo de Artes Decorativas de París. Se trataba de un ambiciosos proyecto que incluía 186 figuras y que no llegó a hacerse realidad, pero de sus esbozos surgieron numerosas esculturas consideradas obras maestras como este <i>pensador o El Beso</i>.<br />
<img alt="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c4/Der_kuss.jpg" class="shrinkToFit decoded" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c4/Der_kuss.jpg" height="602" width="451" /></div>
Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-47212842391057696272014-05-29T16:22:00.002+02:002014-05-29T16:22:58.862+02:00El impresionismo en España: Joaquín Sorolla.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
El valenciano Joaquín Sorolla (1.863 -1.923) ha sido calificado como impresionista, postimpresionista y luminista.<br />
La luz será la protagonista principal de los lienzos de Sorolla, por lo que se le ha considerado, a veces, impresionista; de todos modos no da mucha importancia al dibujo. Con los impresionistas comparte la práctica de la pintura al aire libre.<br />
Sus pinceladas son largas y fogosas. <br />
Sus temas preferidos son los de naturaleza costumbrista, los retratos y los paisajes levantinos, siempre con presencia humana.<br />
Esta obra costumbrista se titula <i>¡Y aún dicen que el pescado es caro!</i> (1.894)<br />
<img alt="File:¡Aún dicen que el pescado es caro!.jpg" data-file-height="392" data-file-width="520" height="392" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/94/%C2%A1A%C3%BAn_dicen_que_el_pescado_es_caro%21.jpg" width="520" /> <br />
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Este es <i>Paseo a orillas del mar</i> (1.909).<br />
<img alt="File:Joaquin Sorolla - Paseo a la orillas del mar.jpg" data-file-height="1076" data-file-width="1039" height="600" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7d/Joaquin_Sorolla_-_Paseo_a_la_orillas_del_mar.jpg/579px-Joaquin_Sorolla_-_Paseo_a_la_orillas_del_mar.jpg" width="579" /><br />
Este lienzo se titula <i>Niños en la playa (1.910).</i><img height="393" id="irc_mi" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/99/Joaqu%C3%ADn_Sorolla_-_Chicos_en_la_playa.jpg" style="cursor: move; margin-top: 22px;" width="640" /><br />
En esta obra destaca la luz de mediodía, cuyo reflejo intensifica con pinceladas de blanco puro. Al fondo, largas pinceladas violáceas y azules transmiten la sensación de oleaje.<br />
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Esta es <i>La pesca del atún </i>en Ayamonte (1.918).<br />
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<img alt="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/79/Ayamonte_de_Sorolla_cropped.jpg" class="decoded" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/79/Ayamonte_de_Sorolla_cropped.jpg" /><br />
La fama de Sorolla, tanto a nivel nacional como internacional, hizo que el multimillonario norteamericano Archer Milton Huntington le encargara la decoración de la sala principal de la Hispanic Society of América, de Nueva York.<br />
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Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-53836520079628695882014-05-27T13:11:00.002+02:002014-05-28T16:15:29.006+02:00Posimpresionismo. <div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
Este término engloba los diferentes estilos pictóricos que sucedieron en Francia al impresionismo, entre 1.880 y 1.905, aproximadamente.<br />
El vocablo fue acuñado a posteriori y en él se engloban a Cezanne, Gaugin y Van Gogh, también a Toulosse-Lautrec.<br />
AL igual que los impresionistas, buscan su obra en el uso del color, pero rechazan representar fielmente la naturaleza, por lo que presentan una visión del mundo más subjetiva.<br />
También reaccionan contra la representación de lo fugaz que pregonan los impresionistas.<br />
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<b>PAUL CÉZANNE (1.839-1.906).</b><br />
Es el pintor del espacio y del volumen. Pasó por diferentes etapas que van desde el impresionismo, al protocubismo o a la protoabstracción. Para él el arte es una creación mental. No le interesan las apariencias fugitivas de la naturaleza, sino que pretende captar lo estable de la realidad.<br />
Piensa que toda la naturaleza puede reducirse a volúmenes geométricos, por lo que los personajes y objetos reciben una estilización geométrica. Con estas premisas sientan las bases del cubismo.<br />
Su obra abarca paisajes, bodegones, retratos, jugadores de cartas y bañistas. En ellas abandona la perspectiva renacentista, realiza los contornos con un trazo negro, geometriza las formas y construye masas y volúmenes mediante el color.<br />
Su pintura evoluciona desde una factura de cargados empastes y aspectos grumosos, que conserva la pincelada breve formada por comas yuxtapuestas, hasta unas pocas pinceladas de color yuxtapuesto y menos espesa, que logran expresar volumen.<br />
En los paisajes conservan el sentido del ritmo y de la composición de planos definidos.<br />
En su serie de jugadores de cartas domina la quietud y la inmovilidad.<br />
<img class="" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/9c/Paul_C%C3%A9zanne_-_Les_Joueurs_de_cartes.jpg/640px-Paul_C%C3%A9zanne_-_Les_Joueurs_de_cartes.jpg" height="532" style="max-height: 520px; max-width: 1349px;" width="640" /> <br />
"No se puede aislar el dibujo del color: es como si se quisiera pensar sin palabras". Estas palabras de Cézanne exponen claramente la prioridad que daba al color para delimitar las formas. <br />
Es esta obra se aprecia cómo las pinceladas breves, finas, superpuestas y de diferentes toalidades modelan los volúmenes y objetos.<br />
Los colores son predominantemente cálidos. Los contrastes cromáticos adquieren gran importancia, ya que ayudan a intensificar la confrontación entre los dos personajes: el jugador de la pipa viste una chaqueta de tonos marrones.<br />
En las cinco versiones realizadas de este cuadro se aprecia cómo el autor reduce las formas a simples volúmenes geométrico. El cuerpo del jugador de la izquierda se asemeja a un cilindro alargado en ojiva en el que se insertado un brazo de forma también cilíndrica.<br />
La composición es el resultado de largas meditaciones y estudios previos. Inició una serie con cinco jugadores. Esta obra es la última, ya que solo cuenta con dos personajes. La botella actúa como aparente eje de simetría, pero las dos mitades son ligeramente desiguales.<br />
El hecho de dividir la escena en dos partes intensifica el enfrentamiento entre los dos personajes. Sin embargo, la verdadera tensión de la composición recae en la mesa y en las manos de los jugadores.<br />
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<b>VICENT VAN GOGH (1.853-1.890</b>)<br />
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Su obra no puede entenderse sin su personalidad atormentada, su búsqueda del sentido de la existencia.<br />
Su obra consigue una gran carga pasional mediante la luz y el color, lo que prefigura el origen del expresionismo.<br />
Sus pinceladas son vigorosas, vibrantes, de mucho color tiene una peculiar forma flamígera. Su color vibra y está exaltado por lo que anticipa el fauvismo (Matisse).<br />
El estilo de Van Gogh evoluciona de un estilo sombrío, de perfiles realistas e integrados a creaciones vibrantes.<br />
Usa colores estridentes que se relacionan y contrastan. Los contornos que rodean los objetos son oscuros y cierran un interior repleto de espesas capas de color uniforme.<br />
Las pinceladas están llenas de pasta y se han dado de forma rápida. Emplea colores puros y pinceladas sinuosas que reflejan la influencia de la estampa japonesa.<br />
Su admiración por el grabado japonés se observa en la sencillez del dibujo, los espacios planos de color, las exageradas perspectivas y la ausencia de sombras.<br />
En su primera etapa en Holanda se dedica a pintar la vida de los campesinos y pobres de las ciudades.<br />
En su paleta predominan una gama de colores oscuros y sombríos, puestos en pinceladas con mucha pasta.<br />
De este periodo es <i>Los comedores de patatas (1.885)</i>.<br />
<img alt="File:Van-willem-vincent-gogh-die-kartoffelesser-03850.jpg" data-file-height="1884" data-file-width="2672" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b1/Van-willem-vincent-gogh-die-kartoffelesser-03850.jpg/800px-Van-willem-vincent-gogh-die-kartoffelesser-03850.jpg" height="451" width="640" /> <br />
A partir de 1.886, ya en Francia, entra en contacto con los impresionistas, aclara su paleta y practica la pincelada en forma de comas para crear la luz.<br />
Tras superar el impresionismo, se centra en el color violeta y de gran potencia emotiva y en captar la exaltación de la luminosidad, como en<i> Los girasoles (1.888</i>).<br />
<img alt="File:Vincent Willem van Gogh 128.jpg" data-file-height="2531" data-file-width="2024" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b4/Vincent_Willem_van_Gogh_128.jpg/479px-Vincent_Willem_van_Gogh_128.jpg" height="640" width="510" /> <br />
Esta es su <i>Habitación en Arlés (1.988).</i><br />
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/76/Vincent_van_Gogh_-_De_slaapkamer_-_Google_Art_Project.jpg/800px-Vincent_van_Gogh_-_De_slaapkamer_-_Google_Art_Project.jpg" height="508" style="max-height: 520px; max-width: 1349px;" width="640" /><br />
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Durante su estancia en Arlés convivió con Gaugin. Su convivencia resultó difícil hasta llegar al mítico episodio de la oreja. Según Gaugin Van Gogh le persiguió con una navaja para luego cortarse parte del lóbulo, que le entregó como "regalo" a una prostituta llamada Rachel.<br />
Después de este incidente, Theo Van Gogh, hermano de Vicent y marchante de Gaugin, decidió ingresar a su hermano en el hospital catorce días. En este tiempo pintó su <i>Autorretrato con la oreja vendada (1.889).</i><br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/proxy/AVvXsEjLMogxDT_I_bzrDLtPSZR4mO6WkrQ-P2SS2lAzPaFnAPIgt9TQZYu3DfrfgHkDueiSnsILeeBzBxpsMXq_vDnarS12NhBA6F854IbsBVRfhn2aPvg5scKt3cMslmj9NHas9EYFGrHMY92k-1EWgF2RlNJCXlWQuUqVOn-Jp0qxtPMUG_S6CHnOO4w_YmG-P15fVqaKNwo_FxkvLIlzjGW_x1gF2do-5V08S3ktYISbqLTLGGEGfRAix5ylWGJFAmaMoTF7CRh0KbHK66Q1xzuiNRotTIVxFGM=" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="File:VanGogh-self-portrait-with bandaged ear.jpg" border="0" data-file-height="1012" data-file-width="826" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f0/VanGogh-self-portrait-with_bandaged_ear.jpg/489px-VanGogh-self-portrait-with_bandaged_ear.jpg" height="599" width="489" /></a><i> </i><br />
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En abril de 1.889, su hermano Theo contrajo matrimonio y Vincent decidió internarse voluntariamente en
el hospital mental de Saint-Paul-de-Mausole en Saint-Rémy-de-Provence, a unos treinta y dos kilómetros de Arlés. Allí pintó su famosa <i>Noche estrellada.</i><br />
<img alt="File:VanGogh-starry night ballance1.jpg" data-file-height="1500" data-file-width="1879" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/66/VanGogh-starry_night_ballance1.jpg/751px-VanGogh-starry_night_ballance1.jpg" height="511" width="640" /><br />
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Durante esta estancia voluntaria, la expresión mística del sentimiento del artista hacia la naturaleza y de su propia angustia, que se materializa en el uso de la deformación como recurso expresivo.<br />
El resplandor de la estrellas ilumina artificialmente el cielo, lo que se ha interpretado como un símbolo de la última esperanza de salvación para un hombre sumido en la desesperación.<br />
En esta obra Van Gogh incorpora dos de sus motivos predilectos de la época: los cipreses, que empezarán a interesarle de 1.889 y que destacan por su marcado ímpetu ascensional. El otro interés de esta época son las escenas nocturnas, que pintaba al aire libre, con unos candiles que ponía al rededor del cuadro y de su sombrero.<br />
A pesar de la fama que tiene este autor, en vida sólo vendió este cuadro, <i>La viña roja (1.888)</i><br />
<img class="" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3c/Vincent_Willem_van_Gogh_036.jpg/800px-Vincent_Willem_van_Gogh_036.jpg" height="480" style="max-height: 520px; max-width: 1349px;" width="640" /> <br />
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Sus constantes depresiones le llevaron a ser conocido por sus vecinos de Arlés como el "loco pelirrojo". Se suicidó en 1.890.<br />
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<b>PAUL GAUGIN (1.848-1.903)</b><br />
Aprendió la técnica junto con Pissarro y expuso con los impresionistas, pero tras trasladarse e Bretaña en 1.898, abandonó y superó el impresionistas.<br />
A partir de 1.891 se sintió atraído por la naturaleza y las gentes de países lejanos como Martinica y Tahití. Gaugin rechazó la sociedad moderna, la Europa industrial, el progreso... Buscó la autenticidad e ingenuidad de la naturaleza, sus gentes, del arte antiguo.<br />
Su obra muestra dibujos de sólidos trazos, un cromatismo, colores violentos e intensos, falta de modelado y relieve, simplificación de volúmenes, ausencia de profundidad y perspectiva.<br />
La luz cede el protagonismo al color, fuerte y exuberante, cuyo violento y atrevido tratamiento anuncia el fauvismo.<br />
Esta es <i>La visión tras el sermón</i> (1.888)<br />
<img class="" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/56/La_vision_apr%C3%A8s_le_sermon_%28Paul_Gauguin%29.jpg/800px-La_vision_apr%C3%A8s_le_sermon_%28Paul_Gauguin%29.jpg" height="488" style="max-height: 520px; max-width: 1349px;" width="640" /><br />
<i>El Cristo amarillo (1.889)</i><br />
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/35/Gauguin_Il_Cristo_giallo.jpg" style="max-height: 521px; max-width: 1349px;" width="414" /><br />
<i>Mujeres tahitianas (1.891)</i><br />
<img class="" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Paul_Gauguin_056.jpg/800px-Paul_Gauguin_056.jpg" height="477" style="max-height: 520px; max-width: 1349px;" width="640" /> <br />
<i>¿De dónde venimos? ¿Qué somos a dónde vamos? (1.897) </i><br />
<img class="" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/fc/Woher_kommen_wir_Wer_sind_wir_Wohin_gehen_wir.jpg" style="max-height: 520px; max-width: 1349px;" /> <br />
<i>Rupe, rupe (1.899).</i><br />
<img class="" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e0/Paul_Gauguin_107.jpg/1024px-Paul_Gauguin_107.jpg" height="416" style="max-height: 522px; max-width: 1349px;" width="640" /><br />
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<b>TOULOUSE LAUTREC (1.864-1.901)</b><br />
Al igual que Degás no se vio atraído ni por el paisaje ni por el aire libre.<br />
Su obra se vincula a la vida nocturna de París, con los cabarets, especialmente el del Moulin Rouge, también con burdeles, el circo, el teatro, etc.<br />
Esta es <i>La mujer en el toilette</i> (1.889) <br />
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<img alt="File:Henri de Toulouse-Lautrec 017.jpg" data-file-height="2517" data-file-width="2024" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/64/Henri_de_Toulouse-Lautrec_017.jpg/482px-Henri_de_Toulouse-Lautrec_017.jpg" height="599" width="482" /><br />
Este es <i>El baile en el Moulin Rouge (1.890)</i>.<br />
<img alt="File:Henri de Toulouse-Lautrec 005.jpg" data-file-height="1950" data-file-width="2536" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/18/Henri_de_Toulouse-Lautrec_005.jpg/780px-Henri_de_Toulouse-Lautrec_005.jpg" height="492" width="640" /><br />
Los recuerdos y personajes de este ambiente son plasmados en retratos, bustos, carteles, lienzo, litografías y dibujos de forma implacable y mordaz, con gran esfuerzo y originalidad.<br />
En sus obras podemos apreciar la influencia de la estampa japonesa por sus contornos fuertemente marcados, por su composición asimétrica, por la utilización de manchas de colores planos y el gusto por la simplificación.<br />
Del impresionismo tomó el empleo de tonos puros y las pinceladas yuxtapuestas.<br />
Su pintura se caracteriza por los trazos rotos y nerviosos, la línea viva, los colores brillantes y los encuadres sorprendentes.<br />
Se sintió atraído por el movimientos, que plasmaba en sus cuadros, y por el rostro humano, que estudiaba con ayuda de la psicología, tratando de penetrar en el alma humana.<br />
Convirtió el cartel en el arte, a través del cual ofrecía la información de forma clara y concisa con pocas pero rotundas imágenes bien definidas.<br />
<img alt="File:Lautrec jane avril at the jardin de paris (poster) 1893.jpg" data-file-height="1096" data-file-width="784" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/21/Lautrec_jane_avril_at_the_jardin_de_paris_%28poster%29_1893.jpg/429px-Lautrec_jane_avril_at_the_jardin_de_paris_%28poster%29_1893.jpg" height="400" width="285" /> <img alt="File:Lautrec ambassadeurs, aristide bruant (poster) 1892.jpg" data-file-height="1179" data-file-width="784" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/09/Lautrec_ambassadeurs%2C_aristide_bruant_%28poster%29_1892.jpg/398px-Lautrec_ambassadeurs%2C_aristide_bruant_%28poster%29_1892.jpg" height="400" width="265" /><br />
<br /></div>
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Hacia 1.880, el impresionismo provocó una serie de revisiones. La priemera de ellas es el Neoimpresionismo, que intenta ir más allá del impresionismo y dar fundamento científico del proceso visual y operativo de la pintura.<br />
Este movimiento se preocupa por la unión entre el arte y la ciencia, aplicando hasta las últimas consecuencias las teorías sobre el color de Chevreul.<br />
El neoimpresionismo crea la técnica del puntillismo o divisionismo, que consiste en aplicar la pintura en el lienzo con minúsculas manchas de color puro en yuxtaposición. Al verlo a cierta distancia, las manchas se funden.<br />
Los representantes más importantes son Seurat y Sgnac, quienes sientan las bases para corrientes posteriores como el fauvismo y el cubismo.<br />
<br />
<u>Georges Pierre Seurat (1.859-1.891)</u><br />
Todos sus cuadros dan la sensación de algo muy complejo. Elaboraba numerosos estudios previos, apuntes al aire libre que luego, en su estudio convertía en grandes composiciones.<br />
Esta obra se titula <i>Bañistas en Asnieres</i> (1.884).<br />
<img alt="File:Baigneurs a Asnieres.jpg" data-file-height="4226" data-file-width="6367" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/eb/Baigneurs_a_Asnieres.jpg/800px-Baigneurs_a_Asnieres.jpg" height="424" width="640" /><br />
Esta es domingo en la <i>isla de la Grande Jatte (1.884).</i><br />
<img alt="File:A Sunday on La Grande Jatte, Georges Seurat, 1884.png" data-file-height="2009" data-file-width="2990" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/67/A_Sunday_on_La_Grande_Jatte%2C_Georges_Seurat%2C_1884.png/800px-A_Sunday_on_La_Grande_Jatte%2C_Georges_Seurat%2C_1884.png" height="430" width="640" /><br />
<u>Paul Signac (1.863-1.935)</u><br />
Fue discípulo de Seurat. Se sintió inclinado por el paisaje, al que aplicó el puntillismo por medio de puntos que aumentaban su tamaño y se convierten en cortas pinceladas que recuerdad a los mosaicos.<br />
Este es <i>El puerto de Saint-Tropez (1901</i>).<br />
<img alt="File:Paul Signac - The Port of Saint-Tropez - Google Art Project.jpg" data-file-height="3144" data-file-width="3953" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/75/Paul_Signac_-_The_Port_of_Saint-Tropez_-_Google_Art_Project.jpg/754px-Paul_Signac_-_The_Port_of_Saint-Tropez_-_Google_Art_Project.jpg" height="509" width="640" /><br />
Este es <i>El puerto de Marsella (1.906)</i><br />
<img alt="File:Paul Signac Port de Marseilles.jpg" data-file-height="575" data-file-width="691" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/35/Paul_Signac_Port_de_Marseilles.jpg" height="532" width="640" /> </div>
Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-14689151791212240112014-04-02T11:29:00.000+02:002014-11-04T10:25:37.603+01:00El Impresionismo<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="text-align: center;">
<b>RASGOS GENERALES</b> </div>
El movimiento impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Francia.<br />
No es un grupo homogéneo pero tienen características en común.<br />
Pintan escenas de la vida cotidiana, paisajes y siempre al aire libre.<br />
Su pintura se concibe en función de la luz y del color.Utilizan las teorías de color de Chevreul, que establece tres colores primarios o generadores (azul, rojo y amarillo) y tres colores secundarios o complementarios, formados por la mezcla de dos primarios: verde (azul + amarillo), violeta (azul + rojo) y naranja (amarillo + rojo). Cada color es complementario de otro: verde del rojo, violeta del amarillo y el naranja del azul. Cada color tiende a rellenar con su complementario el espacio que lo rodea. Así el rojo sombrea con verde y cuando se yuxtaponen aumenta su intensidad.<br />
Las pinceladas son sueltas de manchas yuxtapuestas. La retina es la que mezcla los colores.<br />
<br />
El paisaje es le forma de pintura más importante. Intenta reflejar la naturaleza cambiante. Los impresionistas tratan de plasmar un impresión fugaz, un momento concreto, por eso suelen representar series de un mismo paisaje a diferentes horas. Su visión depende de la luz y de sus variaciones.<br />
Si hablamos de la técnica, los impresionistas abandonan los principios tradicionales del arte pictórico y excluyen el dibujo con contorno y se sugiere el volumen.<br />
Prescinden de la perspectiva basada en reglas de la geometría, del claroscuro, elimina negros, grises, pardos y tierras. Emplea la perspectiva realizada desde el primer plano hasta la linea del horizonte, por la disminución de los tintes y de los tonos, con lo que se señalan el espacio y el volumen.<br />
La pincelada es suelta, con poca materia y pinceles finos. La pintura es luminosa y con matices que cambian en función de la luz. <br />
<br />
Los precursores inmediatos del movimiento impresionista los encontramos en:<br />
<ul style="text-align: left;"><a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a6/La_Grande_Vague_invers%C3%A9e.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a6/La_Grande_Vague_invers%C3%A9e.jpg" height="213" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="320" /></a>
<li>los paisajistas ingleses (Turnes y Constable), </li>
<li>Delacroix (el color siempre prevalece sobre el dibujo), </li>
<li>Corot (paisajes sumergidos en una bruma espesa)</li>
<li>la escuela paisajística de Barbizón,</li>
<li>Courbet (preocupación por la luz y su intensidad).</li>
</ul>
A esto hay que añadir que la fotografía y estampa japonesa ofrecen nuevos puntos de vistas y nuevos enfoques para sus composiciones. <br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<b>MANET (1.832 - 1.883)</b></div>
Se le considera abanderado e inspirador del movimiento, pero nunca se comprometió con él ni participó en las exposiciones impresionismo.<br />
Los impresionistas hicieron propios la importancia que Manet daba a la luz, el intento de transmitir la sensación, los temas de la actualidad cotidiana, los colores claros y la arbitrariedad de la perspectiva.<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/57/Edouard_Manet_044.jpg/300px-Edouard_Manet_044.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/57/Edouard_Manet_044.jpg/300px-Edouard_Manet_044.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="290" /></a>A diferencia de los impresionistas, Manet no suprimió el blanco ni el negro de su paleta, no solía pintar al aire libre y su pincelada no se fragmentaba en en pequeñas comas.<br />
La pintura, sin claroscuros ni relieves, está hecha a base de zonas de colores planos. No hay distinción entre la luz y la sombra, al yuxtaponerse manchas tonales con manchas de color.<br />
<br />
<u>Formación y primera etapa.</u><br />
Se formó en el estudio de un académico, trabajando en el Louvre descubrió a Tiziano.<br />
De los maestros contemporáneos le interesaba Courbet.<br />
Durante su primera, se fija en la pintura española, especialmente en Velázquez y Goya. Esto se aprecia en sus primeros lienzos, en los que valora el negro, exaltado por grises y colores claros. También representa temas españoles. Esta es <i>Lola de Valencia (1.862)</i>.<br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/23/Edouard_Manet_016.jpg/300px-Edouard_Manet_016.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/23/Edouard_Manet_016.jpg/300px-Edouard_Manet_016.jpg" height="400" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="283" /></a><br />
<br />
Otra obra representativa de este periodo es El balcón (1.868).<br />
Se observa la influencia del grabado japonés porque los colores son planos.<br />
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En <i>El pífano (1.868)</i> se observa la influencia japonesa y española.<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a2/Manet,_Edouard_-_Young_Flautist,_or_The_Fifer,_1866_%282%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a2/Manet,_Edouard_-_Young_Flautist,_or_The_Fifer,_1866_%282%29.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="229" /></a><br />
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<u>Sus obras polémicas</u>.<br />
En 1.863 su <i>Desayuno sobre la hierba</i> fue rechazado para el Salón de París. Esta obra, y otras de otros autores, fueron expuestas en el Salón de los Rechazados y provocó gran revuelo en la sociedad francesa.<br />
<img alt="File:Edouard Manet - Luncheon on the Grass - Google Art Project.jpg" data-file-height="4389" data-file-width="5649" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg/772px-Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-_Google_Art_Project.jpg" height="496" width="640" /><br />
Si analizamos los elementos plásticos, los verdes, predominantes en la obra, envuelven a los negros, blancos, acres y azules morados de los personajes y sus atuendos.<br />
La combinación de las diversas tonalidades verdosas del lienzo proporcionan la apariencia de transparencia al agua del arroyo.<br />
Las figuras están trabajadas como zonas planas de color, sin claroscuros y dibujadas sin líneas que modelen sus contornos. La luz se funde en los colores. Las sombras son simples manchas de color yuxtapuestas.<br />
Si observamos la composición, el espacio central de la obra es ocupado por una mujer completamente desnuda y dos hombres vestidos. Los dos personajes de la izquierda están sentados en la hierba y vuelven el rostro hacia el espectador, pese a que solo ella busca su mirada, pues su compañero parece absorto.<br />
El otro hombre, semitumbados, está retratado con el brazo derecho levantado y con un gesto de la mano, indica que ha tomado la palabra.<br />
Al fondo de observa una mujer que se refresca en un arroyo y una barca de remos; en el margen inferir izquierdo, un cesta de frutas y pan (los restos del almuerzo que dan nombre a la obra) y las opas de ellas. Los árboles enmarcan la escena.<br />
Esta obra fue motivo de escándalo en su época no tanto por la desnudez de la mujer, sino por la ausencia de carácter mitológico que lo justificase.<br />
<br />
En 1.865 Manet expuso <i>Olimpia</i> , lo que provocó un nuevo escándalo. Está inspirada en la actitud de la <i>Venus de Urbino </i>de Tiziano. En cuanto al espíritu y la técnica, está influida por la <i>Maja desnuda </i>de Goya.<br />
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5c/Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project_3.jpg/800px-Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project_3.jpg" height="433" style="max-height: 520px; max-width: 1349px;" width="640" /><br />
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<u>Manet y los impresionistas.</u><br />
<br />
Desde 1.870, debido a la admiración que sentían por él los jóvenes impresionistas, Manet se acercó a este movimiento. Así eliminó el claroscuro y los tonos intermedios, resolvió las relaciones de tonos con relaciones cromáticas y pintó al aire libre.<br />
Sus cuadros presentan pinceladas libres y ricos colores. Aunque adoptó una técnica más vibrante y aclaró la paleta, aunque no abandonó los colores contrastados.<br />
Esta obra se titula <i>Orillas del Sena en Argeteuil</i>.<br />
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<img alt="claude monet, Bancos Riverside, Argenteuil, el Sena en Argenteuil" src="http://www.4-construction.com/up/images/featured/art/01-the-seine-at-argenteuil.jpg" /><br />
Su última obra, que supuso la culminación de su arte es El bar de Folies-Bergère.<br />
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<img src="http://img470.imageshack.us/img470/3327/unbarenelfoliesbergrehg4.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="511" /><br />
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<div style="text-align: center;">
<b>LOS MAESTROS IMPRESIONISTAS</b> </div>
<u><br /></u>
<u>CLAUDE MONET (1.840-1.926) </u><br />
Es el pintor de la luz. Empezó su formación como caricaturista, aunque en 1.856 se inició en la pintura al aire libre, trabajando con Renoir y Sisley.<br />
Buscaba la impresión realista que encontraba en la naturaleza, captando que está perpetua transformación.<br />
El método de trabajo es al aire libre y se dedicó al estudio de las transparencias y a los efectos lumínicos del agua y a la atmósfera.<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/95/Claude_Monet_024.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/95/Claude_Monet_024.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="319" /></a><br />
Monet adoptó una técnica rápida de toques de pincel, evitando fundir los colores en la tela.<br />
Para reflejar la abundancia de percepciones, cambia el método a cada momento. Según los casos, a veces emplea pinceladas anchas y amplias, tratadas con pasta grumosa, y otra usaba pequeños toques ligeros fragmentando la pincelada.<br />
En su primera etapa realiza cuadros al aire libre, aunque incluyó la figura humana, a la que llegó a convertir en auténtica protagonista como en esta <i>Mujeres en el jardín</i> (1.867).<br />
Sin embargo, acabó centrándose en los reflejos de la luz y del agua, dejando en un segundo plano a las personas.<br />
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Tras la guerra, regresó a las tertulias del café Guerbois y se convirtió en la figura clave del movimiento.<br />
<a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=6398103853983668616" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a>En 1.874 este grupo realizó su primera exposición conjunta. Monet llevó su obra <i>Impresión. Sol naciente</i>, con su característica pincelada suelta y rota, con la idea de conseguir sutiles efectos de luz.<br />
En este sentido son paradigmáticas las manchas de color naranja que representan los reflejos del sol en el agua y que van separándose a medida que se acercan al espectador.<br />
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5c/Claude_Monet,_Impression,_soleil_levant,_1872.jpg" height="492" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /><br />
La técnica utilizada es fruto de la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre para captar una impresión fugaz de la naturaleza. Por ello, las figuras están esbozadas de forma muy esquemática.<br />
Al fondo del lienzo se insinúan los barcos mercantes con sus mástiles y las chimeneas de las fábricas que expulsan humo. La espesa niebla matinal dificulta la visión del círculo rojo intenso, el sol.<br />
Acercándose al espectador se aprecian tres botes de remos que navegan por unas aguas calmadas en las que refleja la luz del sol. El cuadro representa el amanecer sobre el puerto de Le Havre.<br />
<br />
Pese a que este cuadro fue el que dio nombre en un conjunto de artistas, no es uno de los mejores ejemplos de la manera de pintar de esta grupo.<br />
Son mucho más impresionistas las obras que realizó Monet en Argenteuil, inspiradas en el Sena. Entre 1.872 y 1.878 se instaló en esta localidad y su pintura se hizo más fresca, sensible y luminosa. Su paleta se aclaró y eliminó de ella el negro, el gris y los colores pardos. Se complacía en representar paisajes como este <i>Campo floreciendo en Argenteui</i>l.<br />
<img alt="File:Claude Monet 037.jpg" data-file-height="1826" data-file-width="2536" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/29/Claude_Monet_037.jpg/800px-Claude_Monet_037.jpg" height="460" width="640" /> <br />
<br />
A partir de 1.877 comenzó sus famosas series, en las que repetía el mismo tema, pero a distintas horas del día y las diferentes condiciones atmosféricas, observando los cambios de la luz.<br />
En la década de 1.890, pertenece su serie más famosa; la catedral de Rouen, en la que la luz, a diferentes horas del día, nos muestra un aspecto distinto.<br />
<br />
<img src="http://3.bp.blogspot.com/-Ri0iLr2Z1FM/UJYK6OuLOYI/AAAAAAAAB_Q/yNTjT8XuqdQ/s1600/monet_catedral_web.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="531" /><br />
Desde 1.899 hasta 1.926 trabaja en la serie de Las Ninfeas, con casi cien cuadros en los que recrea escenas del jardín acuático. En ellas han desaparecido todo. Sólo hay agua y el reflejo de la vegetación.<br />
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/cb/Claude_Monet_Nympheas_1915_Musee_Marmottan_Paris.jpg" height="542" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /> <br />
<img src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPteMNySh4fR5mRMWq-g4d7rfQuCQ-_Q7o7BVNAzztDgCLZuNhhwf_z9hFivAvgBG_KQw7R4tZ7pezuy2xZx9wIxpLX36bZ4ac7uE7QiE-3d5M-K63yQDueZWCEylsair0L6goayqa79c/s640/monet003.jpg" height="480" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /><br />
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<u>CAMILLE PISSARRO (1.830-1.903)</u><br />
Es el impresionista más cercano a Manet. Al principio está influido por Corot, aunque después su paleta se aclaró.<br />
Es el pintor de la tierra, de la naturaleza agreste y de la vida campesina.<br />
Utilizaba mucha pasta, aplicada a menudo con espátula. Los colores son mates y están matizados de blanco. Buscaba los contrastes de luz y sombra.<br />
Es el más viejo del grupo. Primero estuvo asociado a la Escuela de Barbizón y luego se unió a los impresionistas. <br />
Fue profesor, entre otros, de Gaugin, Cezanne y de su hijo Lucien. También de la impresionistas estadounidense Mary Cassat.<br />
Estos son <i>Los tejados rojos (1897).</i><br />
<br />
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/3e/Camille_Pissarro_011.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="473" /><br />
Esta es<i> La plaza del carrusel</i> (1.900)<br />
<img alt="File:USA-National Gallery of Art3.JPG" data-file-height="3420" data-file-width="5159" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/9f/USA-National_Gallery_of_Art3.JPG/800px-USA-National_Gallery_of_Art3.JPG" height="424" width="640" /><br />
<u><br /></u>
<u>ALFRED SYSLEY (1.839-1.899).</u><br />
Es el más lírico de los impresionistas ya que busca una naturaleza emotiva. Trabaja al aire libre, a orillas del Sena, con Monet, Pissarro y Renoir.<br />
Casi exclusivamente trata la temática paisajística. Prefería los paisajes acuáticos, sus reflejos y transparencias, o la nieve.<br />
Adoptó una técnica rápida, con toques de pinceladas finas y utilizó tonos yuxtapuestos.<br />
Trató el tema de las inundaciones, pero envuelto en un lirismo de forma que no parecen una catástrofe, como la inundación en Port-Marly.<br />
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/44/Alfred_Sisley_062.jpg" height="524" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /><br />
<br />
<u>AUGUSTE RENOIR (1.841-1.919).</u><br />
Se inició en los caminos del impresionismo junto a Monet y Pisarro. En su periodo de formación se aprecia la influencia de Courbet y Manet, que le aconsejó que aclarase su paleta.<br />
Si hablamos de su estilo, sus temas preferidos son las figuras humanas sobre el paisaje, el desnudo al aire libre, las composiciones con personajes tomados de la vida cotidiana, los retratos y alguna naturaleza muerta.<br />
Muestra un especial interés por la figura femenina que no manifiestan sus compañeros.<br />
Utiliza la técnica impresionista (pinceladas pequeñas o largas sueltas, rápidas, nerviosas y yuxtapuestas) pero, a diferencia de los otros impresionistas, les da un acabado brillantes y pulido que contrasta con la pastosidad de la pincelada impresionista.<br />
En sus primeras obras emplea la técnica impresionista de pincelas sueltas y contornos poco definidos, en las que la luz y el color son los protagonistas.<br />
Des estos inicios destacan <i>El palco</i> (1.876)<br />
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7d/Pierre-Auguste_Renoir%2C_La_loge_%28The_Theater_Box%29.jpg/640px-Pierre-Auguste_Renoir%2C_La_loge_%28The_Theater_Box%29.jpg" style="max-height: 520px; max-width: 1349px;" width="415" /><br />
<i>El baile del Moulin de la Galette</i> (1.876)<br />
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<img class="" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/21/Pierre-Auguste_Renoir%2C_Le_Moulin_de_la_Galette.jpg/800px-Pierre-Auguste_Renoir%2C_Le_Moulin_de_la_Galette.jpg" height="477" style="max-height: 520px; max-width: 1349px;" width="640" /><br />
Desde la década de 1.880 se aleja del impresionismo y define las formas, marca los contornos y da protagonismo al dibujo. Este cambio se debe al estudio de la obra de Ingres. Su pincelada es más apretada. De esta época destaca <i>El almuerzo de los remeros</i> (1.881)<br />
<img class="" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8d/Pierre-Auguste_Renoir_-_Luncheon_of_the_Boating_Party_-_Google_Art_Project.jpg/800px-Pierre-Auguste_Renoir_-_Luncheon_of_the_Boating_Party_-_Google_Art_Project.jpg" height="477" style="max-height: 520px; max-width: 1349px;" width="640" /> <br />
y <i> Las grandes bañistas </i>(1.884).<br />
<img class="" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d4/Pierre-Auguste_Renoir%2C_French_-_The_Large_Bathers_-_Google_Art_Project.jpg/800px-Pierre-Auguste_Renoir%2C_French_-_The_Large_Bathers_-_Google_Art_Project.jpg" height="438" style="max-height: 520px; max-width: 1349px;" width="640" /><br />
En la década de 1.890 abandona su dibujo preciso y lineal para buscar el equilibrio de forma y color. En esta etapa dominan los colores cálidos con reflejos nacarados. Abundan los desnudos femeninos de tonos rosas, amarillos y naranjas como el de <i>La joven bañista</i> (1.888) <br />
<img src="http://www.sofiaoriginals.com/dic7197.jpg" height="562" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="430" /><br />
Progresivamente retorna hacia el impresionismo y pinta paisajes, naturalezas muertas y figuras. En ellas fija el resplandor del Sol y su incidencia sobre la figura humana al aire libre, para llegar a su gran obra: Las bañistas (1.918).<br />
<img src="http://media-cache-ec0.pinimg.com/736x/00/9d/39/009d391046b9f8e3586cb80cc8e063bc.jpg" height="448" id="irc_mi" style="margin-top: 23px;" width="640" /><br />
<br />
<u>EDUARD DEGAS (1.834-1.917)</u>.<br />
Sentía verdadera admiración por Ingres y el dibujo.<br />
A raíz de las tertulias en el Guerbois, abandonó la pintura histórica por escenas de la vida moderna, aclaró su paleta, hizo pinceladas más espesa y las yuxtapuso.<br />
Se le vincula al impresionismo por el interés en representar lo instantáneo y la realidad que le rodea, aunque utiliza líneas para marcar el contorno de las formas. <br />
Prefirió los interiores al aire libre, el ser humano a la naturaleza y la luz artificial a la natural.<br />
De la fotografía tomó el carácter instantáneo. Del grabado japonés adoptó los encuadres audaces. <br />
Se sintió atraído por la figura humana. Pinta bailarinas, óperas, circos, carrera de caballos, etc. en las que el movimiento es fundamental.<br />
Esta es su <i>Clase de Danza</i> (1.884)<br />
<img alt="File:Edgar Germain Hilaire Degas 021.jpg" data-file-height="2257" data-file-width="2024" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a7/Edgar_Germain_Hilaire_Degas_021.jpg/538px-Edgar_Germain_Hilaire_Degas_021.jpg" height="600" width="538" /><br />
<i>Bailarinas basculando</i> (1.887)<br />
<br />
<img alt="File:Edgar Degas - Balançant danseurs.jpg" data-file-height="3575" data-file-width="2000" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/95/Edgar_Degas_-_Balan%C3%A7ant_danseurs.jpg/335px-Edgar_Degas_-_Balan%C3%A7ant_danseurs.jpg" height="599" width="335" /><br />
Esta es una escultura de una Bailarina.<br />
<img alt="File:Glyptoteket Degas2.jpg" data-file-height="1967" data-file-width="763" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7c/Glyptoteket_Degas2.jpg/232px-Glyptoteket_Degas2.jpg" height="598" width="232" /></div>
Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-57743609489073640362014-03-30T11:27:00.000+02:002014-05-16T10:29:10.484+02:00El Realismo<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
Francia continúa siendo una potencia colonial. París será el centro del arte mundial hasta las primeras décadas del siglo XIX. Tienen gran importancia los Salones de pintores que desde el siglo XVIII se realizaban periódicamente.<br />
Desde mediados del siglo XIX el Romanticismo deja paso al Realismo. Sus autores intentan ofrecer una muestra fiel de vida cotidiana. Hay que destacar en todos ellos la influencia de la literatura de Balzac, Stendhal, Tolstoi, Dickens, Dostoviesky...<br />
El realismo es una reacción a los elementos ideales y fantásticos del neoclasicismo y romanticismo. Reflejan la realidad tal y como es. Tras los sucesos revolucionarios de 1.848, pintores franceses como Courbet, Daumier y Millet, reaccionaron. Eligen temas sociales con campesinos y obreros como protagonistas. Se exalta el trabajo, desaparece la preocupación por lo religioso y por el alma del romanticismo.<br />
<br />
<b>GUSTAVE COURBET (1.818-1.877).</b><br />
Fue socialista y revolucionario pero no puso el arte al servicio de la ideología. <br />
Aprendió su técnica de Velázquez y Zurbarán, el manejo de las luces y las sombras de Rembrandt.<br />
La temática de su obra se centra en la vida rural y en los oficios humildes del campo.<br />
Su pincelada es suelta, colores cálidos, sobre fondos oscuros y los contrastes de luces y sombras. Anticipa el impresionismo.<br />
Esta obra es <i>El entierro en Ornans</i> (1.850).<br />
<img alt="File:Gustave Courbet - A Burial at Ornans - Google Art Project 2.jpg" data-file-height="2777" data-file-width="6042" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a0/Gustave_Courbet_-_A_Burial_at_Ornans_-_Google_Art_Project_2.jpg/800px-Gustave_Courbet_-_A_Burial_at_Ornans_-_Google_Art_Project_2.jpg" height="294" width="640" /><br />
Provocó un escándalo en el Salón de 1850, por el feísmo y vulgaridad de
sus personajes. Se aplica un formato grande, académico, a una
representación de un tema cotidiano: un entierro, en el que conviven
burgueses y campesinos; el tratamiento es sobrio y sencillo.<br />
Utilizó una gama cromática muy reducida con el objetivo de aumentar el dramatismo de la escena. Pese a que el negro es el color dominante, también destaca el blanco (de los clérigos, monaguillos, camisa blanca, perro), el rojo (de las togas y los birretes de los maceros del centro) y el tono ocre amarronado (del paisaje del fondo).<br />
La luz es real. La escena se sitúa en el amanecer y sirve para dotar de corporeidad a las figuras.<br />
El cuadro es de grandes dimensiones y los personajes se distribuyen sin ninguna jerarquía como si se tratase de un friso. La estrechez del estudio del pintor, que le impedía observar la obra a una distancia apropiada, obligó al autor a situar las figuras tras la fosa y no su alrededor.<br />
La horizontalidad de los dos acantilados del fondo y de las nubes se contraponen a la verticalidad de los individuos.<br />
EL autor narra como un sacerdote oficia un funeral por rutina, los acólitos y los clérigos se desentienden de la ceremonia y los amigos o familiares, exceptuando algún caso concreto, parecen cumplir con una obligación social en lugar de sentir la muerte del difunto.<br />
En este sentido,la presencia del perro en primer término y tan cercano a la fosa, más próximo al difunto que la mayoría de los asistentes, es paradigmática.<br />
Otras obras de Courbet es este <i>Estudio del pintor</i>.<br />
<img alt="File:Courbet LAtelier du peintre.jpg" data-file-height="824" data-file-width="1400" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a4/Courbet_LAtelier_du_peintre.jpg/800px-Courbet_LAtelier_du_peintre.jpg" height="376" width="640" /><br />
<br />
<b>HONORE DAUMIER (1.808-1.879)</b><br />
En sus obras destacan la sátira, las caricaturas políticas, el compromiso moral y la dura polémica social. Representa los aspectos más sórdidos de la realidad y se preocupa por las clases más humildes.<br />
Sus trazos rápidos deforman las figuras, anticipándose en sus caras al expresionismo.<br />
Su obra más conocida es este <i>Vagón de tercera clase</i>.<br />
<img alt="File:Honoré Daumier 034.jpg" data-file-height="1860" data-file-width="2536" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/2e/Honor%C3%A9_Daumier_034.jpg/800px-Honor%C3%A9_Daumier_034.jpg" height="469" width="640" /><br />
<br />
<b>JEAN FRANÇOIS MILLET (1.815-1.875)</b><br />
Es el pintor de campesinos. Siente predilección por los temas rurales, la ética y la religiosidad del trabajo rural. Millet veía a los campesinos como trabajadores ajenos a los asuntos políticos del momento y los representaba como héroes de la moralidad. <br />
Crea envolventes penumbras que unen a las figuras y paisajes, que contrastan con los amplios conjuntos de luz que ofrecen gran dramatismo al conjunto.<br />
Estas son <i>Las espigadoras</i>.<br />
<img class="" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1f/Jean-Fran%C3%A7ois_Millet_-_Gleaners_-_Google_Art_Project_2.jpg/800px-Jean-Fran%C3%A7ois_Millet_-_Gleaners_-_Google_Art_Project_2.jpg" height="479" style="max-height: 520px; max-width: 1349px;" width="640" /> <br />
En esta obra predominan las tonalidades terrosas evocan un caluroso día de verano y da calidez al cuadro. Sólo interrumpen esta calidez la franja del campo en primer término y una parte de las ropas de las campesinas.<br />
Las pinceladas son gruesos y sueltas, y las figuras están poco dibujadas. Las campesinas del primer plano destaca con nitidez en un campo de grandes dimensiones donde el sol y el calor hacen todavía más fatigosa la recogida de espigas. La dureza de la vida del campo se encarna en estas tres espigadoras anónimas. <br />
<br />
<b>EL PAISAJE REALISTA</b><br />
Camille Corot y la escuela de Barbizón se interesan en captar la realidad visible de la naturaleza a la vez que sientan las bases para el impresionismo.<br />
<b> </b><br />
<b>Camille Corot (1.796-1.875) </b>fue el mejor paisajista del siglo XIX. Observa y pinta directamente de la naturaleza, reproduciendo fielmente el mundo real. Capta los cambios de la luz y de la atmósfera en el paisaje.<br />
Pinta con toques breves y colores brillantes que adquieren un tono verde-gris.<br />
Por su tratamiento del color, composición y pincelada se adelanta al Impresionismo.<br />
Este es<i> </i>un paisaje de <i>la villa de Arvay</i>.<br />
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/80/Corot.villedavray.750pix.jpg" height="472" id="irc_mi" style="margin-top: 4px;" width="640" /> <br />
<br />
Desde 1.830, la escuela de Barbizón, fundada por Théodore Rousseau, Camille Corot y Millet, es la precursora del impresionismo. Estos autores se van a ir a vivir en torno al pueblo de Barbizón, rompiendo así con los convencionalismos de la escuela academicista.<br />
Van a estudiar los paisajes en contacto directo con la naturaleza. Les preocupan los aspectos cambiantes de la misma y el paisaje adquiere importancia gracias al tratamiento de la luz, la atmósfera y el color.<br />
Este cambio se debe a una exposición que hubo en 1824 en París sobre Constable. Esto marcó definitivamente a estos autores.<br />
Esta obra <i>es un paisaje de Barbizón </i>de T. Rousseau.<br />
<img alt="File:Théodore Rousseau 001.jpg" data-file-height="1869" data-file-width="2536" height="472" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/55/Th%C3%A9odore_Rousseau_001.jpg/800px-Th%C3%A9odore_Rousseau_001.jpg" width="640" /> <br />
<br />
<b>EL REALISMO EN ESPAÑA: MARTÍ ALSINA Y FORTUNY.</b><br />
<br />
<b>Mariano Fortuny (1.838-1.874) </b>estudió en la Lonja de Barcelona y se trasladó con una beca a Roma en 1.858.<br />
Durante la guerra entre España y Marruecos fue enviado por la diputación de Barcelona para trabajar como cronista gráfico en Marruecos.<b> </b>El colorido y el exotismo del escenario magrebí le llevaron a iniciarse en una técnica a partir de manchas de gran intensidad cromática y lumínica.<br />
La vicaría es su obra culminante, dentro del género del tableautin (lienzos pequeños). Esta obra ilustra los trámites burocráticos que realizó para casarse con Cecilia Madrazo.<br />
Fortuny aporta elementos castizos y populares. La ejecución es vibrante y demuestra una fina sensibilidad por el color y la luz.<br />
<img class="" height="390" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f5/MARIANO_FORTUNY_-_La_Vicar%C3%ADa_%28Museo_Nacional_de_Arte_de_Catalu%C3%B1a%2C_1870._%C3%93leo_sobre_tabla%2C_60_x_93.5_cm%29.jpg/1024px-MARIANO_FORTUNY_-_La_Vicar%C3%ADa_%28Museo_Nacional_de_Arte_de_Catalu%C3%B1a%2C_1870._%C3%93leo_sobre_tabla%2C_60_x_93.5_cm%29.jpg" style="max-height: 520px; max-width: 1349px;" width="640" /><br />
<br />
<b>Ramón Martí i Alsina (1.826-1.894) </b>trató casi todos los géneros pictóricos: escenas de la vida cotidiana e históricas, desnudos, bodegones, retratos y paisajes.<br />
Esta obra es La siesta, un retrato del industrial barcelonés Nicolau Bujons durmiendo en una butaca. Es su obra más famosa y una de las más destacadas del realismo español.<br />
<br />
<img height="393" id="irc_mi" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/bb/Ramon_Mart%C3%AD_i_Alsina_-_The_Siesta_-_Google_Art_Project.jpg" style="margin-top: 0px;" width="420" /><br />
A través de su labor docente en la Lonja de Barcelona (1.852-1.870) inculcó sus valores artísticos a muchos discípulos, entre los que destaca <b>Joaquín Vayreda (1.843-1.894</b>). Esta paisaje es obra suya.<br />
<img alt="File:Joaquim Vayreda i Vila- Paisatge- 1677.jpg" data-file-height="281" data-file-width="448" height="281" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/be/Joaquim_Vayreda_i_Vila-_Paisatge-_1677.jpg" width="448" /><br />
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Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-79850427619891139312014-03-28T19:45:00.001+01:002021-10-19T14:28:30.318+02:00El Romanticismo: el arte del sentimiento.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
El Romanticismo es un movimiento artístico y cultural que se inicia en los últimos años del siglo XVIII.Se caracteriza por expresar estados de ánimo y sentimientos. <br />
La razón ha dejado paso a los sentimientos, a la intensidad emocional. Este movimiento propugna un arte onírico. Descubre los paisajes y disfruta e la exaltación del pueblo, de la libertad, del patriotismo, de la nacionalidad.<br />
El tema predilecto de los pintores románticos son los paisajes, en su aspecto más salvaje y misterioso. Reflejan la lucha de la humanidad por la supervivencia frente a la naturaleza.<br />
También se pintan cuadros con temática exótica, dramática, melancólica.<br />
También hablan de temas políticos como revoluciones.<br />
El retrato es el mejor género para representar el espíritu romántico. Los rostros están llenos de ternura, dulzura, soledad...<br />
El color predomina sobre el dibujo.<br />
En Inglaterra y Alemania predominan los paisajes. Los pintores franceses se inspiran en acontecimientos contemporáneos y en la literatura. En España los cuadros son costumbrista, históricos, retratos y también paisajes.<br />
<br />
<b>INGLATERRA: PAISAJISMO Y PRERRAFAELITAS.</b><br />
<br />
En Inglaterra nunca arraigó el gusto clasicista, por lo que este país se mostró muy receptivo ante una serie de anticipaciones románticas y pronto se sometió su influencia.<br />
En pintura, el mundo clásico se inició con <u>Heinrich Füssli (1.741-1.825).</u> Este suizo se estableció en Gran Bretaña, donde es conocido como Henry Fuseli. Este autor es difícil de definir, diferentes autores lo consideran neoclásico, otros neomanieristas e incluso prerromántico. Calificativos aparte, Füssli es el precursor de la temática insólita que utiliza alegóricamente figuras de animales y crea un ambiente onírico lleno de fantasía que anticipa el Surrealismo.<br />
Esta es <i>La pesadilla</i> (1.781).<br />
<img class="" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/56/John_Henry_Fuseli_-_The_Nightmare.JPG/800px-John_Henry_Fuseli_-_The_Nightmare.JPG" style="max-height: 520px; max-width: 1349px;" width="642" /> <br />
<br />
El gran descubrimiento del Romanticismo inglés fue darse cuenta de la importancia del contacto directo con la naturaleza, porque hasta entonces los paisajes eran reconstruidos en el taller del artista.<br />
Los verdaderos renovadores del paisajismo fueron Turner y Constable.<br />
<u>William Turner (1.775-1.851)</u><b> </b><br />
El talento del joven Turner fue descubierto tempranamente. Su padre, que era barbero y peluquero, ponía los dibujos que su hijo de doce años hacía. <br />
Sus primeras obras eran paisajes reales muy detallados. Desde 1.800 dejó el mundo visible para pintar paisajes imaginarios y visionarios. Su pintura siente predilección por el terror y lo sublime, por la lucha del ser humano, por la supervivencia contra los elementos.<br />
Todo ello representa la insignificancia del individuo frente a la fuerza de la naturaleza.<br />
Es el pintor de la luz y la atmósfera. Representa la atmósfera de forma abstracta, al igual que las formas y la luz del mundo natural, lo que anuncia el impresionismo.<br />
Busca el color de la luz en la naturaleza. Consigue tonos brillantes y los tonos oscuros están diluidos con blanco.<br />
Su obra más conocida es "Lluvia, vapor y velocidad". Esta obra sorprende por su prodigiosa captación de la luz, el color y la atmósfera. Mediante una técnica innovadora de embadurnamiento y raspadura, el artista consigue que los colores violeta, ocre y amarillo se difuminen, se velen, se transparenten.<br />
<br />
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<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/35/Rain_Steam_and_Speed_the_Great_Western_Railway.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="529" /><br />
En la parte superior se observa un fino tejido de tonos amarillos, en unas ocasiones iluminados por el blanco, y en otras ensombrecidos por un azul grisáceo. Los colores más oscuros están reservados a la máquina de vapor y a los márgenes del puente. Con el fin de sugerir la sensación del efecto mecánico, Turner utilizó un trazo amplio y dinámico.<br />
esta obra es importante porque por primera vez en la historia del arte un tren se convierte en un objeto artístico. Cuando este lienzo fue expuesto en el Salón de Londres, en 1.844, generó mucho estupor y admiración.<br />
Otras de sus obras destacadas son <i>La tempestad</i> y <i>El castillo de Norham al anochecer</i> en la foto.<br />
<img class="irc_mut" src="http://ericwedwards.files.wordpress.com/2013/08/norham-castle-sunrise-1.jpg" height="301" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="400" /><br />
Esta es su<i> Tormenta de nieve en el mar.</i><br />
<img alt="http://ericwedwards.files.wordpress.com/2013/08/joseph_mallord_william_turner_-_snow_storm_-_steam-boat_off_a_harbours_mouth_-_wga23178.jpg" class="shrinkToFit decoded" src="http://ericwedwards.files.wordpress.com/2013/08/joseph_mallord_william_turner_-_snow_storm_-_steam-boat_off_a_harbours_mouth_-_wga23178.jpg" height="295" width="400" /> <br />
<br />
<u>John Constable (1.776-1.837).</u><br />
Encontró inspiración en los paisajes campestres de su región natal, Suffolk, creando verdaderos retratos de la naturaleza.<br />
Pintaba sus cuadros al aire libre, anticipándose a los impresionistas. Emplea ricas y espesas texturas, y una amplia gama de colores, aunque predominan los verdes y los grises.<br />
A diferencia de Turner, que dibuja la naturaleza salvaje y destructora, Constable representa una naturaleza pacífica y reconfortante.<br />
Demuestra que no existe un paisaje fijo, si no que cambia según el punto de vista, las horas del día, etc.<br />
Las luces y las sombras demuestra un brillo que recoge el exceso de lluvia y le otorga un aspecto brillante a las plantas. Pinta el brillo de la hierba, los reflejos del agua, las filtraciones del sol...<br />
Su obra principal es <i>El carro del heno</i>.<br />
<img alt="File:John Constable The Hay Wain.jpg" data-file-height="1756" data-file-width="2547" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d9/John_Constable_The_Hay_Wain.jpg/800px-John_Constable_The_Hay_Wain.jpg" height="441" width="640" /><br />
Esta es <i>La bahía de Weymouth</i>.<br />
<img alt="File:John Constable 015.jpg" data-file-height="1410" data-file-width="2048" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f8/John_Constable_015.jpg/800px-John_Constable_015.jpg" height="440" width="640" /><br />
Esta es <i>La catedral de Salisbury. </i><br />
<img alt="File:John Constable 017.jpg" data-file-height="2472" data-file-width="3176" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f5/John_Constable_017.jpg/770px-John_Constable_017.jpg" height="497" width="640" /><br />
Su color y la pincelada influyó en los románticos franceses como Delacroix.<br />
Utiliza una técnica de pequeñas manchas y trazos superpuestos, con lo que se consigue un ambiente que condensa las energías de la realidad. Emplea una gran cantidad de tonos del mismo color que hace que vibre la atmósfera.<br />
<br />
En Inglaterra,a mediados del siglo XIX surgió un nuevo movimiento, el Prerrafaelitismo.<br />
Esta Hermandad, fundada en Londres en 1.848 por John Everet Millais, se mantuvo en secreto ante la Royal Academy.<br />
Los pintores prerrafaelitas tuvieron como referencia artística el arte renacentista anterior a Rafael, y dieron gran importancia al dibujo. Se interesan por los temas literarios, cotidianos y medievales, con la finalidad, de acuerdo con su ideario, de acercar la belleza suprema a las lamas buenas y nobles.<br />
Sus máximos exponentes fueron Dante Gabriel Rossetti (1.828-1.892), John Everet Millais (1.827-1.896), Eduard Burne Jones (1.833-1.898) y William H. Hunt (1.827-1910).<br />
Este cuadro es Ofelia, de John Everet Millais.<br />
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/94/John_Everett_Millais_-_Ophelia_-_Google_Art_Project.jpg/1024px-John_Everett_Millais_-_Ophelia_-_Google_Art_Project.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="578" /> <br />
<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8f/Rossetti_Annunciation.jpg/320px-Rossetti_Annunciation.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8f/Rossetti_Annunciation.jpg/320px-Rossetti_Annunciation.jpg" style="max-height: 520px; max-width: 1349px;" width="299" /></a><br />
<br />
Esta obra se titula Ecce Ancilla Domini (He aquí la esclava del Señor), obra de Dante Gabriel Rosetti, una visión prerrafaelita de la Anunciación. <br />
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<b>EL ROMANTICISMO ALEMÁN: LOS NAZARENOS, OTTO RUNGE Y CASPAR DAVID FRIEDRICH. </b><br />
<br />
En Alemania, donde la pintura estaba dominada por los principios neoclásicos, surgió un grupo que crearon en Roma una hermandad de carácter estético-religioso,<u><i> Los nazarenos</i></u>. Estos artistas practicaban un arte espiritualista cristiano y vivían en comunidad con el fin de regenerarse artísticamente volviendo al estilo de los pintores italianos del Quattrocento. <br />
Entre los Nazarenos destacaron Friedrich Overbeck (1.789-1.869), Peter Von Cornelius (1.783- 1.867) y Julius Schnorr Carolsfeld (1.794-1.872).<br />
Esta obra se llama <i>Germania e Itali</i>a, de Friedrich Ovenberck. Esta obra plasma la atracción del norte hacia el sur, y presenta este sentimiento como el hermanamiento artístico y cultural de los pueblos alemán (Germania) e Italiano (Italia).<br />
<img alt="File:Friedrich Overbeck 008.jpg" data-file-height="1818" data-file-width="2024" height="574" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/99/Friedrich_Overbeck_008.jpg/667px-Friedrich_Overbeck_008.jpg" width="640" /> <br />
<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/18/Runge%2C_Philipp_Otto_-_Der_Morgen_-_1808.jpg/455px-Runge%2C_Philipp_Otto_-_Der_Morgen_-_1808.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img alt="File:Runge, Philipp Otto - Der Morgen - 1808.jpg" border="0" data-file-height="5440" data-file-width="4134" height="400" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/18/Runge%2C_Philipp_Otto_-_Der_Morgen_-_1808.jpg/455px-Runge%2C_Philipp_Otto_-_Der_Morgen_-_1808.jpg" width="302" /></a><br />
<br />
<br />
<u>Otto Runge (1.777-1.810</u>) fue otro pintor romántico alemán. Empezó su carrera tarde y murió muy joven, por lo que no tiene la misma importancia que Friedrich, al que conoció en Dresde. <br />
Su obra intentó expresar nociones de la armonía del universo a través del simbolismo del color, la forma y los números. Este es un detalle de su obra Mañana (1.808).<br />
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<b> </b><u><i>Caspar David Friedrich (1.774-1.840)</i></u><b> </b><a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b3/Caspar_David_Friedrich_040.jpg/575px-Caspar_David_Friedrich_040.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="File:Caspar David Friedrich 040.jpg" border="0" data-file-height="1944" data-file-width="1865" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b3/Caspar_David_Friedrich_040.jpg/575px-Caspar_David_Friedrich_040.jpg" height="400" width="383" /></a>De personalidad extremadamente melancólica y sombría que influyó en el carácter romántico de sus paisajes. Sus cuadros reflejan la insignificancia e impotencia del ser humano, que siempre aparece de espaldas al espectador frente a la naturaleza.<br />
En 1808 pintó su primera gran pintura al óleo: <i>La cruz en la montaña (El retablo de Tetschen)</i>.
El cuadro era poco habitual y desató una fuerte polémica. No obstante,
en este cuadro se basa gran parte de la fama de Friedrich y su éxito
financiero, abriendo el camino a la pintura romántica en Alemania. Se
trata de una de las primeras obras en las que imprime ya su concepción
del «paisaje sublime», una nueva modalidad que será muy imitada.<br />
<br />
Esta es <i>La abadía en el robledal</i>. <i><a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/72/Abtei_im_Eichwald_%28C_D_Friedrich%29.jpg/800px-Abtei_im_Eichwald_%28C_D_Friedrich%29.jpg" imageanchor="1"><img alt="File:Abtei im Eichwald (C D Friedrich).jpg" border="0" data-file-height="1017" data-file-width="1608" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/72/Abtei_im_Eichwald_%28C_D_Friedrich%29.jpg/800px-Abtei_im_Eichwald_%28C_D_Friedrich%29.jpg" height="404" width="640" /> </a></i><br />
<i>El monje a la orilla del mar.</i><br />
<img alt="File:Caspar David Friedrich 029.jpg" data-file-height="1322" data-file-width="2048" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ab/Caspar_David_Friedrich_029.jpg/800px-Caspar_David_Friedrich_029.jpg" height="412" width="640" /> <br />
<br />
<i>Caminante ante un mar de niebla.</i><br />
<img alt="File:Caspar David Friedrich 032 (The wanderer above the sea of fog).jpg" data-file-height="2980" data-file-width="2327" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1c/Caspar_David_Friedrich_032_%28The_wanderer_above_the_sea_of_fog%29.jpg/468px-Caspar_David_Friedrich_032_%28The_wanderer_above_the_sea_of_fog%29.jpg" height="640" width="499" /><br />
<i>Mar de hielo.</i><br />
<img alt="File:Caspar David Friedrich 006.jpg" data-file-height="2375" data-file-width="3176" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/96/Caspar_David_Friedrich_006.jpg/800px-Caspar_David_Friedrich_006.jpg" height="478" width="640" /><br />
<br />
<br />
<br />
<b>EL ROMANTICISMO REVOLUCIONARIO FRANCÉS</b><br />
<br />
El neoclásico fue el arte oficial del imperio. Cuando cayó Napoleón el romanticismo logra imponerse.<br />
Después de la epopeya napoléonica se modifica la concepción de la historia. Ya no hay heroísmo ni triunfos en los cuadros, sino desesperación, muerte y desastre. La pintura romántica francesa es una alegoría sobre una Francia a la deriva tras la caída de Napoleón.<br />
<br />
<u>Theodore Géricault (1.791-1.824)</u><br />
Se apartó del clasicismo oficial de David y se opone al ideal de belleza clásica, prefiriendo la belleza de lo expresivo. Prototipo de artista romántico, tuvo una vida corta y atormentada que dio lugar a varios mitos sobre él.<br />
Conecta con la grandeza y las posturas y anatomías de los cuerpos de Miguel Ángel, con la plasticidad y el claroscuro de Caravaggio, con la desesperación de Goya y abre el camino del realismo.<br />
Sus temas preferidos son los caballos de carreras, las luchas violentas, los estudios de locos...<br />
El motivo dominante de su obra es la energía, el sentimiento apasionado, lo dramático, la muerte, la locura...<br />
Sus composiciones tienen un gran dinamismo. Se caracterizan por el manejo fácil del pincel y una paleta de tonos oscuros, en los que dominan los colores pardos. Las formas están hechas de masas de color.<br />
En "La balsa de la Medusa" narra la trágica odisea de los naúfragos de la fragata Medusa que en 1.816 naufragó en aguas de Senegal. La tripulación fue abandonada a la deriva durante trece días. De los cerca de ciento cincuenta tripulantes, quince sobrevivieron gracias al canibalismo. <br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/15/JEAN_LOUIS_TH%C3%89ODORE_G%C3%89RICAULT_-_La_Balsa_de_la_Medusa_%28Museo_del_Louvre,_1818-19%29.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="576" /><br />
<br />
Plasticamente, predominan los colores cálidos. La pincelada densa hace que el color destaque siempre sobre el dibujo. El lienzo tiene un foco de luz que ilumina el cuadro, lo que provoca un claroscuro contrastado, siguiendo como modelo a Caravaggio.<br />
En la composición se observan dos construcciones piramidales, de clara influencia barroca, que se entrecruzan. La primera la dibujan los vientos en la vela y la ola, y las segunda, conocida como pirámide de la esperanza, la forman los cuerpos de los marineros, que van desde los muertos abajo hasta el personaje de la cima, que agita una tela mientras mira hacia el barco que se aprecia al fondo.<br />
La balsa es bastante frágil y sus ocupantes se debaten entre la vida y la muerte, el pesimismo y la esperanza, encarnada en la nave del fondo.<br />
Este cuadro es una alegoría de la Francia a la deriva después de la caída de Napoleón.<br />
El realismo de los cuerpos no remite a Miguel Ángel, Rubens o Caravaggio; en cambio las grandes dimensiones y los sentimientos son clara influencia de David.<br />
<br />
<u>Eugene Delacroix (1.798-1.683</u>)<br />
<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/66/Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Le_Massacre_de_Scio.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/66/Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Le_Massacre_de_Scio.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="334" /></a>Delacroix tiene un estilo de gran dinamismo y movimiento colorista. La acción se une al color como elemento expresivo.<br />
Muestra interés por temas literarios (<i>La barca de Dante</i>), históricos, contemporáneos, políticos de denuncia (<i>La libertad guiando al pueblo</i>) y exóticos u orientales a partir de un viaje que realizó a África en 1.832 (<i>Mujeres en Argel</i>).<br />
Su obra se caracteriza por la perfección de la línea y una composición evocadora de Miguel Ángel y Rubens. En ella busca la brillantez de ejecución, la transparencia y fluidez del colorido, el brío pictórico y pastosidad, el orientalismo exótico, la sensualidad y la violenta diagonal.<br />
Esta es la <i>Matanza de Quíos.</i><br />
<br />
<br />
<br />
<br />
Y esta es <i>La toma de Constantinopla.</i><br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/56/The_Entry_of_the_Crusaders_into_Constantinople.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="467" /><br />
Pero sin duda su obra más conocida es <i>La libertad guiando al pueblo</i>.<br />
<img alt="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a7/Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_La_libert%C3%A9_guidant_le_peuple.jpg" class="shrinkToFit decoded" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a7/Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_La_libert%C3%A9_guidant_le_peuple.jpg" height="507" width="640" /><br />
Entre los elementos plásticos hay que destacar que las pinceladas sueltas y onduladas. El rojo y el azul de la bandera, de la ropa del herido que intenta erguirse ante La Libertad (figura central femenina) y la polaina del muerto de la izquierda resaltan entre las tonalidades ocres y grises predominantes. Los tres elementos así destacados crean una línea recta que forma un eje central.<br />
La composición recuerda a la de la balsa de Medusa de Gericault porque las figuras se enmarcan dentro de una pirámide ascensional cuyo vértice es la bandera francesa.<br />
La obra hace referencia a las tres jornadas revolucionarias del 27, 28 y 29 de julio de 1.830 que tuvieron lugar en Paría y que provocaron la caída del último Borbón (Carlos X) y la llegada de Luis Felipe I de Orleans.<br />
El lienzo se expuso en el Salón de París de 1.831 y el rey Luis Felipe de Orleans lo compró por tres mil francos. Por lo incendiario del tema, decidió no mostrarlo al público.<br />
Delacroix sintió gran admiración por Miguel Ángel y la terribilitá de sus personajes. Se dejó influir por el tratamiento del color de la escuela veneciana (Tizziano) y, sobre todo, por la vitalidad desbordante y la profusión decorativa de Rubens. Tampoco fue ajeno a pintores más cercanos como Gericault, Gros y el español Goya.<br />
<br />
<br />
<b><u>El ROMANTICISMO ESPAÑOL: ESQUIVEL, ROSALES Y GISBERT.</u></b><br />
<br />
<u>Antonio María Esquivel (1.806-1.857)</u>. Se formó en su Sevilla natal. en Madrid se aproximó a Madrazo y a los pintores que monopolizaban los encargos reales.<br />
Esquives destacó, por encima de todo como retratista. Su obra más relevante,<i> Lectura de Zorrilla en el estudio del pintor</i>, en la que aparecen personalidades de la talla de Esprocceda, el Duque de Rivas y Hartzenbusch, ilustra el ambiente literario del Madrid romántico.<br />
<br />
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/6f/Los_poetas_contempor%C3%A1neos.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="597" /><br />
La estancia, repleta de lienzos, de gran tamaño, está iluminada por la luz que entra por la ventana de la izquierda y los asistentes conforman un friso ante la puerta entreabierta del fondo.<br />
Esta es su <i>Venus anadiomene del Prado.</i><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7a/Venus_anadiomene.jpg/358px-Venus_anadiomene.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="File:Venus anadiomene.jpg" border="0" data-file-height="1267" data-file-width="757" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7a/Venus_anadiomene.jpg/358px-Venus_anadiomene.jpg" height="599" width="358" /> </a> </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<u> Eduardo Rosales (1.836-1.873)</u> se formó en la Academia de San Fernando. Se trasladó a Roma, donde entró en contacto con el grupo de los nazarenos. Con ellos perfeccionó su dibujo y optó por una paleta de tonos fríos y gamas pálidas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
Con el tiempo su obra evolucionó hacia un colorido enérgico en la línea del romanticismo y con influencias de la pintura de los grandes maestros del barroco español. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
El testamento de Isabel la Católica, premiado en la exposición de Madrid de 1.864 y la de París de 1.867, es su obra más famosas y un buen ejemplo de este giro estilístico.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<img alt="File:Doña Isabel la Católica dictando su testamento (Rosales).jpg" data-file-height="2197" data-file-width="3051" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Do%C3%B1a_Isabel_la_Cat%C3%B3lica_dictando_su_testamento_%28Rosales%29.jpg/800px-Do%C3%B1a_Isabel_la_Cat%C3%B3lica_dictando_su_testamento_%28Rosales%29.jpg" height="459" width="640" /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
Su composición equilibrada se desarrolla en planos paralelos y no en planos de profundidad.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
Esta es<i> La presentación de Juan de Austria a Carlos V en Yuste</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<img alt="File:Eduardo Rosales - Juan de Austria's presentation to Emperor Carlos V in Yuste.jpg" data-file-height="1867" data-file-width="3051" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/23/Eduardo_Rosales_-_Juan_de_Austria%27s_presentation_to_Emperor_Carlos_V_in_Yuste.jpg/800px-Eduardo_Rosales_-_Juan_de_Austria%27s_presentation_to_Emperor_Carlos_V_in_Yuste.jpg" height="392" width="640" /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
y <i>La muerte de Lucrecia</i>. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<img alt="File:Eduardo Rosales Gallinas - La muerte de Lucrecia.jpg" data-file-height="2293" data-file-width="3051" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bd/Eduardo_Rosales_Gallinas_-_La_muerte_de_Lucrecia.jpg/798px-Eduardo_Rosales_Gallinas_-_La_muerte_de_Lucrecia.jpg" height="480" width="640" /> </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<u>Antonio Gisbert (1.834-1.902)</u> continuó con el estilo del romanticismo histórico. Todas sus obras son una loa a las libertades románticas como en esta obra,<i> Los comuneros</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<img alt="File:Comuneros.jpg" data-file-height="456" data-file-width="650" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/72/Comuneros.jpg" height="448" width="640" /> </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
Esta es <i>La presentación de María de Molina presentando a su hijo Fernando IV en la Cortes de Valladolid de 1.295</i>. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<img alt="File:María de Molina presenta a su hijo a las Cortes de Valladolid 1863 Antonio Gisbert Pérez.JPG" data-file-height="2005" data-file-width="2397" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f7/Mar%C3%ADa_de_Molina_presenta_a_su_hijo_a_las_Cortes_de_Valladolid_1863_Antonio_Gisbert_P%C3%A9rez.JPG/717px-Mar%C3%ADa_de_Molina_presenta_a_su_hijo_a_las_Cortes_de_Valladolid_1863_Antonio_Gisbert_P%C3%A9rez.JPG" height="534" width="640" /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
Este es <i>El fusilamiento de Torrijos</i>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<img alt="File:Fusilamiento de Torrijos (Gisbert).jpg" data-file-height="1988" data-file-width="3051" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7b/Fusilamiento_de_Torrijos_%28Gisbert%29.jpg/800px-Fusilamiento_de_Torrijos_%28Gisbert%29.jpg" height="416" width="640" /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
Este es <i>Amadeo de Saboya ante el féretro del general Prim.</i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
<img alt="File:Amadeo I frente al féretro del general Prim de Antonio Gisbert 1870.jpg" data-file-height="328" data-file-width="533" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f5/Amadeo_I_frente_al_f%C3%A9retro_del_general_Prim_de_Antonio_Gisbert_1870.jpg" height="328" width="533" /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;">
Los pintores románticos históricos suelen aprovechar sus pensamientos políticos sin tener en cuenta que muchas veces están desfigurando la propia realidad histórica.</div>
<br /></div>
Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-16735033209946062622014-03-28T19:30:00.000+01:002014-05-26T13:03:46.079+02:00La aquitectura modernista.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
El modernismo fue un amplio movimiento. Su periodo de máximo esplendor se sitúan entre 1.890 y 1.910. Este estilo recibió diferentes denominaciones según los países: art noveau en Francia, Modern Style en Inglaterra, Jugendstil en Alemania, Sezestionstil en Austria, Stile Liberty en Italia, Modernismo en España.<br />
El antecedente es el movimientos inglés de "Arts &amp; Crafts" de Williams Morris que propugnaba una revalorización artesanal frente al maquinismo, decoró muebles, etc. Eran productos que solo estaban al alcance de los ricos.<br />
<a href="http://bases.files.wordpress.com/2008/03/lalique.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://bases.files.wordpress.com/2008/03/lalique.jpg" height="131" id="irc_mi" style="margin-top: 32px;" width="200" /></a>En líneas generales, el modernismo se caracteriza porque:<br />
<ul style="text-align: left;">
<li>Trata de imitar las formas de la Naturaleza. Abundan las lineas curvas ondulantes, flores, animales (pavo, libélulas, mariposas).</li>
<li>Quiere unificar las Artes Mayores y Menores, por eso se encargan de diseñar el edificio y todo lo que hay dentro: muebles, lámparas, alfombras. El arquitecto goza de más libertad.</li>
<li> Las plantas de los edificios son asimétricas, irregulares, con movimientos, incluso con ondulaciones. Los vanos de manera irregular, con las puertas descentradas. Se utilizan arcos rebajados, escarzados, conopiales, que derivan del negocio como señal de nueva invención.</li>
<li>La arquitectura modernista incorpora el color a través de la mezcla de distintos materiales: azulejos, pinturas, estucos...</li>
</ul>
Este nuevo estilo, nace en Bélgica, entre 1.880 y 1.890. Bruselas se convirtió en el centro del arte contemporáneo. La libertad artística de este movimiento hizo que cada autor configurara su estilo propio. En cada país arraigó de manera diferente. No obstante hay dos líneas o vertientes: el Modernismo ondulante (Francia, Bélgica y España), en el que domina
la línea curva, y el Modernismo geométrico, de líneas rectas y planos
perpendiculares (Reino Unido y Austria).<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<b>EL MODERNISMO ONDULANTE</b></div>
<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEIevbR6DrE-oCiWnDOGsL1uwAwY1zEuysy-oeMvpuu7gdldeldNhiLEBjuuL2YYWyfgFPDUPx1s2ygOicGt6wwkjyuAq50WK6bfu6Ngf_Wk8Sjmnyy3C8Z_kZ72U4TBhWiuU8TVadgtI/s1600/450px-BE_Bruxelles_Horta_Tassel.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEIevbR6DrE-oCiWnDOGsL1uwAwY1zEuysy-oeMvpuu7gdldeldNhiLEBjuuL2YYWyfgFPDUPx1s2ygOicGt6wwkjyuAq50WK6bfu6Ngf_Wk8Sjmnyy3C8Z_kZ72U4TBhWiuU8TVadgtI/s1600/450px-BE_Bruxelles_Horta_Tassel.JPG" border="0" class="shrinkToFit decoded" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEIevbR6DrE-oCiWnDOGsL1uwAwY1zEuysy-oeMvpuu7gdldeldNhiLEBjuuL2YYWyfgFPDUPx1s2ygOicGt6wwkjyuAq50WK6bfu6Ngf_Wk8Sjmnyy3C8Z_kZ72U4TBhWiuU8TVadgtI/s400/450px-BE_Bruxelles_Horta_Tassel.JPG" height="400" width="300" /></a><br />
La primera obra modernista es este edifico, la casa Tassel (1.892-1.893) de Bruselas, obra de <u>Víctor Horta (1.861-1.946).</u><br />
<br />
Este autor es el padre del modernismo. Se inspiró en el arte barroco y rococó del movimiento lineas del espacio. También se inspiró en las teorías estructurales que insistían en el uso del metal directo en la construcción (Viollet-Le-Duc e Eiffel). Todo ello le descubrió las posibilidades del hierro que él utilizó como elemento decorativo, curvándolo como tallos vegetales y ondas marinas.<br />
<br />
Este gusto por la curva y las ondulaciones de la casa Tassel llegan al límite en la casa Solvay (abajo), construida totalmente y equipada al mismo tiempo por Horta. A él se deben todos los elementos decorativos y los detalles: barandillas, lámparas, puertas...<br />
<br />
<a href="http://betterarchitecture.files.wordpress.com/2013/12/hotel-tassel.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img alt="http://betterarchitecture.files.wordpress.com/2013/12/hotel-tassel.jpg" border="0" class="decoded" src="http://betterarchitecture.files.wordpress.com/2013/12/hotel-tassel.jpg" /></a><br />
<img class="irc_mut" src="http://0.static.wix.com/media/d6b58f109cf534c40581409732448a43.wix_mp_1024" height="400" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="310" /> <br />
<br />
<br />
<a href="http://cdn.timerime.com/cdn-4/upload/resized/129079/1421091/resized_image2_38a7893438d5b11f7a476cef8cbd5be7.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img alt="http://cdn.timerime.com/cdn-4/upload/resized/129079/1421091/resized_image2_38a7893438d5b11f7a476cef8cbd5be7.jpg" border="0" class="decoded" src="http://cdn.timerime.com/cdn-4/upload/resized/129079/1421091/resized_image2_38a7893438d5b11f7a476cef8cbd5be7.jpg" /></a>No obstante, su obra maestra fue la Casa del Pueblo de Bruselas (1-897-1.899), construida para el Partido Socialista belga y hoy desaparecida. Tenía una fachada ondulada donde se planteaba ya la moderna idea del muro cortina que utilizará Gaudí.<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDe7jt4M68NIZiJdo82aObUNO903_nwupI2fdcrPQw1PsULGhyphenhyphenfImklwrTRCVZmYw9GyiQc3uHbLt5m2e0gaWrcWaBW9tx-jhFVBaWXZpYWsMvmtPqrou9Cqu9xvCkmzSEsrAV4-15R30/s1600/Horta3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDe7jt4M68NIZiJdo82aObUNO903_nwupI2fdcrPQw1PsULGhyphenhyphenfImklwrTRCVZmYw9GyiQc3uHbLt5m2e0gaWrcWaBW9tx-jhFVBaWXZpYWsMvmtPqrou9Cqu9xvCkmzSEsrAV4-15R30/s320/Horta3.jpg" height="209" id="irc_mi" style="margin-top: 96px;" width="320" /></a>Destacaba el salón de actos, donde una vigas metálicas tenían un atrevido diseño curvado y por ello parecían ceder ante el peso de la techumbre, también curvada. Igualmente utilizó soportes inclinados para ganar en amplitud y seguridad, al mismo tiempo que motivos decorativos, trabajados igualmente en hierro.<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
Otro arquitecto belga de gran importancia fue <u>Henry Van De Velde (1.863-1.957).</u> Fue menos original que Horta pero de personalidad más rica y compleja. Fue pintor, diseñador de mobiliario, cartelista, ilustrador, así como teórico y conferenciante.<br />
Su influencia será determinante en Europa, sobre todo en los países centroeurupeos. Su arquitectura es más simplificada, con apenas decoración. Se centra en los diseños, partiendo de la idea de que "solo lo útil es bello". Llegará a una simplificación progresiva, eliminando lo superfluo.<br />
Su primera actividad fue como pintor. Se formó en Amberes, luego en París, entrando en contacto con los impresionistas. A su llegada a Amberes descubre a Gaugin y el movimiento del "Arts and Crafts" de Morris.<br />
Su actividad como arquitecto empieza en 1.895 con la construcción de su casa en Uccle, cerca de Bruselas, diseñando la casa y su interior y mobiliario.<br />
<br />
<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/9/97/Bloemenwerf_-_Henry_Van_de_Velde_-_1896.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="540" /><br />
<br />
<a href="http://www.dbnl.org/tekst/veld006gesc01_01/veld006gesc01ill61.gif" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a>En París decoró la tienda Art Noveau, de donde viene el nombre del modernismo en Francia. <br />
En 1.899 se traslada a Alemania, donde recibirá importantes encargos, entre ellos el interior del Museo Folkwang en Hagen, uno de los más logrados monumentos del modernismo.<br />
<br />
No obstante, este eufórico modernismo los suavizó en época posteriores, decantándose por lo racional en arquitectura.<br />
Así, en la Escuela de Artes y Oficios de Weimar y en Teatro Werkbund de Colonia comienzan a despuntar las bases de partida de la Bauhaus de Walter Gropius.<br />
Estas son las fotos de ambos edificios por orden.<br />
<img alt="File:Van-de-Velde-Bau in Weimar (Südgiebel).jpg" data-file-height="1821" data-file-width="2269" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/54/Van-de-Velde-Bau_in_Weimar_%28S%C3%BCdgiebel%29.jpg/747px-Van-de-Velde-Bau_in_Weimar_%28S%C3%BCdgiebel%29.jpg" height="320" width="400" /><br />
<img alt="http://www.urbipedia.org/images/1/14/VandeVelde.teatroWerkbund.jpg" class="decoded" src="http://www.urbipedia.org/images/1/14/VandeVelde.teatroWerkbund.jpg" /> <br />
<br />
En otros países europeos también tendrá gran importancia la arquitectura modernista. Así, en Francia, destaca el arquitecto y decorador Hector Guimard, autor de las entradas del metro de París (1.900-1.905) construidas con hierro forjado, de aspecto muy decorativo, a veces como el caparazón de un cristalero, otras con formas bulbosas.<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/82/Metro_station_entrance_%28%C3%A9dicule_Guimard%29_Porte_Dauphine_Paris_16e_002.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="516" /><br />
<br />
<br />
<br />
<b>EL MODERNISMO GEOMÉTRICO </b><br />
En Gran Bretaña la figura principal es Charles Rennie Mackintosh (1.868-1.928)<b>. </b>Se decantó por un estilo ortogonal de líneas rotas y planos perfectamente definidos.<br />
Su obra maestra fue la Escuela de Bellas de Artes de Glasgow en la que el contraste de la piedra, el metal y el vidrio empleados contribuyó a crear una unidad espacial.<br />
<br />
<img alt="http://sobreescocia.com/wp-content/uploads/glasgoq-school-of-art.jpg" class="decoded" src="http://sobreescocia.com/wp-content/uploads/glasgoq-school-of-art.jpg" height="480" width="640" /><br />
En Austria destaca <u>Otto Wagner (1.841-1.918</u>), quien se interesó por las nuevas técnicas y los nuevos materiales. Entre sus obras destacan la Caja Postal y de Ahorro de Viena, de una simplificación geométrica, con molduras aplanadas y columnas sin capiteles. Otras obras de este autor son la iglesia Steinhof (en la foto) y la Bilbioteca Universitaria de Viena. <br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/e1/Kirche_am_Steinhof_2007.jpg" height="426" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /> <br />
Su discípulo fue <u>Joseph Olbrich (1.867-1.908)</u> que construyó el edificio de la Secesion, en el que predomina el ángulo recto y la línea. Los volúmenes rectos y puros contrastan con la cúpula calada y metálica que imitan formas vegetales.<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/63/Secession_Vienna_June_2006_017.jpg" height="480" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /><br />
Otro discípulo de Wagner fue <u>Joseph Hoffmann (1.870-1.956)</u>, con el que la arquitectura geométrica alcanzó sus costes más elevados. Se interesó por la reducción del ángulo recto y por los contrastes de blanco y negro. En el Palacio Stoclet destaca la sobriedad exterior y la ausencia de adornos.<br />
<br />
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<img class="irc_mut" src="http://img40.xooimage.com/files/5/1/8/hoffmann-palacio-...1905-11--10c31bf.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="524" /><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTyKvpbEWxU1f_nzvluMrVpeo6H-zQYfPDCjNIeCfRarVJLm-1dCXXRy7ZSEt_Xjx7Il4y0sqhueu2votPQunjc4n6RvPOyR9lDNodofahMaezT4osX5QumaJcyTaAmErZ1fwzrxs_udEV/s1600/005+-+goldman+salatsch+%28auto%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTyKvpbEWxU1f_nzvluMrVpeo6H-zQYfPDCjNIeCfRarVJLm-1dCXXRy7ZSEt_Xjx7Il4y0sqhueu2votPQunjc4n6RvPOyR9lDNodofahMaezT4osX5QumaJcyTaAmErZ1fwzrxs_udEV/s1600/005+-+goldman+salatsch+%28auto%29.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="334" /></a>Adolf Loos (1.870-1.933) concibe la ornamentación como un "crimen", pues pensaba que distraía la atención del espectador de la esencia del edificio: la estructura.<br />
Desarrollo fachadas completamente lisas y desnudas y de estructura sencilla, como en la casa Goldman &amp; Salatsich de Viena.<br />
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<br />
<b>Estos dos arquitectos, Wagner y Loos, son el puente entre el siglo XIX (Modernismo) y el funcionalismo del siglo XX.</b><br />
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<div style="text-align: center;">
<b>EL MODERNISMO ESPAÑOL </b></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: left;">
Cataluña es el foco más importante por la burguesía dinámica, culta y nacionalista, vinculada a la industria.<br />
El movimiento de la "Renaixença" pretende el resurgimiento de la cultura catalana. Así introducen elementos historicistas relacionados con el gótico. También ladrillos.<br />
La figura más importante fue <u>Antonio Gaudí (1.852-1.926). </u><br />
Sus primeras obras son de influencia historicista, empleando ladrillo y policromías de azulejos. Esto se aprecia en la casa Vicens de Barcelona.<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/59/Vicens03.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/59/Vicens03.jpg" height="480" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /></a></div>
<b> </b>Vinculada al mudejarismo, pero bastante novedosa. Construida entre 1883 y 1.889, es considerada por muchos autores como el precedente del modernismo. <br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/0f/Parc_G%C3%BCell_Dragon_Restored.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/0f/Parc_G%C3%BCell_Dragon_Restored.jpg" height="187" id="irc_mi" style="margin-top: 30px;" width="320" /></a>Para el industrial y mecenas Eusebio Güell, Gaudí realizó sus mejores obras, entre las que destaca el Parque Güell (1.900-1.914) de Barcelona. Es una obra de gran imaginación adaptada a la topografía accidentada del terreno. Allí reune escaleras monumentales, pórticos dóricos, de columnas inclinadas, edificios de mosaicos polícromos y de tejados puntiagudos como gorros de astrónomos, casa que asemejan tartas, bancos abiertos con mosaicos que van desplegándose y fundiéndose, grutas falsas.<br />
Todo es decoración.<br />
<a href="http://occupyactionscape.files.wordpress.com/2013/05/park-guell-barcelona-luciano-mortula.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://occupyactionscape.files.wordpress.com/2013/05/park-guell-barcelona-luciano-mortula.jpg" height="213" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="320" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-pidCO4YOwcF5g98j9GntPtACl7ibvlf4LAVMMyNmqgdtYSlZvyH101-2bcFgu0U-SNEaswUxIxCRQDtt8pPJE6u_yFoy_pazEtQ3WcicLqCqM7xZ_LvcAi-0vIILXdkS5UEzgkcoj6GX/s1600/Olot,sn-ParkGuell-Viaductes02.JPG" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-pidCO4YOwcF5g98j9GntPtACl7ibvlf4LAVMMyNmqgdtYSlZvyH101-2bcFgu0U-SNEaswUxIxCRQDtt8pPJE6u_yFoy_pazEtQ3WcicLqCqM7xZ_LvcAi-0vIILXdkS5UEzgkcoj6GX/s320/Olot,sn-ParkGuell-Viaductes02.JPG" height="240" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="320" /></a><img class="irc_mut" src="http://www.cursos.org/fotos/bcn/Parc%20Guell%20Avenida%20porticada.JPG" height="400" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="300" /><br />
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Para Güell realizó una colonia en Santa Coloma del Cervelló (Barcelona). Esta es la cripta de la iglesia, de cinco plantas, que no fue construida.<img class="irc_mut" src="http://www.gaudicoloniaguell.org/sites/all/themes/coloniaguell/images/coloniaguell_cripta05.jpg" height="426" id="irc_mi" style="margin-top: 41px;" width="640" /><br />
La iglesia buscaba mimetizarse con el bosque circundante a partir del rústico revestimiento de muros y pilares, y de la disposición imitando a los árboles de las columnas inclinadas que forman el pórtico.<br />
El pórtico que sostiene la escalera debía conducir a la entrada de la iglesia.<br />
<img class="irc_mut" src="http://i.images.cdn.fotopedia.com/ccw6gRkRnoE-PFRVybbpt44-hd/Barcelona/Antoni_Gaudi_Works/Church_of_Colonia_Guell/Cripta_Guell_exterior.jpg" height="415" id="irc_mi" style="margin-top: 3px;" width="640" /> <br />
En la Casa Milá ("La Pedrera"), construida entre 1.906 y 1.912, desarrolla una compleja estructura de buhardillas e incluso de la fachada, tratada como un cuerpo aparte, buscando la autonomía de los elementos dentro del todo orgánico que es el edificio.<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/22/La_Pedrera_003.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="524" /> <br />
No existe la línea recta, en su lugar una honda continua, eludiendo las esquinas con marcada horizontalidad. La piedra es trataba con una plástica escultórica. La fachada no ejerce de muro de carga, sino que constituye una estructura autónoma conectada al edificio mediante un complejo sistema de vigas y tirantes de hierro.<br />
El edificio se sustenta en una estructura de hierro, combinada con piedra y ladrillo, que elimina las paredes de carga y permite distribuir libremente el espacio interior.<br />
Cumplen un papel primordial los arcos parabólicos y las columnas inclinadas, elementos fundamentales de la investigación de Gaudí.<br />
Esta es su fachada, concebida como un telón. <br />
<a href="http://fotos0.mundofotos.net/2008/13_09_2008/catalonia1221306875/patio-interior-edificio-la-pedrera.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://fotos0.mundofotos.net/2008/13_09_2008/catalonia1221306875/patio-interior-edificio-la-pedrera.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="365" /></a><img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c5/Pedrera.jpg" height="552" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="667" /><br />
<a href="http://fotos0.mundofotos.net/2008/13_09_2008/catalonia1221306875/patio-interior-edificio-la-pedrera.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://fotos0.mundofotos.net/2008/13_09_2008/catalonia1221306875/patio-interior-edificio-la-pedrera.jpg" height="320" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="297" /></a>Estas son fotos del patio y del interior.<br />
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<a href="http://ep01.epimg.net/diario/imagenes/2011/07/22/catalunya/1311296839_850215_0000000000_portadilla_normal.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://ep01.epimg.net/diario/imagenes/2011/07/22/catalunya/1311296839_850215_0000000000_portadilla_normal.jpg" height="213" id="irc_mi" style="margin-top: 9px;" width="320" /></a>Con esta obra anticipa su obra más conocida: el Templo de la Sagrada Familia.<br />
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<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/ee/Sagrada_Familia_01.jpg" height="429" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /><br />
La Sagrada Familia o Catedral de los Pobres, fue la obsesión de Gaudí y allí se encuentra todo el proceso evolutivo del modernismo gaudiniano.<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQ8nNRiN_gxGRx_6eUS3ouTszDpgNgWlFH_4ECmrEByS2g_GKMNq5ySBw7kpn-K-iOYBPDlCoo8iwQfi4RjCFtHp69eMRtj6IOPcaE4p0ujZqrEGSPPAGteqs2bWHx3iJb7d_P37_zYqE/s1600/planta+Sagrada+Familia-ascensores.bmp" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQ8nNRiN_gxGRx_6eUS3ouTszDpgNgWlFH_4ECmrEByS2g_GKMNq5ySBw7kpn-K-iOYBPDlCoo8iwQfi4RjCFtHp69eMRtj6IOPcaE4p0ujZqrEGSPPAGteqs2bWHx3iJb7d_P37_zYqE/s320/planta+Sagrada+Familia-ascensores.bmp" height="230" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="320" /></a>Se trata de una construcción muy compleja, cuyos planos fueron constantemente transformados desde su inicio en 1.883.<br />
El templo tiene una planta de cruz latina con cinco naves y una girola, pero conforme se van produciendo los alzados, el templo cobra aspectos absolutamente inéditos que Gaudí ya ensayó en trabajos previos.<br />
El interior del templo imita un bosque. Las columnas son troncos que se abren en ramas que sostienen copas frondosas.<br />
La luz de los ventanales se filtra a través de los árboles y también, a diferentes alturas, entre los claros de los ramajes. La columnas inclinadas se ramifican con la finalidad de que las ramas se sostengan la cubierta en diversos puntos. Las bóvedas se apoyan en estas ramificaciones y prescinden de contrafuertes exteriores. <br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/8b/Bas%C3%ADlica_i_Temple_Expiatori_de_la_Sagrada_Fam%C3%ADlia_interiors.jpg" height="425" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /><br />
<br />
Desde el punto de vista simbólico, el templo obedece a un claro juego numérico en relación con los volúmenes principales. Las cuatro torres que flanquean el cimborrio de la Virgen, las doce torres en grupos de cuatro van sobre las fachadas que representan a los apóstoles, mientras que los cuatro cuerpos angulares de referencia son las virtudes cardinales.<br />
Cada uno de estos elementos conlleva una larga serie de símbolos en un interminable repertorio de gran complejidad.<br />
El templo se comenzó por la cabecera, de modo que en 1.893 el ábside ya estaba muy avanzado.<br />
Hacia 1.910 se hallaba muy adelantada la Fachada del Nacimiento, que es la única que Gaudí levantó.<br />
En 1.936 se perdieron la mayor parte de las maquetas, croquis y dibujos que Gaudí había realizado.<br />
<img class="irc_mut" src="http://fotos.diariosur.es/201108/dscn1626.jpg" height="480" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /> <br />
Esta es la fachada de la Resurrección.<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/49/Sagrada_familia_fa%C3%A7ade_de_la_passion2.JPG" height="480" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /><br />
<br />
Junto a Gaudí, la otra gran figura del modernismo español es<u> Luis Domenech y Montaner (1.848-1.923)</u>. Su obra representa la vía racionalista del modernismo catalán, que parte de la preponderancia del ladrillo y alcanza su máxima expresión en obras como el Palau de Múscia catalana.<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/cf/Dom%C3%A8nech.i.Montaner.Palau.Musica.Catalana.8.Barcelona.JPG" height="425" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /><br />
<br /></div>
Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-73314570665682839552014-03-28T18:00:00.000+01:002014-05-26T13:01:19.797+02:00La arquitectura del siglo XIX.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
El siglo XIX es el siglo de las revoluciones: la Industrial, la Francesa, las burguesas...<br />
También es el siglo de los nacionalismos y de unificaciones, como la de Italia y Alemania.<br />
La arquitectura de este siglo viene marcada por dos líneas que van a definir toda la labor arquitectónica:<br />
<ul style="text-align: left;">
<li>La arquitectura-arte, que busca el camino de las formas.</li>
<li>La arquitectura-ingeniería, que se guía por la técnica.</li>
</ul>
También hay arquitectos que van a participar de las dos opciones. Así el historicista Viollet-Le-Duc y el ingeniero Eiffel o Labrouste.<br />
<br />
<u>LA ARQUITECTURA HISTORICISTA.</u><br />
<br />
La arquitectura del siglo XIX retoma los estilos anteriores, especialmente el gótico, pero dándoles nueva formas y adaptándolos a las nuevas necesidades. Así se vuelven a poner de moda el arte egipcio por Napoleón, el neoindio, el neogriego, el neogótico...<br />
Este último se convierte, a partir de la década de 1.830 en la alternativa al neoclasicismo, aunque sin reemplazarlo, ambas tendencias conviven a lo largo del siglo.<br />
Sus principales teóricos fueron John Ruskin (1.819-1.900) y Eugene Viollet-Le-Duc (1.814-1.879). Ambos autores, contrarios a la alteración del paisaje y de la vida humana por la industrialización, proponen una arquitectura racionalista (=funcional) que satisfaga las necesidades de la época.<br />
Así, en los principales edificios europeos de imitará el estilo gótico. En Inglaterra se restaura y amplia edificios como el castillo Windsor. Se construyó el Parlamento británico, obra de Charles Barry y Auguste Pugin<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/48/Westminster_palace.jpg" height="300" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="400" /><br />
En Francia Viollet-Le-Duc va a restaurar las catedrales de Notre Dame, de Reims y de Chartres.<br />
En Alemania se terminan los trabajos de la catedral de Colonia, iniciados en el siglo XIII. Se levantaron muchos edificios con agujas caladas.<br />
<br />
Existieron otras corrientes historicistas, como este Pabellón Real de Brigthon de John Nash .<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/69/Brighton_Royal_Pavilion.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="524" /><br />
De estilo neobarroco es el Palacio de Justicia de Bruselas, obra de Poelaert.<br />
<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/4a/Palace_of_Justice_postcard.jpg" height="400" id="irc_mi" style="margin-top: 9px;" width="640" /><br />
En España el estilo que triunfa es el neomudéjar de la Plaza de Toros de las Ventas, obra de José Espelius.<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c1/Plaza_de_Toros_de_Las_Ventas_%28Madrid%29_03.jpg" height="337" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /> <br />
De estilo neoplateresco tenemos en Banco de España de Eduardo Adaro.<br />
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<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/7b/Edificio_del_Banco_de_Espa%C3%B1a_2_Madrid.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="590" /><br />
<br />
<u>LA ARQUITECTURA DEL HIERRO</u>.<br />
<br />
La Revolución Industrial supuso la llegada de nuevos materiales como el hierro, el hormigón armado, el cristal y, en la segunda mitad del siglo XIX, el acero.<br />
El desarrollo de la arquitectura del hierro se vio relacionado con las nuevas necesidades (vías férreas, puentes, estaciones, fábricas, bibliotecas, mercados, hospitales...). Son edificios que tenían que construirse rápido y a bajo coste.<br />
<br />
Entre 1.777 y 1.779 se construyó el primer puente que utilizaba hierro fundido. Lo hicieron Abraham Darby y Thomas Pritchard sobre el río Seven en Coalbrookdale, en Inglaterra. Los siguientes puentes que se van a hacer en Europa van a a tener a éste como modelo.<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/44/Ironbridge_6.jpg" height="475" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /><br />
Más tarde el hierro se utilizó para las construcciones ferroviarias, como la de Saint Lazare, en París, obra de Henry Labrouste o la de Paddington, en Londres, obra del ingeniero I. K. Brunel. <br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/74/Paddington_Station.jpg" height="480" id="irc_mi" style="margin-top: 14px;" width="640" /><br />
<br />
En la segunda mitad del siglo XIX se utilizará el cristal, el hierro y el hormigón armado. Este último es más barato que el hierro, se puede fabricar en moldes y no tiene los problemas de dilatación que tiene el hierro. Se utilizó en edificios públicos como mercados, museos, bibliotecas.<br />
Un ejemplo es la Biblioteca de Santa Genoveva en París, obra de Henry Labrouste. Por fuera es es un edificio neorrenacentista. El interior es una sala de lectura con arcos y columnas altas.<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c1/Salle_de_lecture_Bibliotheque_Sainte-Genevieve_n01.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="592" /><br />
<br />
La obra maestra de Labrouste es la Sala de Lectura de la Biblioteca Nacional de París.<br />
<img class="irc_mut" src="http://cdn.traveler.es/uploads/images/thumbs/201314/la_sala_labrouste_9520_570x.jpg" height="380" id="irc_mi" style="margin-top: 7px;" width="570" /><br />
<br />
Entre los mercados destaca el de Les Halle Central de París, obra de Víctor Baltard (1.853).<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/70/Central_market,_Paris,_France._Interior.jpg/947px-Central_market,_Paris,_France._Interior.jpg" height="518" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /> <br />
<br />
Gracias a los progresos técnicos, que permitieron elaborar planchas de vidrio muy resistentes, este material empezó a usarse junto con el hierro. Destacan los invernaderos como el del Jardín de Plantes de Rouhault (1.833). En España, la obra pionera fue el hoy desaparecido Gran Salón de los Campos Elíseos, en Barcelona, realizado en 1.833 por Oriol Mestres. Otras obra que se conserva en esta ciudad es el Mercado del Born, obra de J. Fontseré y J.M. Cornet.<br />
<img class="irc_mut" src="http://www.mariaroch.com/blog/wp-content/uploads/2013/11/born-4_0.jpg" height="400" id="irc_mi" style="margin-top: 26px;" width="640" /> <br />
<br />
En Madrid destaca la estación de Atocha, de Alberto de Palacio. <br />
<br />
<img class="irc_mut" src="http://ave-renfe.edreams.es/images/estacion-de-atocha.jpg" height="417" id="irc_mi" style="margin-top: 66px;" width="640" /><br />
El siglo XIX es también el siglo de las exposiciones universales para conocer los avances técnicos, comerciales y artísticos del momento. La primera exposición universal se hizo en Londres, en al año 1.851, y se convocó un concurso para hacer el edificio que iba a albergar dicho evento. Ganó Joseph Paxton (1.801-1.865), un experto constructor de invernaderos. El edificio era desmontable y se podía hacer de manera rápida y con bajo coste porque las piezas se realizaban en serie.<br />
Para la construcción del Crystal Palace intervinieron herreros, vidrieros y carpinteros, además del arquitecto-ingeniero que lo diseñó.<br />
<img alt="File:Crystal Palace1.jpg" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/1a/Crystal_Palace1.jpg" height="472" width="640" /><br />
<br />
Su éxito fue muy importante y todos los países que organizaron exposiciones posteriores lo imitaron.<br />
En la exposición de Nueva York en 1.853 se levantó uno muy similar.<br />
Las exposiciones universales se sucedieron por Europa y América, destacando la de París (1.855), Viena (1.873), Barcelona (1.888) Madrid (1.894)...<br />
De todas, la más importante fue la de París de 1.889, que coincidía con el centenario de la Revolución Francesa. Se hizo una exposición Campo de Marte, formado por un conjunto de pabellones entre los que destacaba la "Galería de las máquinas", proyectada por Louis Dutert y el ingeniero Víctor Contamin.<br />
<img alt="File:CLC 528 - PARIS - Galerie des Machines.JPG" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/CLC_528_-_PARIS_-_Galerie_des_Machines.JPG/800px-CLC_528_-_PARIS_-_Galerie_des_Machines.JPG" height="409" width="640" /><br />
<br />
Pero sin duda, la obra más importante de esta exposición, y que todavía perdura, es la Torre Eiffel, obra del arquitecto del mismo nombre.<br />
<br />
<br />
<img class="irc_mut" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCotftR3CaDf7Ns551EMdpTp4BALjZ3PzqEFXHrLq0aAibDws8aQ4VVL66wr7mh89Juvf5agQyP-6zAJRhN9o8ESjxQ51vmgvyJV5kQV3TZ_N9W5tFWGuL1qN4bW7j6Fz68Tyw0QdXoS9s/s1600/stages_eiffel%255B1%255D.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="597" /><br />
La torre es una estructura que pesa de unas 10.100 tonelada. Está formada por 18.000 piezas de hierro y que necesitó 2,5 millones de remaches para mantenerse en pie.<br />
Su planta se dibuja en un rectángulo virtual cuyos vértices son los cuatro pilares de grandes dimensiones sobre los que se apoyan cuatro arcos también gigantescos.<br />
Los progresos en la siderurgia del siglo XIX y la resistencia de los nuevos materiales habían hecho posible su construcción, impensable años antes.<br />
<br />
En España, el máximo representante de la arquitectura del hierro y cristal fue Ricardo Velázquez Bosco (1.843-1.923), autor del Palacio de Cristal del Retiro, en Madrid.<br />
<img alt="File:Parque del Buen Retiro PalacioCristal03.jpg" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a0/Parque_del_Buen_Retiro_PalacioCristal03.jpg/797px-Parque_del_Buen_Retiro_PalacioCristal03.jpg" height="481" width="640" /><br />
<br />
<u>EL URBANISMO DEL SIGLO XIX.</u><br />
<br />
La Revolución Industrial provocó un éxodo rural que, a su vez, provocó el desarrollo urbano.<br />
En las ciudades industriales surgió la necesidad de hacer nuevas viviendas a precios asequibles, por lo que edificaron viviendas insalubres, sin luz, con espacios mínimos...<br />
Estos problemas, unidos a la revolución de los transporte y a la necesidad de favorecer la circulación por la ciudad, hicieron necesario la puesta en marcha de medidas urbanísticas para remodelar y ampliar las ciudades.<br />
Aparecen así los<u> modelos urbanísticos utópicos</u> que pretenden construir modelos alternativos a las ciudades industriales. <br />
El galés <u>Robert Owen (1.777-1.858)</u> propuso la organización de trabajadores en comunidades de unas mil doscientas personas integradas en aldeas donde se distribuyera de forma clara y ordenada los edificos públicos, las viviendas, las zonas de producción y de jardines. Se le considera un socialista y utópico y padre de cooperativismo. Este es su proyecto de ciudad utópica, New Harmony (Indiana, EE.UU.), según ideó en 1.838. Su proyecto de sociedad utópica fracasó.<br />
<br />
<img alt="File:New Harmony by F. Bate (View of a Community, as proposed by Robert Owen) printed 1838.jpg" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a9/New_Harmony_by_F._Bate_%28View_of_a_Community%2C_as_proposed_by_Robert_Owen%29_printed_1838.jpg" height="285" width="477" /><br />
<br />
El francés <u>Charles Fourier (1.772-1.837)</u> creó los falansterios como forma de hábitat comunitario. En ellos vivirían no más de 1.600 personas en un espacio con dependencias públicas y privadas, conectadas por calles interiores.<br />
<br />
<br />
<img class="irc_mut" src="http://www.recursosacademicos.net/web/wp-content/uploads/2012/01/falansterio-charles-fourier-planta.jpg" height="340" id="irc_mi" style="margin-top: 27px;" width="400" /><br />
<br />
Otro francés, el filósofo <u>Ethienne Cabet (1.788-1.856)</u> planteó un modelo de ciudad construida sobre un punto geométrico, atravesada por un río, con espacios verdes, fábricas y hospitales a las afueras, y con separación de calles para peatones y vehículo. Creó un movimiento, el de los icarianos, llevando a un grupo de emigrantes a EE. UU. para crear una nueva sociedad. Todas sus colonias reciben el nombre de Icaria.<br />
Todos estos modelos no funcionaban en la práctica. En realidad, las mejoras que hicieron en las ciudades fueron por razones higiénicas, debido al hacinamiento y a las infecciones de los barrios de las clases más pudientes.<br />
El primer proyecto de reforma urbanística que se llevó a la práctica fue el del barón Geoge Eugene Haussman (1.809-1.891) en París. Fue un encargo de Napoleón III y consiguió, en dieciséis años una ciudad nueva, dotada de alcantarillado, alumbrado, jardines y con unas grandes avenidas que atravesaban la ciudad medieval y que comunicaban la ciudad medieval con todos los puntos neurálgicos de la ciudad. Trazó 165 km. de nuevas vías, derribo manzanas enteras respetando los monumentos más importantes.<br />
<img class="irc_mut" src="http://www.arthistoryarchive.com/arthistory/architecture/images/Haussmanns-Paris-09.jpg" height="300" id="irc_mi" style="margin-top: 47px;" width="469" /><br />
<br />
Haussman tuvo una importante influencia dentro y fuera de Francia.<br />
En España, siguiendo este ejemplo, tenemos al ingeniero <u>Carlos María de Castro (1.810-1.823)</u> que hizo el ensanche de Madrid, siguiendo el plano ortogonal.<br />
<img class="irc_mut" src="http://www.espinillo.org/barrio/historia/madrid/plan-castro/18g.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="426" /> <br />
En Barcelona, el ensanche fue obra de<u> Ildenfonso Cerdá (1.816-1.876),</u> con plano de damero atravesado por diagonales. <br />
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<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/48/Ensanche_-_eixample_-_Barcelona.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="592" /><br />
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También hay que destacar el proyecto de "Ciudad Lineal" de Arturo Soria (1.844-1.920) en Madrid.<br />
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<img class="irc_mut" src="http://i222.photobucket.com/albums/dd220/HistoriadelArte/13%20Arte%20del%20Siglo%20XIX/01%20Arquitectura%20y%20Urbanismo/00%20Urbanismo/14ArturoSoria.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="414" /> <br />
<u>E.E.UU. LA ESCUELA DE CHICAGO.</u><br />
<br />
Estados Unidos rechazó la escuela historicista.<br />
Chicago es la ciudad pionera de la auténtica arquitectura racionalista y utilitaria. Un gran incendio devastó la ciudad en 1.871. Se hizo necesario reconstruir la ciudad porque era un importante centro comercial. Para ello, se desechó la madera y se utilizó el hierro y el hormigón armado. Se levantaron oficinas, viviendas, hoteles, almacenes...<br />
Para aprovechar al máximo los solares y debido a la especulación, surgió una nueva forma de construir: el rascacielos. Otros factores que ayudaron a su proliferación fueron el descubrimiento del ascensor y, sobre todo, la introducción de estructuras de armaduras metálicas, que permitían subir pisos sin necesidad de hacer unos pilares excesivamente gordos abajo.<br />
<br />
<u>Louis Henry Sullivan (1.856-1.924) </u>es el pionero. En su obra la funcionalidad se impone a la estética. Sus construcciones logran conjugar verticalidad y proporcionalidad, además de suprimir practicamente la ornamentación, lo que le convierte en precedente del racionalismo del siglo XX.<br />
Entre sus obras más destacadas está el Auditorium de Chicago, construida junto a Dankmar Adler.<br />
<img alt="File:Auditorium Building Chicago June 30, 2012-92.jpg" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5f/Auditorium_Building_Chicago_June_30%2C_2012-92.jpg/800px-Auditorium_Building_Chicago_June_30%2C_2012-92.jpg" height="425" width="640" /><br />
Se realizó entre 1.886 y 1.890. El edificio integraba un teatro, un hotel y unas oficinas. Fue el primer éxito de la fructífera sociedad entre Adler y Sullivan, que se prolongaría hasta 1.885. Adler se encargó de las soluciones artísticas y técnicas, mientras que Sullivan se encargó de la organización compositiva y estética.<br />
La fachada, presidida en su parte baja por grandes arcos de inspiración románica, está estructurada a partir de líneas claras y simples. No tiene decoración, lo que le da un sentido de de uniformidad.<br />
Otros rascacielos de Adler y Sullivan son en Wainwrigth Building de San Luis (Missuri)<br />
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<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/34/Wainwright_building_st_louis_USA.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="351" /><br />
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y el Guaranty Building de Búfalo (estado de New York)<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/b8/Prudential_Building_2013-09-08_12-21-41.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="295" /> <img class="irc_mut" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2JDtyBLjBD6VzvTCuSVCHx9hiFePE9W206LbEqNO_MNjuHMjJ4ne2vOlI3AJ-UPJXBbrd3dMNicj-b4PDDtay_sWZzwXob_yRqqvEaRHP7IjUwcSOGtPqsYs1i-elFug-KmiQnSaLO68/s400/Guaranty+Building+detalle.jpg" height="336" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="400" /><br />
Los almacenes Carson, Pirie y Scott de Chicago es la obra más representativa de Sullivan. Se edificó en 1.899. Este edificio liso de acero y cristal supone el verdadero inicio de la concepción verticalista de la arquitectura, precursor de los rascacielos del futuro.<br />
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<img alt="File:Carson Pirie Scott building, Chicago, Illinois - Louis Sullivan.jpg" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/85/Carson_Pirie_Scott_building%2C_Chicago%2C_Illinois_-_Louis_Sullivan.jpg/463px-Carson_Pirie_Scott_building%2C_Chicago%2C_Illinois_-_Louis_Sullivan.jpg" height="599" width="463" /><br />
La planta baja y el primer piso se diferencian claramente del resto. En los pisos siguientes, Sullivan solucionó los inconvenientes del ritmo repetitivo con un tratamiento unitario que subraya las divisiones verticales y las contrapone a las líneas horizontales del "zócalo" inferior y del ático superior.<br />
Otros arquitectos de esta escuela son William Le Baron Jenney, Daniel Hudson Burham y John Root.<br />
<br />
<u>William Le Baron Jenney (1.832-1.907</u>) realizó el Leiter Biulding de Chicago en 1.879. Este edificio está sustentado sobre un armazón de metal, con lo que los muros exteriores quedan libres y permiten abrir grandes ventanales.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/17/Leiter_II_Building.jpg/450px-Leiter_II_Building.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="File:Leiter II Building.jpg" border="0" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/17/Leiter_II_Building.jpg/450px-Leiter_II_Building.jpg" height="400" width="300" /></a></div>
También hizo el Home Insurance Buildig, de doce plantas. Este es el primer edificio de Chicago hecho sobre un esqueleto completo de metal. <br />
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<img alt="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/38/Home_Insurance_Building.JPG" class="shrinkToFit decoded" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/38/Home_Insurance_Building.JPG" height="592" width="385" /><br />
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Daniel Hudson Burham y John Root realizaron el edificio más alto del viejo Chicago, el Realiance Building (1.890-1.895). Es una torre de vidrio y cerámica blanca.<br />
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<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/17/2010-03-03_1872x2808_chicago_reliance_building.jpg" height="552" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="368" /> <br />
Otra obra de Burham es el Flatiron de New York.<br />
<img alt="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c3/Edificio_Fuller_(Flatiron)_en_2010_desde_el_Empire_State_crop_boxin.jpg" class="shrinkToFit decoded" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c3/Edificio_Fuller_%28Flatiron%29_en_2010_desde_el_Empire_State_crop_boxin.jpg" height="592" width="312" /><br />
<u><br /></u></div>
Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-52674252737412730652014-03-27T19:44:00.000+01:002014-05-11T16:08:48.046+02:00España: la individualidad de Goya.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
Francisco de Goya y Lucientes marca el tránsito entre el siglo XVIII y el XIX, una época con un contexto político muy difícil.<br />
Su pintura no puede considerarse neoclásica. En su evolución pictórica se muestra como un innovador e investigador. Cultivó todas técnicas y géneros. Fue pintor de corte de los monarcas borbónicas.<br />
Comenzó siendo un pintor inmerso en la corriente decorativa del Barroco. Ejecutó obras en un estilo próximo al rococó y sobrevivió sobrevivió al academicismo y al neoclasicismo, creando un estilo propio y personal.<br />
Con sus últimas obras penetró en nuevos conceptos pictóricos del siglo XIX, a la vez que prefiguró muchos de los avances artísticos del XX.<br />
Su anticipación favoreció el triunfo de la estética impresionista, además sus pinturas negras son consideradas precedente del expresionismo pictórico.<br />
Trabajó temas que anunciaron el surrealismo y se adelantó al realismo al retratar a las clases sociales más pobres.<br />
En su vida hay tres fechas claves:<br />
<ul style="text-align: left;">
<li>1.789: Carlos IV le convierte en Pintor de Cámara, lo que le dará dinero y prestigio.</li>
<li>1. 792 : una grave enfermedad lo dejó sordo. A partir de aquí cada vez se encerró más en sí mismo.</li>
<li>1.808. la guerra de la Independencia lo sumerge en un mundo interior poblado de seres demoníacos y pesadillas.<br />
</li>
</ul>
<b><u>Formación y primeras obras (1.763-1.781)</u></b><br />
Esta etapa viene marcada por su formación barroca en Zaragoza, un periodo en Roma y las enseñanzas de Francisco Bayeu.<br />
En ente periodo pintó la bóveda del coreto de la basílica de El Pilar, con el tema de la adoración de Dios por los ángeles.<br />
En 1.774 se trasladó a la Corte donde pintó los cartones para la Real Fábrica de Tapices. Estas obras guardan un cierto gusto rococó. La mayor parte de las cartones los hizo en óleo sobre lienzo y se destinaron a decorar las paredes de El Escorial y El Pardo. Representan costumbres madrileñas de la época. En estas escenas se mezclan la nobleza y el pueblo ya que en ese periodo a la alta sociedad le gustaba vestir al estilo de majas y chisperos.<br />
La gama de colores que emplea es rococó. Son colores suaves y armonizados. Tienen cierta elegancia, gracia y delicadeza.<br />
Entre ellos destacan:<br />
<i> La merienda a orillas del Manzanares </i><br />
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<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/8e/La_merienda_a_orilla_del_Manzanares.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="421" /><br />
<br />
Este es <i>El quitasol</i>.<br />
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<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d5/El_Quitasol_%28Goya%29.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="567" /> <br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/55/Condesa_de_chinchon.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/55/Condesa_de_chinchon.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="260" /></a></div>
<b><u>Etapa de madurez (1.781-1.814)</u></b><br />
<br />
Empieza a trabajar como retratista para la Corte. Los retratos son fieles a la realidad y en ellos recoge además la realidad psicológica del personaje, detalles y hechos objetivos.<br />
Retrata a los monarcas y familiares, demasiado humanos y casi decadentes. Pone más atención en mostrar los rostros que en los vestidos, en los que las pinceladas son meras manchas de color.<br />
Sus retratos fueron muy numerosos.<br />
Esta es la <i>Duquesa de Chinchón</i>, esposa de Godoy. La simpatía que sentía el autor por la modelo resalta en el cuadro. Su rostro fino y delicado refleja el mundo de intrigas y sin felicidad en el que vivió esta mujer. El fondo neutro y oscuro, muy típico de la pintura neoclásica de la época, hace que la figura se destaque de manera clara.<br />
<br />
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Estas son las dos majas, la vestida y la desnuda. Se cree que la modelo pudo ser la duquesa de Alba. Todo lo que en la representación del desnudo es factura apretada y precisa, se vuelve muy suelta en la vestida. Este nuevo tipo de retrato inspiró a muchos pintores franceses del XIX.<br />
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<img class="irc_mut" src="http://amilcarmoretti.files.wordpress.com/2012/03/maja_las-dos-1.jpg" height="552" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="543" /><br />
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<a href="http://uploads8.wikipaintings.org/images/francisco-goya/queen-mar%C3%ADa-luisa-wearing-a-mantilla-1799.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://uploads8.wikipaintings.org/images/francisco-goya/queen-mar%C3%ADa-luisa-wearing-a-mantilla-1799.jpg" height="320" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="200" /></a><br />
Esta es la reina Mª Luis de Maja.<br />
Lo pintó en el palacio de La Granja en 1.799, es una muestra de las dotes de feroz observación de Goya. La reina, que viste aquí el traje negro de las majas, con mantilla, lazos rosas y abanico en la mano derecha, ha sido pintada por Goya sin modificar un ápice su escasa belleza. El autor no era el tradicional retratista cortesano que dulcifica los rasgos de las personas reales.<br />
Este es un retrato ecuestre de Carlos IV. El rey viste uniforme de coronel de la Guardia de Corps y monta un caballo casi monstruoso por su desproporción. Goya no era buen animalista, como lo demuestra el otros retrato de la reina Maria Luis.<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/fe/Carlos_IV_a_caballo.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="325" /><br />
<i><br /></i>
<i>Esta el la familia de Carlos IV de El Prado.</i> Pintado entre 1800 y 1801, la pincelada de este óleo es vigorosa, resuelta y relega el dibujo a un nivel secundario.<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/proxy/AVvXsEigN-SpgYuVEvi-JQzRVQBKbaYMPH_LmTiJL8x1bm9Qh0jglilhZT48xfCIkLM5oZwZQQl1Eg58qUPRRgAo2bOiYwFzYQNKO19nFyBO68xRRwDWvKgcf12TzZwIhhxR07QxYiWq0674GO8k6rlUgxWmiguNVChrr1iMHZrwZgyucvdhj0Aawjl9ULlAwYYf=" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/55/La_familia_de_Carlos_IV.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="482" /></a><br />
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Destaca el cromatismo de los trajes: los blancos y dorados armonizan rabiosamente con las tonalidades rojas, azules y negras. Destaca sobre las demás el lujoso color dorado de la reina Mª Luisa y el rojo intenso del infante Francisco de Paula.<br />
Goya iluminó la parte derecha del cuadro y dejó la izquierda en penumbra. Este contraste acentúa el brillo de las joyas y condecoraciones.<br />
Este cuadro es un retrato colectivo que, dejando de lado las similitudes evidentes con las meninas, comparte aspectos con el retrato neoclásico (ordenación vertical de las figuras, ausencia de movimiento, etc.) Sin embargo no puede ser reducido a este estilo ya que renuncia al dibujo elaborado y se centra en el color y el estudio psicológico de los personajes. <br />
La Familia Real se distribuye en tres grupos:<br />
<ul style="text-align: left;">
<li>En el grupo central aparece el Rey y su esposa, junto con sus hijos pequeños, Mª Isabel y Francisco de Paula.</li>
<li>Encuadrado en la izquierda, está el futuro Fernando VII acompañado de su futura esposa, que por ignorarse quién sería, esconde el rostro. A su lado está el infante Carlos María Isidro, segundo en la línea sucesoria, y la hermana del Rey.</li>
<li>A la derecha está Antonio Pascual (hijo del Rey), las hijas del Rey (Carlota Joaquina y Mª Luisa Josefina), y el marido de la segunda (Luis de Borbón) y el infante Carlos Luis (hijo del matrimonio)</li>
</ul>
A la izquierda, detrás de un cuadro de grandes dimensiones, semioculto en la penumbra, está Goya.<br />
La poca profundidad y gran cantidad de personajes acentúa la sensación de falta de espacio.<br />
El cuadro fue encargado por Carlos IV. Para llevarlo a cabo Goya realizó esbozos de cada uno de los personajes por separado. La gran incógnita que plantea este lienzo se centra en cuáles fueron las intenciones de su autor: ¿caricaturizar a la realeza española?, ¿criticarla? ¿o retratar a sus miembros tal como eran?.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://janetthomas.files.wordpress.com/2011/11/the-sleep-of-reason.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://janetthomas.files.wordpress.com/2011/11/the-sleep-of-reason.jpg" height="400" id="irc_mi" style="margin-top: 69px;" width="269" /></a>Algunos historiadores del arte sostienen que Goya se sentía más cercano al pueblo y a la Ilustración y que esta obra es una sátira, sin embargo los reyes aceptaron la tela sin ninguna objeción. El artista fue fiel a sus modelos y penetro con sutileza en la psicología de los personajes.</div>
<br />
En 1.799 publicó una serie de ochenta aguafuertes titulada <i>Los Caprichos</i>. En cada grabado incluye una leyenda que explica el contenido irónicamente. Estos comentarios sociales en forma de grabados didácticos contenían observaciones sobre realidades de la vida pública. Censuraban los vicios y errores humanos.<br />
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Los temas aluden a a las extravagancias y locuras de la sociedad de la época, al mundo de las brujas, los monstruos, la desgracia, etc.<br />
En estos caprichos se reproduce una oscuridad negra y una luz blanca intensa, lo que crea fuertes contrastes y potencia los valores expresivos.<br />
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<a href="http://rockngeek.net/wp-content/uploads/2012/04/goya-desastres.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://rockngeek.net/wp-content/uploads/2012/04/goya-desastres.jpg" height="298" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="400" /></a>Goya también fue testigo de los horrores de la guerra de la Independencia (1.808-1.812). Realizados durante la contienda, en 1.863 publicó <i>Los desastres de la guerra. </i>Se trata de imágenes de la guerra, mutilaciones, matanzas, saqueos.<br />
En estas estampas también destaca el contraste del blanco y el negro, lo que aumenta su dramatismo.<br />
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<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/b9/Prado_-_Los_Desastres_de_la_Guerra_-_No._37_-_Esto_es_peor.jpg" height="480" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /><br />
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<u><b>Las últimas obras de Goya (1.814-1.828)</b></u><br />
En 1.814 realizó dos cuadros emblemáticos del enfrentamiento con los franceses: <i>El dos de mayo de 1.808 y Los fusilamientos del 3 de mayo de 1.808. </i>Se trata de dos obras históricas donde no hay héroes. Ambos lienzos son de grandes dimensiones. <br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/76/El_dos_de_mayo_de_1808_en_Madrid.jpg" height="494" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /><br />
En el 2 de mayo el pueblo de Madrid se ha sublevado contra las órdenes de Murat. No hay en el lienzo predominio de unos personajes centrales , es todo el pueblo el que se enfrenta a la tropa invasora. En aras del expresionismo que busca conseguir con sus obras, Goya ha violentado las formas físicas. Magistral es la expresión de pánico que asoma en las cabezas de los caballos.<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fd/El_Tres_de_Mayo,_by_Francisco_de_Goya,_from_Prado_thin_black_margin.jpg/1280px-El_Tres_de_Mayo,_by_Francisco_de_Goya,_from_Prado_thin_black_margin.jpg" height="494" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /><br />
En los fusilamientos del 3 de mayo, la composición se organiza a partir de la iluminación con una función innegablemente dramática. La luz, que emana de una linterna colocada en el suelo, separa simbólicamente la zona iluminada donde se alinean los soldados. En la zona iluminada, la camisa blanca de uno de los insurrectos parece absorber toda la luz del cuadro con una fuerte carga expresiva y simbólica.<br />
El pelotón de soldados, sin rostro, forma una diagonal cerrada que obliga al espectador a contemplar la escena desde el pelotón. Los fusiles preparados para disparar y la pierna retrasada indican que la descarga es inminente, ocultando sus rostros, el pintor los despersonaliza y los convierte en máquinas de matar.<br />
Por contraste, las fisionomías de los ciudadanos anónimos adquieren una gran dignidad. Estos hombres, conscientes de que van a morir, adoptan las más diversas actitudes ante la muerte: se cubren el rostro con las manos, se muerden los nudillos, rezan... A su lado yacen sus predecesores.<br />
Entre los insurrectos, el hombre de la camisa blanca levanta sus brazos y mira al frente. La postura recuerda al Cristo crucificado, y en las palmas de las manos se pueden apreciar sus estigmas; lejos de él, en la parte izquierda del cuadro, una mujer está sentada con un niño en sus brazos. Mediante estas claras alusiones a Jesús y a la Virgen, Goya abandona la "anécdota" para convertir su lienzo en un grito contra la irracionalidad de la guerra y, a la vez, en una expresión de esperanza en Dios y en la Historia.<br />
En 1.826 hizo una serie de veintitrés estampas sobre la <i>Tauromaquia</i>, debido a su gran pasión por los toros, centrándose casi exclusivamente en loa animales y en los toros.<br />
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<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/53/El_Cid_Campeador_lanceando_otro_toro_%28Tauromaquia_-_Goya%29.jpg" height="441" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /><br />
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/6/61/Goya_Pedro_Romero_%28Tauromaquia_Plate_30%29.png" height="425" id="irc_mi" style="margin-top: 64px;" width="631" /><br />
También hizo una serie de aguafuertes llamada <i>Los disparates o proverbios</i> (1.815-1.824), algunos basados en proverbios, en los que está presentes los monstruos y lo deforme. Están cargados de cierto surrealismo. Las etapas se van oscureciendo con fondos negros y crueles sobre los que destacan las figuras. Este es un rasgo común con las <i>pinturas negra</i>s.<br />
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/70/Disparates_10.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="583" /><br />
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f0/Disparates_17.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="581" /> <br />
<img height="393" id="irc_mi" src="https://smu.edu/newsinfo/releases/images/m0112c.jpg" style="margin-top: 0px;" width="586" /><br />
<br />
Para la decoración de las paredes de la <i>Quinta del Sordo, </i>su casa en las cercanías de Madrid, Goya realizó catorce figuras entre 1.820 y 1.822. Se las denomina <i>pinturas negras</i> porque están envueltas en una siniestra negrura.<br />
Son pinturas casi monócromas, de colores apagados, representan escenas nocturnas (aquelarres, misas negras y figuras casi monstruosas).<br />
La técnica se basa en la mancha más que en la precisión anatómica o de perspectiva.<br />
Estas obras interesaron a los surrealistas e impresionistas.<br />
Esta obra se llama <i>Dos viejas comiendo sopa</i>.<br />
<img alt="File:Viejos comiendo sopa.jpg" data-file-height="1806" data-file-width="3051" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/cf/Viejos_comiendo_sopa.jpg/800px-Viejos_comiendo_sopa.jpg" height="379" width="640" /><br />
Esta es <i>El aquelarr</i>e.<br />
<img alt="File:El Aquelarre.jpg" data-file-height="966" data-file-width="3051" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/El_Aquelarre.jpg/800px-El_Aquelarre.jpg" height="202" width="640" /><br />
La romería de San Isidro.<br />
<img alt="File:La romería de San Isidro.jpg" data-file-height="982" data-file-width="3051" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/La_romer%C3%ADa_de_San_Isidro.jpg/799px-La_romer%C3%ADa_de_San_Isidro.jpg" height="205" width="640" /><br />
<i>Duelo a garrotazos</i>.<br />
<img alt="File:Riña a garrotazos.jpg" data-file-height="650" data-file-width="1354" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/2b/Ri%C3%B1a_a_garrotazos.jpg/800px-Ri%C3%B1a_a_garrotazos.jpg" height="307" width="640" /> <br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/82/Francisco_de_Goya%2C_Saturno_devorando_a_su_hijo_%281819-1823%29.jpg/326px-Francisco_de_Goya%2C_Saturno_devorando_a_su_hijo_%281819-1823%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="File:Francisco de Goya, Saturno devorando a su hijo (1819-1823).jpg" border="0" data-file-height="3051" data-file-width="1661" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/82/Francisco_de_Goya%2C_Saturno_devorando_a_su_hijo_%281819-1823%29.jpg/326px-Francisco_de_Goya%2C_Saturno_devorando_a_su_hijo_%281819-1823%29.jpg" height="640" width="347" /></a><br />
Este<i> es Saturno devorando a sus hijo</i>s. Saturno, Cronos en la mitología griega, devoraba sus hijos recién nacidos para impedir que alguno le destronase. Goya prescindió de los textos clásicos e hizo que sus hijos fuesen adultos. Saturno exhibe unos ojos extraviados y una boca bestial; sus dedos se hunden en el cuerpo que sostiene; su movimiento contrasta con el estatismo del cadáver. Impactan, sobre todo, la oscuridad que envuelve a la figura iluminada y el rojo de la sangre.<br />
<br />
Estas pinturas negras, sin dejar claro si pertenecen a un programa unitario o no, parecen un descenso a los infiernos, protagonizadas por visiones de ultratumba, obsesiones y pesadillas.<br />
Se caracterizan por el modelado abrupto, el empleo de las manchas y grumos discontinuos, la imprimación de fondo negro y la deformación de los cuerpos.<br />
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Su última época transcurre en Burdeos, a partir de 1.824, donde retrató la gente y la vida sórdida y miserable de su entorno. Estos cuadros están realizados con una pincelada amplia y libre, suelta y abocetada, rápida y escueta, de claro matiz contemporáneo.<br />
Destaca <i>La lechera de Burdeos</i>. Esta obra es un portento de dibujo y color. Parece presentir ya lo que sería la pintura de unos años después: el impresionismo.<br />
<img src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/8e/Goya_MilkMaid.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="353" /><br />
Por estos años firma otra de sus obras maestras: las cuatro láminas de <i>Los toros de Burdeos</i>, realizadas en litografías en 1.826. <br />
<i>Plaza Partida</i><br />
<img alt="File:Plaza partida.jpg" data-file-height="720" data-file-width="995" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/08/Plaza_partida.jpg/800px-Plaza_partida.jpg" height="289" width="400" /><br />
<i>Diversión de España</i>.<br />
<img alt="File:Diversión de España.jpg" data-file-height="720" data-file-width="995" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/50/Diversi%C3%B3n_de_Espa%C3%B1a.jpg/800px-Diversi%C3%B3n_de_Espa%C3%B1a.jpg" height="289" width="400" /> <br />
<i>Bravo toro</i>.<br />
<img alt="File:Bravo toro.jpg" data-file-height="591" data-file-width="782" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/fb/Bravo_toro.jpg" height="302" width="400" /><br />
El famoso americano Mariano Ceballos.<br />
<img alt="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/6f/El_famoso_americano_Mariano_Ceballos.jpg" class="shrinkToFit decoded" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/6f/El_famoso_americano_Mariano_Ceballos.jpg" height="307" width="400" /><br />
El 16 de abril de 1.828 falleció en Burdeos, donde fue enterrado hasta que sus restos fueron trasladados a España. Hoy descansan en la ermita de San Antonio de la Florida, que él pintó.<br />
</div>
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La vuelta a la antigüedad tenía un inconveniente: la escasez de pinturas antiguas. El pintor tuvo que inspirarse en la escultura, por lo que el ideal de este periodo es el dibujo, por lo que deja de preocuparse por la luz.<br />
Los temas son clásicos, mitológicos, históricos, ect.<br />
Los autores más destacados son los franceses David e Ingres, el alemán Mengs, y los españoles Salvador Maella, Francisco Bayeu y José Madrazo.<br />
<br />
<b>JACQUES-LOUIS DAVID (1.748-1.825)</b><br />
Se formó a partir del arte grecorromano y de los antiguos maestros de la pintura italiana, desde Rafael a Caravaggio.<br />
Su temática se inspira en el mundo antiguo, aunque David le otorga un significado contemporáneo con un mensaje moral destinado a la sociedad del momento. Elige acontecimiento de la antigüedad que glorifican las virtudes del patriotismo, el valor y el sacrificio.<br />
Se inspiró en los relieves, de los que tomó la simetría y la ordenación paralela de las figuras.<br />
Sus figuras están modeladas como las estatuas antiguas. La anatomía está representada con precisión.<br />
<br />
David se adhirió con gran entusiasmo a la Revolución Francesa. En 1.792 fue uno de los extremistas de la Convención y en 1.793 votó por la ejecución del rey.<br />
Llegó a ocupar la presidencia de los jacobinos y mantuvo una estrecha relación con Robespierre. Con el cambio político, tales antecedentes le costaron un año y medio en prisión, en el Palacio de Luxemburgo.<br />
<br />
Esta pintura es "El juramento de los Horacios". <br />
<br />
<img alt="File:David-Oath of the Horatii-1784.jpg" data-file-height="1001" data-file-width="1292" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bb/David-Oath_of_the_Horatii-1784.jpg/774px-David-Oath_of_the_Horatii-1784.jpg" height="496" width="640" />David utilizó líneas rectas para trazar a los personajes masculinos y líneas onduladas para los femeninos. El cromatismo se subordina al dibujo. Los colores son brillantes, claros, y predominan las tonalidades rojas, grises y ocres. El rojo de la túnica del padre, en el centro de la escena, es un símbolo de la intensidad del acto del juramento, pero también de la sangre que será derramada en un futuro próximo.<br />
La luz, de clara inspiración caravaggiesca, entra por la izquierda del lienzo y proyecta las sombras de los hermanos hacia el padre y las mujeres.<br />
Los tres arcos del fondo dividen la composición del lienzo en tres zonas: a la izquierda se encuentran los hermano, en el centro el padre, y a la derecha las mujeres y los niños.<br />
El número tres es una constante en la obra: tres arcos, tres espadas, tres hermanos, tres mujeres...<br />
Es también relevante la distribución de los elementos a partir de diferentes formas geométricas. Así, los jóvenes y el padre conforman, al ser aproximadamente del mismo tamaño un rectángulo; en cambio, las piernas de los hermanos, del padre y las mujeres pueden reducirse a triángulos.<br />
El contenido de la obra se basa en la tragedia "Horace" de Corneille que se inspira, a su vez, en una historia narrada por Tito Livio. Los tres hermanos Horacios juran ante su padre lealtad al Estado. En el siglo VII a. C. Roma y Alba Longa se disputaban el dominio de la Italia central. Para ver qué ciudad era más fuerte se hizo un combate entre tres hombres de cada bando. Los Horacios por Roma y los Curiacios de Alba Longa. El único superviviente fue un Horacio que mató a su hermana porque lloraba por la muerte de su prometido, uno de los Curiacios.<br />
La conclusión que se puede sacar de esta obra es el deber hacia la Patria.<br />
Este lienzo se lo encargó al autor el rey Luis XVI en los años anteriores a la Revolución Francesa. Aunque el lienzo no pretendía apoyar la conspiración contra el rey, su contenido fue interpretado en este sentido.<br />
En 1.874 pintó "La muerte de Sócrates".<br />
<img alt="File:David - The Death of Socrates.jpg" data-file-height="2449" data-file-width="3725" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8c/David_-_The_Death_of_Socrates.jpg/800px-David_-_The_Death_of_Socrates.jpg" height="262" width="400" /><br />
En 1789 realizó "Los lictores llevan a Bruto el cuerpo de sus hijos".<br />
<img alt="File:DavidBrutusSonsCorps.jpg" data-file-height="676" data-file-width="880" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/59/DavidBrutusSonsCorps.jpg/781px-DavidBrutusSonsCorps.jpg" height="306" width="400" /><br />
<br />
Tras la Revolución Francesa (1.789), su temática quedó unida a la causa revolucionaria. Entre sus obras destacan "El juramento del juego de pelota"(boceto en la foto) y "La muerte de Marat".<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/6d/Le_Serment_du_Jeu_de_paume.jpg" height="260" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="400" /><br />
<img alt="File:Death of Marat by David.jpg" data-file-height="1287" data-file-width="1001" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/aa/Death_of_Marat_by_David.jpg/466px-Death_of_Marat_by_David.jpg" height="320" width="248" /><br />
Con la llegada de Napoleón, David de convirtió en el narrador de sus glorias. Así represento al emperador en su coronación o cruzando los Alpes.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/proxy/AVvXsEjvgg0rMKvicz0ligxpy81AYKGbOXO_Sj4DrN4tt83GyVO0q8zlzYUoKKnjStYDgI_zpEQQipbvlEQ1g4P77USR9VsreIAT7s4LodGWDI5gIVUPX7AJ3hTf4RxI9WSbBQiR2jtW-VFFsPsozgh8CjgQ3ENkUAahR5-QLCFsk2kal9rN8bxq7NfaCaHpRc-udXfyRGduanNsAnjGjYOSSFMNJRoWWpQe7S35pALD8osUVPzh3cB2PxH0NZdPxg20OM15MgMgwnKkwvBNHFxJT7u1q1zm-quD7Nap4YohlzUlLOawfn6WiAY5-VUQC4RgK4AAhajqO_w=" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="File:Jacques-Louis David, The Coronation of Napoleon edit.jpg" border="0" data-file-height="1375" data-file-width="2200" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/08/Jacques-Louis_David%2C_The_Coronation_of_Napoleon_edit.jpg/800px-Jacques-Louis_David%2C_The_Coronation_of_Napoleon_edit.jpg" height="400" width="640" /></a></div>
<img alt="File:Jacques-Louis David 007.jpg" data-file-height="2380" data-file-width="2024" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d2/Jacques-Louis_David_007.jpg/510px-Jacques-Louis_David_007.jpg" height="640" width="544" /><br />
<br />
Tras el retorno de los Borbones se fue al exilio, donde murió.<br />
Los discípulos de David fueron Ingres y Gros, que a pesar de ser considerados neoclásicos, también tienen puntos en común con los artistas del incipiente Romanticismo.<br />
<br />
<b>JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES (1.780-1.867).</b><br />
<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ed/Ingres_-_Die_Badende_von_Valpincon.jpeg/397px-Ingres_-_Die_Badende_von_Valpincon.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="File:Ingres - Die Badende von Valpincon.jpeg" border="0" data-file-height="3006" data-file-width="1992" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ed/Ingres_-_Die_Badende_von_Valpincon.jpeg/397px-Ingres_-_Die_Badende_von_Valpincon.jpeg" height="640" width="424" /></a>Fue el alumno y heredero de David, es el continuador del clasicismo en el siglo XIX. Es un pintor fiel a la línea y al dibujo. La base de su arte es el dibujo como un producto de la línea pura.<br />
En 1806, Ingres se marchó a Roma, donde permaneció 18 años, y descubrió a Rafael. Estos años de trabajo
serán los más fecundos de su carrera. A ellos pertenecen voluptuosos
desnudos femeninos, entre los que cabe destacar "La bañista de Valpinçon".<br />
Es un pintor fiel a la línea y al dibujo. La base de su arte es el dibujo como un producto de la línea pura.<br />
Su principal obsesión es la mujer y el desnudo femenino. para la que comprará escenas clasicistas, orientales y puras invenciones. <br />
<br />
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Esta es la "La gran Odalisca".<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/4a/Jean_Auguste_Dominique_Ingres,_La_Grande_Odalisque,_1814.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="706" /><br />
Y este es "El baño turco".<br />
<img alt="File:Le Bain Turc, by Jean Auguste Dominique Ingres, from C2RMF retouched.jpg" data-file-height="15488" data-file-width="15556" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c9/Le_Bain_Turc%2C_by_Jean_Auguste_Dominique_Ingres%2C_from_C2RMF_retouched.jpg/602px-Le_Bain_Turc%2C_by_Jean_Auguste_Dominique_Ingres%2C_from_C2RMF_retouched.jpg" height="397" width="400" /> <br />
En el desnudo busca la belleza ideal y la grandeza de las formas, aunque se haya tomado ciertas libertades respecto al canon de la Antigüedad. Los cuerpos de las figuras están envueltos en un leve sfumato. <br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/proxy/AVvXsEgRoi20_1BDFrPvXF-xhrD0WRWgK_e8q1K58OxfBx_juguQlZrwG8uJa9aVyB0r-uQSwQAHOFMzvMsF0y5aEVS8WrBvlFMDH0nMSESQB_dewgK8WpeBmMUnCuKRWmsXHe_zs2zYqgAaPx0P4ZcIdmFlmMotkwn0fyCkMPDkwmlFzArODGWFQN-Nbf0QjcZzEpo4ZMms1kXnmD8zqMdrwqVNHezEZRHiu28FBhPnIL4uEc85_ZWe5fP6wi2A-zfATpArmDQP=" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img alt="File:Ingres coronation charles vii.jpg" border="0" data-file-height="800" data-file-width="596" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/2b/Ingres_coronation_charles_vii.jpg/447px-Ingres_coronation_charles_vii.jpg" height="320" width="238" /></a>También realizó las composiciones históricas o religiosas tratadas al modo de las mitologías históricas como esta<i> "</i>Juana de Arco".<br />
<br />
Perfeccionó el estilo retratista desarrollado por David y centró su atención en las formas y en las texturas de todo lo que aparece en el cuadro.<br />
Los rostros, los cuellso y brazos tienen un acabado marfileño.<br />
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<br />
Este es un retrato de Napoleón. <br />
<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/proxy/AVvXsEhOT0rQmsHsa5QqYzcMbph4ma3_Nxy2oyOKQm9-rvo8OOh26kdEzEZzDDBMIKXn8HbeCAf435vmN0kBsL3CWPdnFMjZfX739Bn0JXpSLVhcEmYCO8QDgQwOOsvQTs2iaxKxjJmwc33V6lg9AW2RPYFvqTmMebHAhl0XGvoEugmAeYZPJs7E6fAmQ-ulvYknRM1Nbbmhfnogfb4DnAhRYk5LAucfTCDJmB24zfg12YLxl5jpxUVZubl3hkNj7XGW8wR9Bgqbx1e4HWSB9KufostlbbnzDamr1jKDOZ6j=" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="File:Ingres, Napoleon on his Imperial throne.jpg" border="0" data-file-height="1400" data-file-width="864" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/28/Ingres%2C_Napoleon_on_his_Imperial_throne.jpg/370px-Ingres%2C_Napoleon_on_his_Imperial_throne.jpg" height="400" width="246" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/proxy/AVvXsEgQw8BLZeURjGDtTmWHgyi-Ovood8cQ90r-GNZH7PpaRBqtktcXKKl_RgOwejhaozIHw5PThGk4XIGrCaRrxJ6ZloXHsjdxOiQmF-Rf4B8PY0qpm-Dx65gMdWStp8Z8uij9EukLNAcaEp3LXUrXIC_eUg_6f7iWZ7tRctRCkXMQos8XbVaLOKf4D0V9D7MH4yJz0WHwjNF8RqATbRPWUhsFcMIr8OzsY_F9qQ=" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><br />
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<br />
También tiene temas mitológicos como este "Edipo y la esfinge".<br />
<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/proxy/AVvXsEiFYemsLrmS4ll1bVBjfGDiEwpqN7KSt3UFydRz5RDt3MkN5WcAhbV48NqdtmsTRIDJ2otufE89BKCjJt_hyphenhyphenwI8erxtdedYUngl2C3z7uCdPBq9JoH1h4KKQxcVRFAQhNPWRuIXChYBJ2zYqNwyTDq74kwvgRbJ43ZjRU5KsCVUJ4Nn6ZMlvcUAmWuzlddZvJvVg0DK-L_1h-OpI05S29sQbmbVsjRACxPuW-5w_MwzUm23ONb-MecOKiN_DpgNjOKdFHhublt_9XMuLtryUeZVQKMDSujXJHPTf-m6kiihThwQ6533nkFGj9-3i6Be0DXmIJaVBwN23ml6vCvq3TYCqV-bQa7V0P9c85YIfuGYu6H4=" imageanchor="1"><img alt="File:Jean-Auguste-Dominique Ingres - Oedipus and the Sphinx - Walters 379.jpg" border="0" data-file-height="1799" data-file-width="1502" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0c/Jean-Auguste-Dominique_Ingres_-_Oedipus_and_the_Sphinx_-_Walters_379.jpg/500px-Jean-Auguste-Dominique_Ingres_-_Oedipus_and_the_Sphinx_-_Walters_379.jpg" height="400" style="cursor: move;" width="332" /></a><br />
Esta obra se titula "los enviados de Agamenón"<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/proxy/AVvXsEgNe8bRBaSJy22_QgQoTxmV3UrcSkrBr4ZxK4oWEXxwLFzWbP2SAu8hQtFBZSXg6OznaWh-m9btkRClbqCE1STAWgg86o8E-mXQytvS67uxUtdTTla8OeKhMoHqByabu9nJo3hxxwTzWo__VlPoAxQyVwvPVSjST3jjCs6UgSAy28gliKMCwkMroDCU9YB569ZjgCOuTng5Hg=" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="File:The Envoys of Agamemnon by Ingres.jpg" border="0" data-file-height="503" data-file-width="640" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/87/The_Envoys_of_Agamemnon_by_Ingres.jpg" height="314" width="400" /></a><br />
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<b>ANTOIGNE- JEAN GROS (1.771-1.835)</b><br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/41/Antoine-Jean_Gros_008.jpg/507px-Antoine-Jean_Gros_008.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="File:Antoine-Jean Gros 008.jpg" border="0" data-file-height="2395" data-file-width="2024" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/41/Antoine-Jean_Gros_008.jpg/507px-Antoine-Jean_Gros_008.jpg" height="400" width="338" /></a>Este noble francés fue discípulo y amigo de David. Su pintura inicialmente neoclásica se acercó luego al romanticismo atraído por su fuerza y expresividad dramática.<br />
La muerte de su padre cuando era pequeño le obligó a vivir de la pintura desde joven. En 1.793 se fue a Italia, estableciéndose en Génova.<br />
En 1796 Gros se presentó (gracias a su colega David) ante el ejército francés cerca de Arcola. Bonaparte le dio el encargo de inspector de correo, profesión que
le permitió seguir al ejército en sus campañas militares. Gros simultaneó su vida militar con su trabajo como artista, reforzando
la expresividad y energía de sus cuadros. En este periodo pudo influir
sobre pintores como Théodore Géricault y Eugène Delacroix. <br />
<br />
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<br />
<b>ANTÓN RAPHAEL MENGS (1.728-1.779).</b><br />
<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/bd/Maria_Luisa_de_Parma1.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/bd/Maria_Luisa_de_Parma1.jpg" height="400" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="287" /></a>Es Alemán, pero trabajó principalmente en Roma y Madrid. Tomó como modelo la estatuaria antigua, el clasicismo de Poussin y las pinturas de los grandes maestros del Renacimiento (Corregio y Rafael).<br />
Tiene un dibujo suntuoso y el colorido frío y abigarrado. En sus figuras predomina la suavidad de la línea curva.<br />
En 1761 pintó el fresco de <i>El Parnaso</i> en el techo de la Villa Albani, en Roma, que se convirtió en un manifiesto del neoclasicismo por su evidente empleo de soluciones tomadas de los maestros del Renacimiento y en particular de Rafael.<br />
Ese mismo año es llamado a España, donde permanecería hasta 1769, siendo nombrado Primer Pintor del rey Carlos III.<br />
Este es su retrato de María Luisa de Parma, esposa del futuro Carlos IV del Museo de El Prado.<br />
Mengs evita las composiciones en profundidad y ordena sus figuras paralelas al plano pictórico, como un relieve escultórico.<br />
<br />
Su repercusión en el arte español fue notable, especialmente en la corte de Madrid. A su sombra despuntaron los Bayeu, y también intervino para que Goya obtuviese un primer empleo en la capital. <br />
<br />
<b>MARIANO SALVADOR MAELLA (1.739-1.819).</b><br />
Su primera formación la recibe de su padre, también pintor. Luego irá a estudiar a Madrid, a la Academia de San Fernando, donde logrará varios premio que le permitieron ir a Italia.<br />
En 1765, tras su regreso a Madrid y gracias a Mengs, trabajó en la remodelación del Palacio Real. <br />
Ingresó como Académico de la
de San Fernando, de la que llegó a ser Director General.<br />
Fue nombrado pintor de cámara en 1774,
donde se reconoció su espléndida técnica para el retrato.<br />
Pintó al fresco, hizo retratos para la Casa Real y elaboró de patrones para tapices en la Real Fábrica de Tapices con quien fue durante toda su vida el oponente más firme a Maella, Francisco Bayeu.<br />
Este es un retrato de Carlos III y otro de Carlos IV. <br />
<a href="http://img337.imageshack.us/img337/9979/retratodecarlosiiiconelwv5.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="http://img337.imageshack.us/img337/9979/retratodecarlosiiiconelwv5.jpg" border="0" class="shrinkToFit decoded" src="http://img337.imageshack.us/img337/9979/retratodecarlosiiiconelwv5.jpg" height="400" width="308" /></a><img alt="retratodecarlosivjx8" src="http://img337.imageshack.us/img337/9592/retratodecarlosivjx8.jpg" height="400" title="retratodecarlosivjx8" width="262" /><br />
<br />
<br />
Esta obra es "Marina".<br />
<img alt="File:Marina (Mariano Salvador Maella).png" data-file-height="468" data-file-width="640" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/98/Marina_%28Mariano_Salvador_Maella%29.png" height="467" width="640" /> <br />
<br />
<br />
<a href="http://img337.imageshack.us/img337/2219/retratodemuchachana1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="retratodemuchachana1" border="0" src="http://img337.imageshack.us/img337/2219/retratodemuchachana1.jpg" height="400" title="retratodemuchachana1" width="286" /></a>Este es el retrato de una muchacha.<br />
Trabajó para Carlos IV y José I. Cuando Fernando VII regresó fue acusado de afrancesado y apartado de la Corte.<br />
<br />
<br />
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<br />
<br />
<b>FRANCISCO BAYEU (1.734-1.795)</b><br />
Nació en Zaragoza, donde residió hasta que en 1763, Anton Raphael Mengs lo llamó a Madrid para colaborar en la decoración del Palacio Real. Bajo la protección de Mengs, consiguió ser el artista más influyente de Madrid.<br />
En 1767 es nombrado pintor de la corte de Carlos III de España.<br />
Junto con su hermano Ramón y bajo la dirección de Mengs, realizó cartones para la Real Fábrica de Tapices. Este es un cuadro con trece bocetos para tapices.<br />
<img alt="cuadrocontrecebocetitos" src="http://img329.imageshack.us/img329/3250/cuadrocontrecebocetitos.jpg" height="294" title="cuadrocontrecebocetitos" width="640" /><br />
Realizó cuadros de temática religiosa como esta "Sagrada Familia" de El Prado.<br />
<img class="irc_mut" src="http://img233.imageshack.us/img233/2446/sagradafamilia17801790l.jpg" height="400" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="302" /><br />
También pintó frescos en el Palacio Real ("la rendición de Granada", "Hércules en el Olimpo", etc.), Palacio de Aranjuez, La Granja de San Ildefonso, en la bóveda de la basílica del Pilar de Zaragoza...<br />
Esta es la cúpula de el convento de La Encarnación.<br />
<img alt="0realmonasteriodelaencaq" src="http://img269.imageshack.us/img269/3498/0realmonasteriodelaencaq.jpg" height="460" title="0realmonasteriodelaencaq" width="640" /><br />
Este es un boceto de "El Olimpo batalla con los gigantes" para el Palacio Real de Madrid.<br />
<img alt="" class="thumbimage" data-file-height="1474" data-file-width="2717" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ac/El_Olimpo_batalla_con_los_gigantes.jpg/420px-El_Olimpo_batalla_con_los_gigantes.jpg" height="347" width="640" /><br />
Protegió a Goya, introduciéndolo en la corte. Goya se casó con la hermana de Francisco, Josefa Bayeu, en 1773.<br />
<br />
<b>JOSÉ DE MADRAZO Y AGUDO (1.781-1.859).</b><br />
Es el pintor neoclásico español más importante. Evolucionó del barroco al neoclásico. Fundador de una famosa saga de artistas, fue padre de Federico, Pedro y Luis Madrazo; abuelo de Raimundo y Ricardo Madrazo; y bisabuelo de Mariano Fortuny y Madrazo.<br />
Estudió con Gregorio Ferro, quien le enseña el estilo y la técnica de la pintura de Anton Raphael Mengs, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.<br />
A partir de 1803, estudió en París, con Jacques-Louis David, donde se formó como verdadero pintor neoclásico y entabló amistad con Ingres.<br />
Bajo el gobierno de José Bonaparte marchó becado a Roma. Allí consiguió cierto éxito con "La muerte de Viriato", inspirado en un episodio de la historia española. Utilizó una gamas cromáticas frías y estridentes, un dibujo de gran correccion y una retórica gestual un tanto excesivas.<br />
<img alt="File:Madrazo Viriatus HighRes.jpg" data-file-height="2032" data-file-width="3051" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/21/Madrazo_Viriatus_HighRes.jpg/800px-Madrazo_Viriatus_HighRes.jpg" height="426" width="640" /><br />
En Roma y debido a la oposición a la ocupación francesa, fue detenido en Roma. Allí conoció a los reyes Carlos IV y María Luisa de Parma, que le nombran pintor de cámara en 1.813. Este era un título honorífico, ya que los reyes estaban en el exilio.<br />
Tras la llegada de Fernando VII a España trabajó reorganizando el Museo del Prado, llegando a ser Director.<br />
Entre sus obras destacan la de temática religiosa, como "Jesús en la casa de Anás".<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/fd/Jes%C3%BAs_en_casa_de_An%C3%A1s_Museo_del_Prado_Jos%C3%A9_de_Madrazo.jpg" height="492" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /><br />
<br />
Esta es su "Amor divino y profano" .<br />
<img class="irc_mut" src="http://cvc.cervantes.es/img/citas_claroscuro/esp_xix51.jpg" height="580" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="436" /><br />
Pintó cuadros de temas históricos («Pintura de historia»).<br />
Inició, junto a José Aparicio,
la corriente pictórica histórica patriótica, una corriente artística
neoclásica, con base en temas patrióticos. Se enmarca en un estilo
clasicista puro. Su estilo se caracterizaba por su extrema teatralidad y
por la temática histórica de exaltación patriótica, siguiendo el modelo
de David.<br />
<br />
<b>JOSÉ APARICIO (1.773-1.838)</b><br />
En París fue el primer alumno español de Jacques-Louis David. Allí coincidió con Juan Antonio Ribera y Fernández y José de Madrazo.
<br />
En Roma, siguió su proceso de aprendizaje. Se mostró, más de una vez, fiel al rey español, al negarse a jurar fidelidad a José Bonaparte.
Debido a este hecho, José Aparicio cayó preso, como el resto de los
artistas españoles becados residentes en Roma, en el castillo de
Sant'Angelo, siendo considerado prisionero civil en la época fernandina.<br />
Después de ser liberado, es nombrado en 1.815<a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Agosto" title="Agosto"></a> pintor de cámara del rey Fernando VII.<br />
Un año más tarde comenzó a pintar <i>Las glorias de España</i>
tras casarse con la hija del rey, que le tendría ocupado durante cerca
de dos años. Con esta obra, comienza una gran serie de cuadros de gran
tamaño que abordan temas patrióticos.<br />
Sus obras más conocidas son "El hambre en Madrid" y "el Desembarco de Fernando VII en la isla de León"<br />
<i><img alt="File:JOSÉ APARICIO INGLADA - El Hambre en Madrid (Museo Municipal de Madrid, c. 1818).jpg" data-file-height="891" data-file-width="1266" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5c/JOS%C3%89_APARICIO_INGLADA_-_El_Hambre_en_Madrid_%28Museo_Municipal_de_Madrid%2C_c._1818%29.jpg/800px-JOS%C3%89_APARICIO_INGLADA_-_El_Hambre_en_Madrid_%28Museo_Municipal_de_Madrid%2C_c._1818%29.jpg" height="449" width="640" /> </i><br />
<i><img alt="File:Fernandovii puertosantamaria.jpg" data-file-height="334" data-file-width="510" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/6c/Fernandovii_puertosantamaria.jpg" height="334" width="510" /> </i><br />
<br />
Al morir el rey Fernando VII se inició el declive de su carrera.<br />
<br />
<b>JUAN ANTONIO RIBERA (1.779-1.860).</b><br />
Fue alumno de Francisco Bayeu. Fue becado en París y trabajó con David. Allí es en donde realizará su obra más famosa "Cincinato abandona el arado para dictar leyes a Roma".<br />
<img alt="File:Cincinato abandona el arado para dictar leyes a Roma, c.1806 de Juan Antonio Ribera.jpg" data-file-height="1184" data-file-width="1600" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/81/Cincinato_abandona_el_arado_para_dictar_leyes_a_Roma%2C_c.1806_de_Juan_Antonio_Ribera.jpg/800px-Cincinato_abandona_el_arado_para_dictar_leyes_a_Roma%2C_c.1806_de_Juan_Antonio_Ribera.jpg" height="473" width="640" /> <br />
<br />
Se exilió durante la Guerra de la Independencia Española. En 1811 es nombrado pintor de cámara por el exiliado Carlos IV de España, acompañará a este a su exilio en Roma donde será nombrado miembro de la Academia de San Lucas.<br />
Cuando en 1814 el rey Fernando VII regresa a España, confirma a Ribera como pintor de cámara en 1816, aunque éste permanecerá en Roma hasta 1818 realizando obras como <i>Alegorías de las Estaciones</i> y <i>Cristo crucificado</i>.<br />
Al volver, realizará este cuadro titulado "Wamba renuncia a la corona".<br />
<img alt="File:Wamba renuncia al trono obra de J. Antonio Ribera.jpg" data-file-height="424" data-file-width="651" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/49/Wamba_renuncia_al_trono_obra_de_J._Antonio_Ribera.jpg" height="416" width="640" /></div>
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La escultura neoclasica surge como reacción al Barroco. El
Neoclasicismo tiende a la contención de los volúmenes, a la claridad y
pureza de los contornos y al equilibrio y simplicidad.<br />
La escultura del Neoclásico se distingue por:<br />
<ol style="text-align: left;">
<li>El empleo del mármol blanco.</li>
<li>Los temas son de la antigüedad clásica, sobretodo mitológicos.</li>
<li>Toma como ejemplo las obras grecorromanas.</li>
<li>Se interesa por la belleza ideal, las actitudes reposadas, la severidad y pureza del arte antiguo.</li>
<li>Espulpen
desnudos alejados de erotismo, retratos individualizados, retratos
ecuestres, sepulcros, relieves unidos a monumentos conmemorativos o
edificios públicos.</li>
<li>El avance de la escultura urbana, que sirve
de referente obligado en los ordenamientos viarios. Las formas más
frecuentes son los arcos triunfales y las columnas conmemorativas.</li>
</ol>
<u>Antonio Canova (1.757-1.822).</u><br />
En Italia señala el tránsito del barroco final al clasicismo. Escultur de elevada técnica. Imitó a las obras griegas de su país.<br />
Huéfano de padre a los tres, lejos de su madre y en una situación económica precaria, Canova creció bajo la tutela de su abuelo, un humilde picapedrero que, al observar el gran talento de su nieto, decidió vender parte de sus tierras para costear a su nieto una formación. <br />
Sus obras reflejan la juventud. Suelen ser dioses y mujeres de gran belleza externa. Prefiere los temas mitológicos. Este su "Amor y Psique". Ambos cuerpo forman una X que dirigen la mirada del espectador hacia la escena princiapl: el beso.<br />
<img alt="File:Psyche revived Louvre MR1777.jpg" data-file-height="2512" data-file-width="2520" height="599" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d3/Psyche_revived_Louvre_MR1777.jpg/601px-Psyche_revived_Louvre_MR1777.jpg" width="601" /><br />
En su momento esta obra despertó duras crítica y vehementes entusiasmos. Fue robada por Murat, uno de los generales de confianza de Napoleón. Cuando le emperador la vió, quedó tam admirado se convirtió en mecenas del artista.<br />
Este es su "Perseo".<br />
<br />
<br />
<img alt="File:Perseus Metropolitan.jpg" data-file-height="1600" data-file-width="1200" height="600" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/55/Perseus_Metropolitan.jpg/450px-Perseus_Metropolitan.jpg" width="450" /><br />
Estas son sus "Tres Gracias".<br />
<img alt="File:Antonio Canova-The three Graces-Hermitage.jpg" data-file-height="2560" data-file-width="1920" height="600" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/52/Antonio_Canova-The_three_Graces-Hermitage.jpg/450px-Antonio_Canova-The_three_Graces-Hermitage.jpg" width="450" /><br />
<br />
<u>Bertel Thordvaldsen (1.770-1.844).</u><br />
El danés Thorvaldsen se inspiró en las esculturas griegas del estilo más severo y retoma la fase más heroíca del arte helenístico del siglo V a. C.<br />
Se interesa por la composición, la disposición proporcionada y la suave línea en el contorno de la figura.<br />
Busca la belleza ideal en la simetría, la armonía y en la proporción, creándo su propio cánon.<br />
Sus figuras carecen de sentimientos y pasiones, tendiendo a la quietud mesurada.<br />
Su obra más importante es el "Jasón", muy alabada por Canova y que le dio fama internacional.<br />
<br />
<img alt="File:ThorvaldsensJason.jpg" data-file-height="3311" data-file-width="2195" height="599" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/80/ThorvaldsensJason.jpg/397px-ThorvaldsensJason.jpg" width="397" /><br />
<br />
Este es su "Ganímedes y el aguila"<br />
<img alt="File:Thorvaldsens Ganymedes.jpg" data-file-height="2390" data-file-width="3146" height="485" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0a/Thorvaldsens_Ganymedes.jpg/789px-Thorvaldsens_Ganymedes.jpg" width="640" /> <br />
<br /></div>
Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-66290403606649741482014-03-24T17:49:00.000+01:002014-04-20T10:27:43.262+02:00Arquitectura neoclásica.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
En la segunda mitad del siglo XVIII se vuelve la vista hacia la Antigüedad. En este momento se excavan las ruinas de Pompeya y Herculano y se crean las academias de Arte en diferentes países.<br />
El neoclasicismo, a diferencia del Barroco y de Rococó, hace hincapié en el orden, el equilibrio, la serenidad, la austeridad y la sobriedad. Es un arte que ama a la naturaleza.<br />
<br />
<u>ARQUITECTURA.</u><br />
<br />
Es una reacción al Barroco. Este estilo tiene las siguientes características:<br />
<ul style="text-align: left;">
<li>Se van a utilizar como fuentes los edificios griegos, romano y del renacimiento.</li>
<li> La forma del edificio debe responder a la función y a una espacialidad racionalmente calcula.</li>
<li>Apariencia solemne y severa, simplicidad de líneas, armonía de volúmenes y la búsqueda de la belleza en su conjunto.</li>
<li>La columna como elemento base e indispensable en cualquier construcción e incluso el peristilo. Se prefiere la columna dórica con fuste acanalado.</li>
<li>Uso de frontones poblados de figuras escultóricas.</li>
<li>Empleo de la cúpula.</li>
</ul>
El Neoclásico alcanza en Francia su forma más pura y se extiende por Alemania, Inglaterra, E.E.U.U. y España<br />
.<br />
<b>Francia.</b><br />
Es la arquitectura de la razón. Se intenta adecuar la funcionalidad y la forma del edificio, por eso se decanta por construcciones de tipo práctico e industrial.<br />
Como consecuencia de los cambios económicos y sociales, la arquitectura realizará edificios como bolsas de comercio, bibliotecas, teatros, museos, hospitales, etc.<br />
También se hará arcos de triunfo y columnas conmemorativas para narrar las hazañas napoleónicas y eternizar al emperador.<br />
<br />
A mediados del siglo XVIII surge este movimiento de reacción contra el rococó.<br />
<u>Ange-Jacques Gabriel (1.698-1.782</u>) fue el primer arquitecto de Luis XV. A partir de 1.770 empezó a realizar edificios con muy poca ornamentación. El primer ejemplo de este cambio arquitectónico fue el pequeño Trienon de Versalles, con unas líneas muy sobrias.<br />
<img alt="File:Petit Trianon, façade sud 01.jpg" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/10/Petit_Trianon%2C_fa%C3%A7ade_sud_01.jpg/800px-Petit_Trianon%2C_fa%C3%A7ade_sud_01.jpg" height="425" width="640" /><br />
Otra de sus obras fue el proyecto para la Plaza de la Concordia de París, donde los edificios tienen una gran simetría con el fondo arquitectónico. Este proyecto se le presentó a Luis XV.<br />
<img alt="File:Place Louis XV - Projet de Gabriel.JPG" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0e/Place_Louis_XV_-_Projet_de_Gabriel.JPG/800px-Place_Louis_XV_-_Projet_de_Gabriel.JPG" height="266" width="400" /> <br />
<br />
<u>Germain Soufflot (1.713-1.780)</u> realizó el panteón de los Hombres Ilustres, antes iglesia de Santa Genoveva. Esta iglesia se reconvirtió en panteón para albergar a los héroes de la Revolución Francesa (1789). Se considera una obra neoclásica por su estatismo y su austeridad decorativa.<br />
<img alt="File:Pantéon (Francia).jpg" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f3/Pant%C3%A9on_%28Francia%29.jpg/547px-Pant%C3%A9on_%28Francia%29.jpg" height="599" width="547" /><br />
<br />
<b> </b><br />
El exterior articula con rigor los cuerpos que la forman: el pórtico monumental de inspiración romana, rematada por un festón y la bella cúpula, con un anillo de columnas corintias y coronada por una linterna. Esta cúpula fue muy imitada por los autores neoclásicos y nos recuerda a San Pedro in Montori de Bramante.<br />
<br />
Durante el imperio nepoleónico trabajó <u>Bartolomé Vignon (1.716-1.846)</u>. Este arte se conoció como arte imperio. El arte está al servicio de Napoleón y su expansión territorial. También refleja las conquistas y no es de extrañar que aparezcan como elementos decorativos flores de loto, esfinges, pirámides y águilas. su obra más importante es la Iglesia de Santa Magdalena. Se realizó entre 1.806 y 1.824 en París. Es una copia de un templo romano llamado Maison Carrée de Nimes.<br />
<img alt="File:Madeleine Paris.jpg" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3a/Madeleine_Paris.jpg/800px-Madeleine_Paris.jpg" height="456" width="640" /><br />
<br />
Es una iglesia con planta de cruz latina y con cúpula en el interior y exterior. Es un templo períptero (rodeado de columnas corintias). Tiene un frontón clásico.<br />
<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/proxy/AVvXsEg9Zd2pbK1g64TQYJQoyjVnysxueykgCSOFfrDr_Afn-VUD23I8iH_-3GZkjFuM6Zx0SFHLz-OrZ0daq3wQ9niOLnO50rdqh4OGCSuQpPrNk9YLByfr1HiW5A6bQFCDFwDMPCjeSmUNsTldd9ACEE4ryykGmdnzRG9o5D8riaMERV-KvPX0Te_DTg=" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/8d/Paris_July_2011-30.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="417" /></a><br />
Otra obra de este estilo imperio es el Arco del triunfo de París, obra de Jean-Francoise Chalgrin (1.739-1.811). Se hizo para conmemorar las victorias de Napoleón. Es el arco de un solo vano más grande del mundo, con 50 metros y sin columnas.<br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/e4/AdT_du_Carrousel.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/e4/AdT_du_Carrousel.jpg" height="299" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="400" /></a>En 1.804 Napoleón nombró arquitectos oficiales a <u>Charles Percier <span class="st">(1764–1838) </span>y a Pierre Francoise Fontaine <span class="st">(1762–1853<wbr></wbr>)</span></u>. Estos arquitectos llevarán a la perfección el estilo imperial. Ambos realizarán el Arco del Triunfo del Carrusel (1.805-1.806) para conmemorar la victoria de Napoleón en la batalla de Austerlitz. Tiene tres vanos y está rematado por el grupo de la Victoria triunfal. Está inspirado en el arco de Severo Séptimo de Roma.<br />
<br />
<br />
<b>Inglaterra.</b><br />
El clasicismo inglés está influido por el estilo clasicista griego y por la influencia de Palladio (Quincueccento italiano).<br />
Siguiendo el clasicismo de Palladio tenemos a<u> William Chambers (1.726-1.796),</u> cuya obra maestra es el gigantesco palacio de los magistrados de Somerset House.<br />
<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/12/Somerset_House.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="591" /><br />
Otros autores en la misma dirección clásica son Robert y James Adam, principales arquitectos del neoclasicismo escocés.<br />
<br />
<u>John Soane (1.752-1.837)</u> es otro autor influido por el arte romano. Entre sus obras destacan la ampliación del Banco de Inglaterra.<br />
<img alt="File:Bank of England - Soane's south facade edited.jpg" data-file-height="342" data-file-width="647" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/91/Bank_of_England_-_Soane%27s_south_facade_edited.jpg" height="342" width="647" /><br />
Con la llegada de la tendencia helenizante, crece la pasión por el pórtico de columnas. En este sentido tenemos a <u>Robert Smirke (1.781-1.867)</u> que hizo el Museó Británico.<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3a/British_Museum_from_NE_2.JPG/800px-British_Museum_from_NE_2.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="File:British Museum from NE 2.JPG" border="0" data-file-height="1836" data-file-width="2560" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3a/British_Museum_from_NE_2.JPG/800px-British_Museum_from_NE_2.JPG" height="457" width="640" /></a><br />
<u>William Wilkins (1.778-1.839) </u> realizó la National Gallery de Londres. <br />
<img alt="File:National Gallery from atop Nelson's Column, Trafalgar Square, London - geograph.org.uk - 287253.jpg" data-file-height="480" data-file-width="640" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/79/National_Gallery_from_atop_Nelson%27s_Column%2C_Trafalgar_Square%2C_London_-_geograph.org.uk_-_287253.jpg" height="480" width="640" /><br />
<br />
En 1.812 John Nash (1.752-1.835) fue el encargado de desarrollar el urbanismo de la ciudad de Londres durante la época del Rey Jorge V.<br />
Diseñó también el Regent's Park en Londres, un gran parque donde a su alrededor se establecieron las <i>terraces</i>, primeras viviendas colectivas de lujo estilo palacete, siendo quizás la más bella Cumberland Terrace.<br />
<img alt="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/23/The_Centre_of_Cumberland_Terrace%2C_Regent%27s_Park_-_Shepherd%2C_Metropolitan_Improvements_%281828%29%2C_p233.jpg" class="shrinkToFit decoded" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/23/The_Centre_of_Cumberland_Terrace%2C_Regent%27s_Park_-_Shepherd%2C_Metropolitan_Improvements_%281828%29%2C_p233.jpg" height="443" width="640" /> <br />
Al lado del parque está la Regent Street, que abre una calle hasta la
residencia real y que a su vez divide el Londres rico del pobre.<br />
<img alt="File:RegentStreet20040807 CopyrightKaihsuTai.jpg" data-file-height="398" data-file-width="600" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/4c/RegentStreet20040807_CopyrightKaihsuTai.jpg" height="398" width="600" /> <br />
<br />
Su obra más importante es el Pabellón Real de Brihgton, de estilo historicista (ver en el epígrafe de Arquitectura historicista del XIX). <br />
<br />
<b>Alemania.</b><br />
La corriente clasicista tiene sus representantes en Langhans y Schinkel en Berlín y en Leo Von Klenze en Múnich.<br />
<u>Carl Gotthard Langhans (1.732-1.808) </u>realizó la Puerta de Branderburgo<br />
<img alt="File:Brandenburger Tor 2005 006.JPG" data-file-height="1944" data-file-width="2592" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/71/Brandenburger_Tor_2005_006.JPG/800px-Brandenburger_Tor_2005_006.JPG" height="480" width="640" /><br />
Karl Friedrich Schinkel (.781-1.841) trabajó principalmente en Berlín y sus alrededores. Entre sus obras destacan el Teatro, el Museo Antiguo y este edificio de la Nueva Guardia. (Neue Wache).<br />
<img alt="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/51/Berlin%2C_Mitte%2C_Unter_den_Linden%2C_Neue_Wache_01.jpg" class="shrinkToFit decoded" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/51/Berlin%2C_Mitte%2C_Unter_den_Linden%2C_Neue_Wache_01.jpg" height="449" width="640" /><br />
<br />
<u>Leo Von Klenze (1.789-1.864)</u> realizó la Gliptoteca (en la derecha) y el Propileos de Múnich. <br />
<img alt="File:München - Königsplatz (Panorama).jpg" data-file-height="1013" data-file-width="4651" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/dd/M%C3%BCnchen_-_K%C3%B6nigsplatz_%28Panorama%29.jpg/799px-M%C3%BCnchen_-_K%C3%B6nigsplatz_%28Panorama%29.jpg" /><br />
<br />
<b>ESPAÑA.</b><br />
<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a5/Fachada_catedral_de_pamplona.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a5/Fachada_catedral_de_pamplona.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="384" /></a>En España el neoclasicismo tuvo que superar el arraigo del barroco. El baluarte del neoclásico en España fue la Academia de San Fernando, fundada en 1.752. Esta academia formaba a los nuevos arquitectos y examinaba los planos de los edificios públicos.<br />
<u>Ventura Rodríguez (1.717-1.785) </u>evolucionó del barroco al neoclásico con la fachada de la catedral de Pamplona (1.783), con pórtico tetrásilo clásico.<br />
Es una reacción contra la excesiva ornamentación barroca. Llega a prescindir de por completo de la decoración, salvo algunas pilastras de poco relieve y frontones del mismo tipo, que recorren la fachada.<br />
<br />
<br />
<br />
<u>Francesco Sabatini (1.722-1.797)</u> también evolucionó desde el barroco. Trabajó para Carlos III en Madrid, realizando Instrucciones para el alcantarillado de la ciudad. Continuó las obras del Palacio Real tras la muerte de Sachetti. Es el creador, junto con Villanueva, del urbanismo de la zona de El Pardo y sus alrededores. <br />
Su obra más famosa es la puerta de Alcalá. Esta puerta es neoclásica pero todavía presenta muchos restos barrocos, como la ornamentación superior.<br />
<img alt="File:Puerta de Alcalá 2.jpg" data-file-height="2218" data-file-width="3315" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e4/Puerta_de_Alcal%C3%A1_2.jpg/800px-Puerta_de_Alcal%C3%A1_2.jpg" height="428" width="640" /><br />
Esta es la Puerta de San Vicente. <br />
<img alt="File:Puerta de San Vicente (Madrid) 01.jpg" data-file-height="764" data-file-width="1024" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fe/Puerta_de_San_Vicente_%28Madrid%29_01.jpg/800px-Puerta_de_San_Vicente_%28Madrid%29_01.jpg" height="477" width="640" /><br />
<br />
También realizó la fachada de San Francisco el Grande (foto). Esta iglesia fue trazada por Francisco Cabezas, depués de rechazarse un proyecto de Ventura Rodríguez, y fue continuada por Antonio Pla hasta 1.776. En este año Sabatini se encargó de la dirección de la obra y decora el convento con una sobriedad neoclásica típica.<br />
<br />
<u><img alt="File:Basílica de San Francisco el Grande (Madrid) 04.jpg" data-file-height="1477" data-file-width="2022" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/52/Bas%C3%ADlica_de_San_Francisco_el_Grande_%28Madrid%29_04.jpg/800px-Bas%C3%ADlica_de_San_Francisco_el_Grande_%28Madrid%29_04.jpg" height="467" width="640" /></u> <br />
El arquitecto auténticamente neoclásico fue <u>Juan de Villanueva (1.739-1.811).</u> Este arquitecto se formó en Roma y en El Escorial. En 1777, Carlos III
lo nombró arquitecto del príncipe y los infantes. En lo sucesivo
trabajaría casi en exclusiva para la casa real. Desde 1781 fue
arquitecto encargado del Real Sitio de El Escorial; Carlos IV le nombró arquitecto mayor.<br />
En 1771 construye la Casa de Infantes en el Real Sitio de Aranjuez; en 1772, la Casita del Príncipe en El Pardo; en 1773, la Casita de Arriba y la Casita de Abajo (o del Príncipe), ambas en el Real Sitio de El Escorial. <br />
Su construcción más significativa es el Museo del Prado (1.785-1.819). El rey Fernando VII reunió aquí las Colecciones Reales.<br />
<img alt="File:Madrid-prado.jpg" data-file-height="254" data-file-width="400" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/7f/Madrid-prado.jpg" height="406" width="640" /> <br />
Su fachada se articula en dos cuerpos: el inferior ritmado por la alternancia de arcadas y hornacinas rectangulares con esculturas; y el superior, una galería de columnas jónicas.<br />
La parte central de la fachada es un pórtico sobresaliente definido por orden dórico gigantes y rematado por una relieve rectangular.<br />
Villanueva agrupó libremente los órdenes arquitectónicos, pero siempre con un criterio estético y de proporciones armónicas.<br />
Otro edificio de Villanueva en Madrid es el Observatorio Astronómico. Sus obras se inician en 1.790. Llama la atención el pórtico corintio y el templete jónico central y circula, que corona el eje del edificio.<br />
<img alt="File:Observatorio Astronómico de Madrid 02.jpg" data-file-height="2724" data-file-width="3905" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6a/Observatorio_Astron%C3%B3mico_de_Madrid_02.jpg/800px-Observatorio_Astron%C3%B3mico_de_Madrid_02.jpg" height="446" width="640" /><br />
En 1.791 se encargó de la reconstrucción de la Plaza Mayor de Madrid, tras el incendio de 1.790. En 1.804 realizó el Teatro del Príncipe, hoy Teatro Español de Madrid. Y en 1.810, un año antes de su muerte, realizó el túnel (gruta del Campo del Moro) que comunicaba el Palacio Real con la Casa de Campo.<br />
<br />
Otro discípulo de Villanueva, que trabajó en Madrid, fue <u>Antonio López Aguado (1.764-1.831)</u>. Su obra más importante en la Villa es, sin duda, la Puerta de Toledo. Construida hacia 1.826, en sus últimos años de visa. Tiene una estampa muy equilibrada y correcta, a base de tres cuerpos con vanos adintelados en los laterales y bóveda de medio cañón en el central. En el exterior se decora con pilastras y columnas jónicas.<br />
<img alt="File:Puerta de Toledo (Madrid) 01.jpg" data-file-height="1206" data-file-width="1338" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Puerta_de_Toledo_%28Madrid%29_01.jpg/665px-Puerta_de_Toledo_%28Madrid%29_01.jpg" height="576" width="640" /><br />
<u><br /></u><br />
<u>Narciso Pascual y Colomer (1.808-1.870)</u> es un arquitecto neoclásico tardío. Trabajó durante el reinado de Isabel II. En 1.843 comenzó las obras del Congreso de los Diputados, terminándose siete años más tarde. Hay que destacar la espléndida columnata sobre gradas de la fachada, coronada por un frontón clásico de tipo helénico, obra de Jerónimo de Gándara.<br />
<img alt="File:Congreso de los Diputados (España) 14.jpg" data-file-height="768" data-file-width="1024" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/2c/Congreso_de_los_Diputados_%28Espa%C3%B1a%29_14.jpg/800px-Congreso_de_los_Diputados_%28Espa%C3%B1a%29_14.jpg" height="480" width="640" /><br />
Otro arquitecto que trabajó durante el reinado de Isabel II fue<u> Francisco Jareño y Alarcón (1.818-1.892).</u> En 1.866 inició las obras del "Palacio de Museos y Bibliotecas Nacionales", que hoy acoge la Biblioteca Nacional y el Museo Arqueológico Nacional. Este edificio no pudo ser terminado por el autor. Ruiz de Salas se encargó de las obras hasta su finalización en 1.892.<br />
<img alt="File:Plaza de Colón (Madrid) 02.jpg" data-file-height="1301" data-file-width="2949" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7b/Plaza_de_Col%C3%B3n_%28Madrid%29_02.jpg/800px-Plaza_de_Col%C3%B3n_%28Madrid%29_02.jpg" height="282" width="640" /></div>
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Giovanni_Battista_Tiepolo_071.jpg/250px-Giovanni_Battista_Tiepolo_071.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Giovanni Battista Tiepolo 071.jpg" border="0" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Giovanni_Battista_Tiepolo_071.jpg/250px-Giovanni_Battista_Tiepolo_071.jpg" height="333" width="250" /></a>En el siglo XVIII conviven el Barroco tardio y el Rococó, que surgió en Francia hacia el 1.700 y que se extendió por toda Europa.<br />
Es un arte íntimo, elegante, gracioso, refinado y lúdico.<br />
El rococó se hace accesible, especialmente a la alta burguesía y a la aristocracia. El arte se hace más humano, a la vez que trasluce la belleza y la gracia de la vida.<br />
El Rococó en Italia se limita a la pintura. Sus autores principales son Tiépolo y Canletto.<br />
Giovanni Battista Tiépolo (1.696-1.770) era veneciano. Fue bastante famoso. Ecibió encargos de toda Europa. Esta es su joven con el loro.<br />
<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/84/Giovanni_Battista_Tiepolo_-_The_Apotheosis_of_the_Spanish_Monarchy_-_WGA22369.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/84/Giovanni_Battista_Tiepolo_-_The_Apotheosis_of_the_Spanish_Monarchy_-_WGA22369.jpg" height="400" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="262" /></a><br />
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En España decoró el Palacio Real de Madrid, donde pintó su "Apoteosis de la Monarquía Española".<br />
Se trata de un fresco que ensalza a la Monarquía hispana.<br />
Se encuentra en el Salón del trono. <br />
En esta obra utilizó cromatismos de tonos claros , perspectivas anormales desde ángulos que provocan escorzos y actitudes teatrales.<br />
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Otro pintor veneciano es Canaletto (1.697-1.768). Fue famosos por sus paisajes urbanos, en las que se describn fiestas de la ciudad, monumentos, los canales...<br />
La desxcripción es exacta, con cuadraturas de perspectivas y sentido de la distancia por las calidades pictóricas y atmosféricas de luz y color.<br />
Esta es su plaza y la baasílica de San Marcos.<br />
<img alt="File:Piazza San Marco with the Basilica, by Canaletto, 1730. Fogg Art Museum, Cambridge.jpg" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fb/Piazza_San_Marco_with_the_Basilica%2C_by_Canaletto%2C_1730._Fogg_Art_Museum%2C_Cambridge.jpg/800px-Piazza_San_Marco_with_the_Basilica%2C_by_Canaletto%2C_1730._Fogg_Art_Museum%2C_Cambridge.jpg" height="405" width="640" /><br />
Este es el Arco de Constantino en Roma.<br />
<img alt="File:Canaletto, Rome - the Arch of Constantine, 1742.jpg" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/dd/Canaletto%2C_Rome_-_the_Arch_of_Constantine%2C_1742.jpg/339px-Canaletto%2C_Rome_-_the_Arch_of_Constantine%2C_1742.jpg" height="599" width="339" /> <br />
De 1.746 a 1.756 residió en Inglaterra. Allí realizó este "Puente de Westmister".<br />
<img alt="File:Canaletto Westminster Bridge 1746.jpg" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c5/Canaletto_Westminster_Bridge_1746.jpg/800px-Canaletto_Westminster_Bridge_1746.jpg" height="476" width="640" /> <br />
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Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-90800165556392233152014-03-18T17:17:00.000+01:002014-04-02T14:17:03.256+02:00La escultura barroca española<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
La escultura barroca en España es, esencialmente, religiosa. Son imágenes de estética recargada que representan el sufrimiento, el dolor.<br />
Hay varios focos:<br />
<ul style="text-align: left;">
<li>En la primera mitad del siglo XVII destaca Castilla.</li>
<li>En la segunda mitad del siglo XVII el centro el Andalucía.</li>
<li>En el Barroco pleno, a finales del siglo, es un periodo de máxima expresión y movimiento con dos focos: Andalucía y Levante.</li>
</ul>
Casi todas las eculturas son imágenes, retablos y pasos procesionales que narran escenas de la Pasión de Cristo.<br />
La Iglesia es el principal cliente, pero también las encargan las Cofradías y los gremios.<br />
Están hechas de madera policromada. Para los ropajes seaplica la técnica del estofado. Esta técnica consiste en cubrir la madera con pan de oro antes de pintarlo y así se consigue gran luminosidad.<br />
En la primera mitad del XVII las obras se caracterizan por la sencillez expresiva y la continuidad con las formas del Racacimiento. A partir de la segunda mitad del XVII llegan a España procedentes de Italia la teatralidad y el dinamismo de la escultura.<br />
<br />
<u>LA ESCULTURA CASTELLANA. </u><br />
<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a4/Gregorio_Fernandez-Bautismo_de_Cristo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a4/Gregorio_Fernandez-Bautismo_de_Cristo.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="252" /></a><br />
Se desarrolla en la primera mitad del XVII. Es profundamente realista y dramática, hasta el punto de conseguir representar el dolor con figuras desgarradas que conmueven al espectador.<br />
La gran figura de la escuela castellana es <u>Gregorio Fernández (1.576-1.636)</u>, gallego que se trasladó a Valladolid en 1.605. Creó retablos, imágenes sueltas y pasos procesionales para las cofradías vallisoletanas.<br />
Este es su "Bautismo de Cristo". En esta obra se aprecia el posible influjo de Pompeyo Leoni, de quién tomó la elegancia de sus figuras. Es una obra de gran realismo y sobriedad. El modelado es correcto y expresivo. La madera policroma marca los pliegues angulosos. En los ropajes se ha utilizado la técnica del estofado. Se aprecia su modelado característico del pelo, formado por rizos o mechones como si estuvieron mojados.<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/proxy/AVvXsEhTqf_2pge6S4EzxWEBMQTFJL6FgdZiaPrXwNC9FJeEigeilNFOpTuFfL_ZaXXRnhW-Zlgi9FJ2ZwlC6bBxCoDNBR6LXgPiZnkQNyyhuqXbgiyqjffO6M-h0tHgvqPkFonZOQ2OpQaLqnarp0olR0NlRkbFZArBB71zm6GeW0of17mHBBnJFsKRd8z1yY_8Mhw4LO2Jpd5J5EQhcWWrBIAXF3HnOiSOn2IH4D_ACzz-fg=" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/61/Gregorio_Fern%C3%A1ndez,_Santa_Teresa_de_Jes%C3%BAs,_1625.jpg" height="320" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="240" /></a><br />
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Gregorio Fernánez prefiere las imágenes aisladas de altar. En esta "Santa Teresa" destaca la pluma estática en espera de la comunicación divina. <br />
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Destacan también sus numerosos Cristos como este "Cristo de la columna" de la iglesia de la Cruz de Valladolid. Sus figuras de Cristo son siempre esbeltas, de armoniosas proporciones y de una cuidada anoatomía. Son muy típicos sus rostros alargados enmarcados por cabellos ondulantes y abundantes y que caen en mechones como si estuvieran húmedos, dejando bucles en la frente.<br />
La barba es rizada y se abre en dos puntas.<br />
<img class="irc_mut" src="http://www.lasalle.es/santanderapuntes/arte/barroco/escultura/espana/gregorio_fernandez_cristo_atado_vera_cruz.jpg" height="593" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /><br />
Este otro es su "Cristo Yacente" sobre un lecho en el que apoya la cabeza. Está totalmente pálido y con sangre abundante en llagas.<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/ac/Gregorio_Fern%C3%A1ndez,_Cristo_yacente,_1627.jpg" height="345" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640" /> <br />
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<u>LA ESCUELA ANDALUZA.</u><br />
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<a href="http://api.ning.com/files/D2JN1ZNRjSqUtm0BIC6fsB7*wnFSMTIFoAaJ09hoPWFJSftPfSTTMxal8FrmWu-21UrLdqOE-TTVyKHeN9L6UPTgYTfieaCB/DSC07673.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" class="thumbimage" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/San_cristobal_2011_001.jpg/220px-San_cristobal_2011_001.jpg" height="378" width="220" /></a><br />
Es más sosegada y serena que la castellana. Busca la belleza antes que el dramatismo.<br />
Esta escuela tiene dos focos principales: Sevilla y Granada.<br />
En Sevilla destaca<u> Juan Martínez Montañés (1.568-1.669). </u>Se formó con las obras de escultores manieristas de la última etapa del Renacimiento. Todo ese orden y equilibrio de sus obras, en contraste con la expresividad trágica de Gregorio Fernández.<br />
Este "San Cristóbal" pertenece a su periodo de formación (1.589-1.605). Está pensada con un sentido procesional. El plegado de los paños, como si estuvieran húmedos y los rizados cabellos, típicos de Montañés, están realizados con cierto sentido pictórico. Está presente la influencia de maestros andaluces anteriores como Jerónimo Hernández, por la acentuación de la musculatura.<br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/67/Cristo_de_los_c%C3%A1lices_002.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/67/Cristo_de_los_c%C3%A1lices_002.jpg" height="257" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="320" /></a><br />
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Este es su "Cristo de la Clemencia". No es un Cristo muerto, está mirando al que reza a sus pies. Tiene las piernas cruzadas y sujetas con dos clavos, conforme a la visión de Santa Brígida.<br />
La cara es de una serenidad admirable, plenamente clásica e invita a al diálogo con el Señor.<br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/36/MuseoBellasA04012009Santo_Domingo_001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/36/MuseoBellasA04012009Santo_Domingo_001.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="262" /></a><br />
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Este es "Santo Domingo de Guzmán". Es parte de un retablo, hoy desaparecido. El santo aparece arrodillado y con el torso desnudo, dispuesto a flagelarse. El ropaje y el desnudo están tratados con gran perfección, como corresponde a una de sus mejores obras.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQHeN3F0om676kS8TVAFUh6E4HRQSz7fhBRcNE8a3ksbl4zQHTMsPVv_MyR47X4mINdh9O7hSfddtbGsOqmAYpSy04nQHa18KXF2S4v8220kg4RFs19WJMuVHJtXWp_-L3cXPUdxR6phEo/s1600/5167219217_0285f16483.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQHeN3F0om676kS8TVAFUh6E4HRQSz7fhBRcNE8a3ksbl4zQHTMsPVv_MyR47X4mINdh9O7hSfddtbGsOqmAYpSy04nQHa18KXF2S4v8220kg4RFs19WJMuVHJtXWp_-L3cXPUdxR6phEo/s1600/5167219217_0285f16483.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="262" /></a><br />
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A partir de 1.630 inicia un periodo barroco. De su taller salieron grandes maestros como Juan de Mesa o Alonso Cano que, con su barroquismo, influyen en su maestro. De este periodo es su Inmaculada, una de las obras más lograda de la escultura española del XVII. Su mirada es baja, con los ojos entornados. Presenta un largo cuello y el rostro ovalado u moreno. Las manos, desviadas del centro y el rostro vuelto hacia la derecha, rompen la frontalidad y ponen una nota de movimiento a su figura.<br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3e/San_Bruno_001.jpg/220px-San_Bruno_001.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" border="0" class="thumbimage" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3e/San_Bruno_001.jpg/220px-San_Bruno_001.jpg" height="361" width="220" /></a><br />
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"San Bruno" es una austera efigie. Se acerca al realismo, olvidando los convencionalismos del clasicismo anterior.<br />
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Discípulos suyos son Juan de Mesa, autor del Jesús del Gran Poder, y Alonso Cano.<br />
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<a href="http://img508.imageshack.us/img508/7875/lavirgendelaolivatieneevn7.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://img508.imageshack.us/img508/7875/lavirgendelaolivatieneevn7.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="202" /></a><br />
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<u>Alonso Cano (1.601-1.667)</u>. Pintor y escultor. En 1.638 se maarchó a Madrid y más tarde, en 1.652, volvió a su ciudad natal, Granada, en la que realizó su obra escultórica más importantes. És el impulsor de la escuela granadina.<br />
Esta es su "Virgen de la Oliva", fechada hacia 1.629. Es una obra de juventud que preside el retablo para la iglesia de la Virgen de la Oliva en Lebrija (Sevilla). El contrato se lo dieron al padre del autor, Miguel Cano, que se lo cedió a su hijo. La figura de la Virgen es muy vertical. Se distinguen de las de Montañés porque recoge las vestiduras en la parte baja, con lo que la imagen, con su silueta de pirámide invertida o de estípite, parece apuntar hacia los pies y separarse del suelo.<br />
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<a href="http://www.lasalle.es/santanderapuntes/arte/barroco/escultura/espana/alonso_cano_san_pablo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://www.lasalle.es/santanderapuntes/arte/barroco/escultura/espana/alonso_cano_san_pablo.jpg" height="320" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="233" /></a><br />
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En la catedral de Granada se encuentra esta "Cabeza de San Pablo".<br />
Es una obra de tono herioco y grandiosidad miguelangelesca, si bien el rostro con largos cabellos y barbas hace pensar en el realismo de Donatello.<br />
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<a href="http://img513.imageshack.us/img513/4618/cabezadesanjuandedioscasb8.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://img513.imageshack.us/img513/4618/cabezadesanjuandedioscasb8.jpg" height="320" id="irc_mi" style="margin-top: 6px;" width="247" /></a><br />
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Este "San Juan de Dios" destaca por el penetrante realismo. Procede de una imagen de vestir. Sus enérgicas facciones se pueden equiparar a las del retrato romano.<br />
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<u>Pedro de Mena (1.628-1.688)</u> fue el principal discípulo y colaborador de Alonso Cano. Fue autor de numerosos bustos de Dolorosas y Ecce Hommos, a veces emparejados.<br />
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<a href="http://www.alfayomega.es/Revista/2011/755/fotos/10_f6gran.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><img alt="" class="thumbimage" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Valladolid_museo_catedra_dolorosa.jpg/250px-Valladolid_museo_catedra_dolorosa.jpg" height="286" width="250" /> <img alt="" class="thumbimage" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/ca/Valladolid_museo_catedra_eccehomo.jpg/250px-Valladolid_museo_catedra_eccehomo.jpg" height="288" width="250" /><br />
<a href="http://www.alfayomega.es/Revista/2011/755/fotos/10_f6gran.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://www.alfayomega.es/Revista/2011/755/fotos/10_f6gran.jpg" height="320" id="irc_mi" style="margin-top: 76px;" width="254" /></a><br />
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Esta es su "Virgen de Belén". A veces la Virgen muestra acitudes silenciosas y contenidas, mientras que en otras aparece más dramática y teatral, con lágrimas de cristal que acentúan el dolor.<br />
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Pedro de Mena alcanzó gran fama por sus imágenes de ascetas, muy naturalistas y de acentuada expresividad.<br />
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Este "San Francisco de Asís" está en la catedral de Toledo.<br />
<img class="irc_mut" src="http://img24.imageshack.us/img24/3241/sanfranciscodeassenxtas.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="289" /><br />
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Su obra más destacada es "La Magdalena penitente". Es una imagen más humana pero dotada de un arrebato de fervor místico. En esta imagen sigue la tradición castellana: la Santa aparece con el cuerpo envuelto en un traje tejido de paalma, sueltos los cabellos sobre el demacrado rostro que contempla arrebatado el crucificado que sostiene en la mano.<br />
Es uno de los mejores ejemplos de ascetismo de la escultura española.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/7a/Pedro_de_Mena_Magdalena_penitente_ni.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/7a/Pedro_de_Mena_Magdalena_penitente_ni.JPG" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="295" /></a></div>
<u>EL PLENO BARROCO.</u><br />
En la segunda mitad del siglos XVII la inlfuencia de Bernini llega a España y las adquieren más movimiento y expresión. Los principales centros escultóricos son el Levante y Andalucía.<br />
La figura principal del pleno barroco andaluz es Pedro Roldán (1.624-1.699). La mayor parte de sus obras las hizo en Sevilla, destcando el grupo del Santo Entierro.<br />
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<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/3a/Altar_mayor_002.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="518" /><br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f1/GinesdelaJara_002.jpg/220px-GinesdelaJara_002.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img alt="" border="0" class="thumbimage" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f1/GinesdelaJara_002.jpg/220px-GinesdelaJara_002.jpg" height="358" width="220" /></a><br />
Su hija, Luisa Roldán (1.652-1.706), conocida como La Roldana, siguió los pasos de su padre y trabajó en su taller hasta su matrimonio en 1.657.<br />
Se trasladó a Madrid y fue escultora de los reyes Carlos II y Felipe V.<br />
Es una de las figuras más importantes en España.<br />
Este es su "San Ginés de la Jara".<br />
Sus esculturas son más dinámica y expresivas.<br />
Este es su San Miguel del Monasterio de El Escorial <br />
<a href="http://www.uned.es/biblioteca/mujer_arte/images/roldana1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="http://www.uned.es/biblioteca/mujer_arte/images/roldana1.jpg" height="359" id="irc_mi" style="margin-top: 17px;" width="209" /></a><br />
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En Levante la figura más importante fue, sin duda, <u>Francisco Salzillo (1.708-1.783) </u>.Nació en Murcia. Su padre era napolitano y también escultor. Sus obras están llenas de naturalismo, gracia y dulzura. En su época tuvo una gran popularidad. Lo más significativo de su producción son los pasos procesionales.<br />
Fue casi autodidacta, pues ingresó de joven como novicio en el convento de los dominicos, pero a la muerte de su padre tuvo que abandonar la vida religiosa, si bien su vocación hizo que todas sus obras aparezcan revestidas de un espíritu de gran religiosidad.<br />
Esta es su "Oración del huerto".<br />
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<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/af/Laoraciondelhuertomurcia.JPG" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="524" /><br />
Este es "El Prendimiento", también conocido como el beso de Judas. La ejecución de la anatomía y de la tensión del brazo del apóstol es un alarde de técnica y manejo de la gubia.<br />
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<img class="irc_mut" src="http://www.cofradiadejesus.com/patrimonio/img/prendimiento_gd.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="590" /><br />
Este es un "San Jerónimo". Es una escultura para un retablo y altar. La composición es formidable, al igual que el modelado, con un escrupuloso estudio anatómico; la expresión entre mortificada y dichosa, está prodigamente lograda.<br />
<img class="irc_mut" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/9d/SanJeronimo.JPG" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="524" /><br />
También hizo numerosas figuritas de Belén.<br />
<br /></div>
<!-- Blogger automated replacement: "https://images-blogger-opensocial.googleusercontent.com/gadgets/proxy?url=http%3A%2F%2Fupload.wikimedia.org%2Fwikipedia%2Fcommons%2F6%2F61%2FGregorio_Fern%25C3%25A1ndez%2C_Santa_Teresa_de_Jes%25C3%25BAs%2C_1625.jpg&container=blogger&gadget=a&rewriteMime=image%2F*" with "https://blogger.googleusercontent.com/img/proxy/AVvXsEhTqf_2pge6S4EzxWEBMQTFJL6FgdZiaPrXwNC9FJeEigeilNFOpTuFfL_ZaXXRnhW-Zlgi9FJ2ZwlC6bBxCoDNBR6LXgPiZnkQNyyhuqXbgiyqjffO6M-h0tHgvqPkFonZOQ2OpQaLqnarp0olR0NlRkbFZArBB71zm6GeW0of17mHBBnJFsKRd8z1yY_8Mhw4LO2Jpd5J5EQhcWWrBIAXF3HnOiSOn2IH4D_ACzz-fg=" -->Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-63323898727101871272014-03-16T16:01:00.000+01:002018-03-21T09:24:34.077+01:00La pintura barroca en España (II): Velázquez. <div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1.599 - 1.660) adoptó el apellido materno, algo muy frecuente en esa época en Andalucía.<br />
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<u>FORMACIÓN:</u><br />
<br />
Estudió en Sevilla en los talleres de Francisco Herrera el Viejo y de él aprendió:<br />
<ul style="text-align: left;">
<li>los fundamentos de la pintura barroca,</li>
<li>la inspiración en la realidad directa,</li>
<li>la importancia del color y la valoración de la luz.</li>
</ul>
En el taller de Pacheco (1.610-1.623) aprendió a idealizar el natural (principio de realismo idealizado de Velázquez). Con el tiempo, Velázquez se casó con la hija de su maestro, Juana. <br />
Pintó cuadros de género con temas de la vida cotidiana para los que estudiaba modelos humanos y en los que predomina el tenebrismo, con figuras iluminadas en primer plano que destacan sobre un fondo oscuro.<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/52/VEL%C3%81ZQUEZ_-_Vieja_friendo_huevos_%28National_Galleries_of_Scotland,_1618._%C3%93leo_sobre_lienzo,_100.5_x_119.5_cm%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/52/VEL%C3%81ZQUEZ_-_Vieja_friendo_huevos_%28National_Galleries_of_Scotland,_1618._%C3%93leo_sobre_lienzo,_100.5_x_119.5_cm%29.jpg" height="340" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="400"></a>En esta "Vieja friendo huevos" anticipa ya muchas características de su pintura, como la complicada composición. Hay gran cantidad de objetos en torno a los dos personajes y ha resuelto su distribución de forma hábil, aunque todavía está lejos de las composiciones magistrales de su madurez. Los objetos resultan un poco amontonados, recargando el primer plano del lienzo. Ha conseguido casi a la perfección la calidad material de cada uno de los objetos.<br />
Hay que destacar la disposición de las figuras humanas colocadas a ambos lados de una diagonal casi perfecta, extremadamente calculada, compuesta de arriba a abajo por la cabeza del muchacho, su mano, los dos brazos de la vieja y el almirez. Esta cuidadosa composición geométrica es muy característica del sevillano.<br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5f/El_aguador_de_Sevilla,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5f/El_aguador_de_Sevilla,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez.jpg" height="400" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="298"></a><br />
En "El aguador de Sevilla", fechada hacia 1.620, vemos como su naturalismo avanza a pasos agigantados. El tenebrismo todavía envuelve a las figuras pero permite ver sutilmente las personajes del fondo. La calidad del vidrio y de las cerámicas del primer término son insuperables. Todos los detalles (agua que gotea del cántaro, reflejos del cristal) han sido realizados con indisimulada preocupación. El muchacho de la izquierda parece el mismo modelo que el del cuadro anterior. Lo más valiosos de esta obra es el rostro que se adivina en las tinieblas del segundo plano. La composición es más ágil y suelta.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/proxy/AVvXsEixVaRgPsPE77hFLEN_-XLWXUf2ils2gOCgdZwXoCRQhkuEPxfmu7Qs3M3uFJjLbiYrTxhcRwYP0Q5PA1jjEtizu3bYVrdLpmoqGnCLuTHa34JUQL236P5aly2_IJTRv7a0JtoH9CXTJSKT-UvYXOPhC1DG89m2ddC28RKrci-zraW85xjKSbSRv6hswd6viiwUIyYkD0VDRBcD8RtYvTqHxEbvu_U4OgH8Vbr2KzFFmhk95dF5-1W9_jOhU8qCfbI=" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/22/Vel%C3%A1zquez_-_Adoraci%C3%B3n_de_los_Reyes_%28Museo_del_Prado,_1619%29.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="240"></a><br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/22/Vel%C3%A1zquez_-_Adoraci%C3%B3n_de_los_Reyes_%28Museo_del_Prado,_1619%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"></a><br />
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Entre las obras religiosas de esta primera época tenemos "La adoración de los Magos" de 1.619. Se supone que los reyes son retratos de Pacheco y del propio Velázquez (el más joven). La Virgen sería su esposa, Juan Pacheco y su hija Francisca sería el Niño. Es un cuadro tenebrista con una composición sencilla y original. Recurre a un efecto luminoso frecuente para conseguir la ilusión de profundidad: un primer plano en semioscuridad y un segundo plano muy luminoso y un tercer plano profundo y tenebroso, y al fondo una apertura luminosa en la lejanía.<br />
Esta estratificación de plano luminosos la empleará siempre, si bien con el tiempo va perfeccionando la calidad de cada plano y las relaciones entre ellos.<br />
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<b>PRIMERA ETAPA MADRILEÑA (1.623-1.629)</b>.<br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/fa/Diego_Velazquez_-_Infante_Don_Carlos.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/fa/Diego_Velazquez_-_Infante_Don_Carlos.jpg" height="320" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="188"></a><br />
En 1.623 es nombrado Pintor de Cámara y permanece en la Corte. Su obra en este momento tiende a valorar más la luz en función del color y la composición, con lo que se aclaran sus fondos.<br />
Inició su actividad como retratista regio. Los retratos de los monarcas y personajes de la Corte están idealizados y dignifica su condición.<br />
<br />
Este es el retrato del Infante D. Carlos, hermano de Felipe IV. La forma de presentar al infante sigue los criterios del siglo XVI, pero supone un gran avance por la supresión de toda referencia espacial y el empleo de luz tenebrista.<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ab/Philip_IV_by_Velazquez.jpg/150px-Philip_IV_by_Velazquez.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img alt="" border="0" class="thumbimage" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ab/Philip_IV_by_Velazquez.jpg/150px-Philip_IV_by_Velazquez.jpg" height="302" width="150"></a><br />
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Este otro es retrato de Felipe IV es un claro ejemplo. La radiografía muestra que pintó la figura con una postura algo diferente y que más tarde repintó el cuadro. Este cuadro es un claro ejemplo de la manía de Velázquez por rehacer sus obras.<br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/81/Diego_Velasquez,_The_Count-Duke_of_Olivares_on_Horseback.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/81/Diego_Velasquez,_The_Count-Duke_of_Olivares_on_Horseback.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="309"></a><br />
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En 1.634 el Conde-Duque de Olivares le encarga un retrato. Su amigo Velázquez aplica todas las características del retrato cortesano. Está pintado como un caudillo en la batalla, pues se quería conmemorara la victoria sobre el príncipe Condé en Fuenterrabía.<br />
Lo más espléndido de la obra es el espléndido estudios del caballo en movimiento (típica corveta de la escuela española) y el fondo verdoso que se adivina a lo lejos.<br />
La armonía de colores resulta exquisita y toda la composición responde a un tipo de retrato que Velázquez practicó mucho con la familia real.<br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5c/Principe_baltasar_carlos_caballo_Velazquez_lou.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><br /></a>
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La obra maestra de esta primera etapa madrileña en "El triunfo de Baco" o "Los Borrachos". Esta obra está fechada hacia 1.628, aunque retocado tras su vuelta a Italia en 1.631.<br />
Tiene parecido con algunos modelos de Rubens y con otros de Caravaggio, sobre todo el personaje central que recuerda al Baco de Caravaggio.<br />
Los críticos discuten sobre el carácter de parodia que tiene la obra. Lo que sucede es que Velázquez interpreta el mundo mitológico a su modo. Velázquez trata con respeto a los personajes, sean mitológicos o religiosos.<br />
El vagabundo del sombrero que está a la derecha de Baco y el amigo que asoman a su espalda están copiados de un original de Rubens.<br />
Desde el punto de vista técnico, en esta obra vemos una renovación muy notable de la paleta con el empleo de tonos ocres y un abandono del tenebrsimo.<br />
La composición es complicada y perfecta. El cuadro tiene una estabilidad enorme debido a la monumentalidad y firmeza de las figuras.<br />
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<img class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d2/Diego_Velasquez,_Los_Borrachos_%28The_Feast_of_Bacchus%29.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="544"> </div>
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PRIMER VIAJE A ITALIA (1.629 - 1.631).</div>
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c9/Diego_Vel%C3%A1zquez_065.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c9/Diego_Vel%C3%A1zquez_065.jpg" height="306" width="400"></a> Su viaje a Italia supuso una renovación de su obra. El contacto con Rubens y estudio minuciosos de las Colecciones Reales del Alcázar culminan con un viaje a Italia, cuna del Renacimiento. Cuando Velázquez llega a Italia ya era un hombre formado. Reconoce que le gusta Rafael, pero las pinturas que levantan su admiración son las venecianas, sobre todo Tintoretto. </div>
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Esta contemplación influye en su obra e introduce una nueva época marcada por una claridad en su paleta, un estudio de los modelados anatómicos y la utilización de una composiciones más estructuradas y complejas.</div>
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De Italia trajo dos lienzos: "La túnica de José" (arriba) y "La fragua de Vulcano" (abajo).</div>
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<img src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/ae/Vel%C3%A1zquez_-_La_Fragua_de_Vulcano_(Museo_del_Prado,_1630).jpg" height="499" width="640"></div>
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Estas obras nos alejan de su época tenebrista. El pintor sabe representar la profundidad espacial sin recurrir a los fuertes contrastes de luz y sombra. Dos hueco luminosos (la puerta y la hoguera) trazan el contrapunto luminoso final ante el que se sitúan, con gradación de tonos y contornos exquisitos, los tres planos clásicos: uno sombreado, otro luminosos y un tercero en semioscuridad. <br />
Todavía sigue empleando tonos ocres pero ya descubre la elegancia del gris.<br />
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SEGUNDA ETAPA MADRILEÑA (1.631- 1.649).<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/52/Vel%C3%A1zquez_-_Pablo_de_Valladolid_%28Museo_del_Prado,_1636-37%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/52/Vel%C3%A1zquez_-_Pablo_de_Valladolid_%28Museo_del_Prado,_1636-37%29.jpg" height="400" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="231"></a>De vuelta a Madrid Velázquez inicia una etapa en la Corte.<br />
Empieza a preocuparse por los efectos de la luz y de la luminosidad cambiante al aire libre.<br />
Su objetivo es representar la luz real y sus efectos, lo que le impulsa a utilizar pinceladas quebradas y yuxtapuestas, y colores muy fuidos.<br />
La temática de sus obras en estos años van desde retratos de corte, pinturas religiosas, históricas y paisajistas. Destacan los retratos de bufones en los que consigue sacar algo bellos de la fealdad.<br />
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Este es el de Pablo de Valladolid. Quizá es el más humano y el mejor conseguido de todos. Lo más excepcional es la irrealidad espacial, ya que no está en ningún sitio. El fondo es ambiguo y confuso. Desde el punto de vista cromático destaca la unidad de tonos que le sobriedad al retratado.<br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/75/Vel%C3%A1zquez_-_Francisco_Lezcano,_el_Ni%C3%B1o_de_Vallecas_%28Museo_del_Prado,_1643-45%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/75/Vel%C3%A1zquez_-_Francisco_Lezcano,_el_Ni%C3%B1o_de_Vallecas_%28Museo_del_Prado,_1643-45%29.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="302"></a><br />
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"El niño de Vallecas" fue pintado en 1.637. En él podemos destacar por partes iguales la factura del color (un auténtico prodigio) y la penetrante psicología del retrato. Velázquez parece desatenderse un poco de la búsqueda de la profundidad que constituía su obsesión en los primeros tiempos.<br />
Estamos en la época más equilibrada del autor. <br />
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El único cuadro histórico que conservamos es "La Rendición de Breda" o "Las lanzas". Fue un encargo del Conde-Duque de olivares para la Sala de Reinos del Palacio del Retiro. Esta obra muestra la rendición de la ciudad de Breda, que tras un largo asedio capituló.<br />
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<img alt="Fitxer:Velázquez - de Breda o Las Lanzas (Museo del Prado, 1634-35).jpg" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4e/Vel%C3%A1zquez_-_de_Breda_o_Las_Lanzas_%28Museo_del_Prado%2C_1634-35%29.jpg/727px-Vel%C3%A1zquez_-_de_Breda_o_Las_Lanzas_%28Museo_del_Prado%2C_1634-35%29.jpg" height="528" width="640"><br />
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Velázquez eligió el momento de la entrega de llaves y lo planteó de forma novedosa al mostrar la generosidad y humanidad de los vencedores ( y, por extensión, de la Monarquía hispana).<br />
Si nos fijamos en la composición, el espacio central está ocupado por los dos protagonistas. El general holandés se inclina ofreciendo las llaves de la ciudad al general Spínola. Este, amablemente, se lo impide, estableciendo un puente de unión entre los dos hombres. Este gesto del vencedor evoca la imagen de la caridad cristiana y también de la grandeza del vencedor.<br />
La victoria está planteada de manera sutil. A los lados de los protagonistas, inmersos entre la zona de luz y sombra, se sitúan los dos ejércitos. A la izquierda el holandés, en desorden, y a la derecha el español, en orden y con las lanzas alineadas.<br />
La perspectiva aérea articula la composición a través del estadio de luz y del color. El primer plano queda contrastado por el paisaje del fondo, que va perdiendo cromatismo hasta convertirse en una maravillosa luz plateada. La sensación de profundidad se refuerza con detalles sencillos pero efectivos como la disposición oblicua de los dos caballos y de los grupos de soldados con lanzas. <br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5c/Principe_baltasar_carlos_caballo_Velazquez_lou.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5c/Principe_baltasar_carlos_caballo_Velazquez_lou.jpg" height="400" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="322"></a><br />
Para decorar el Salón de Reinos realizó varios retratos ecuestres, entre los que destacan el de Felipe IV y su esposa, Doña. Isabel de Borbón, y sobre todo los del infante Baltasar Carlos, al que Velázquez demostró siempre un cariño especial. El fondo del cuadro, con la Sierra de Guadarrama, está compuesto por grises, azules y verdes, es de una belleza inolvidable. También es ideal el salto de Corveta del caballo. El escorzo del animal es prodigioso.<br />
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SEGUNDO VIAJE A ITALIA (1.649-1.651).<br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/7f/Retrato_del_Papa_Inocencio_X._Roma,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/7f/Retrato_del_Papa_Inocencio_X._Roma,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez.jpg" height="400" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="332"></a><br />
De este periodo son los retratos del Papa Inocencio X y su criado, Juan de Pareja.<br />
Este retrato del Pontífice es considerada su mejor obra como retratista. El Papa quiso recompersarlo económicamente pero Velázquez rechazó el dinero alegando que era pinto de cámara del rey español y que lo que había hecho era un acto diplomático. Hay que destacar el tono asalmonado de la prenda superior, tan similar a la Venus del espejo.<br />
Este es el retrato de Juan Pareja.<br />
<img class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/06/Retrato_de_Juan_Pareja,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez.jpg" height="320" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="276"><br />
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Este segundo viaje a Italia lo hizo para comprar obras de arte para las Colecciones Reales. Las obras que pintó durante su estancia denotan la influencia de Tiziano. Esta es la "Venus del espejo".<br />
<img class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/75/Venus_del_espejo,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez.jpg" height="447" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="640"> <br />
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Esta obra perteneció a la Casa de Alba y fue vendida al valido Godoy. Probablemente fue robada por algún soldado inglés tras la conquista del Palacio de Buenavista (Madrid) durante la guerra de la Independencia (1.808-1.814).<br />
Llama la atención la sorprendente postura ya que, por razones que nunca conoceremos, decidió pintarla de espaldas. La composición de esta obra nos parece la mejor de de todos los cuadros de Velázquez, sin tener en cuenta los dos grandes grupos de sus últimos años (Meninas-Hilanderas), pero superan a aquellas en sencillez y armonía. Los cinco colores dominantes se hallan perfectamente compensados.<br />
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TERCERA ETAPA MADRILEÑA (1.651-1.660)<br />
<a href="http://img19.imageshack.us/img19/9115/0lainfantamargaritaenaz.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://img19.imageshack.us/img19/9115/0lainfantamargaritaenaz.jpg" height="400" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="326"></a><br />
Para los retratos emplea la técnica impresionista, una rica policromía y la técnica de yuxtaposición y superposición de pinceladas. Sobresalen los retratos de la infanta María Teresa, la reina Mariana de Austria y este de la infanta Margarita.<br />
Esta es una obra moderna e impresionista como puede comprobarse observando el medallón que la infanta luce sobre el pecho, las flores del pelo, la cadena, los encajes y tantos otros detalles que a distancia resultan casi desintegrados.<br />
El azul domina la composición. La armonía cromática de este cuadro es una de las más hermosas de toda la obra velazqueña.<br />
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En esta etapa los cuadros mitológicos son importantes por su técnica pictórica en el tratamiento de la luz, el color y la composición, y en la concepción intelectual y simbólica del tema.<br />
<img class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/35/F%C3%A1bula_de_Mercurio_y_Argos,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez.jpg" height="264" id="irc_mi" style="margin-top: 25px;" width="640"> <br />
Este es "Mercurio y Argos" . El cuadro representa el momento en que Mercurio mata a Argos mientras en la oscuridad de la noche brilla el acero, lo que parece contener una alusión a la política del momento.<br />
"Las hilanderas" narra la fábula de Aracne, una tejedora que desafió a los dioses. Atenea se disfrazó de anciana para disuadirla pero, al no conseguirlo, se enzarzaron en una competición. Aracne hizo un tapiz sobre el rapto de Europa, un momento de debilidad de su padre. Atenea la convirtió en araña.<br />
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<img class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5f/Vel%C3%A1zquez_-_La_F%C3%A1bula_de_Aracne_o_Las_Hilanderas_%28Museo_del_Prado,_1657-58%29.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="510"><br />
La composición juega con el recurso barroco de insertar un cuadro dentro de un cuadro, invirtiendo el orden de importancia del tema, ya que lo trivial (la actividad de las hilanderas) está en primer plano y lo esencial en segundo (la historia mitológica).<br />
El cuadro es, sin embargo, más complejo. Las hilanderas trabajando representan la competición entre Aracne y Atenea. La joven de espaldas, con falda azul es Aracne y la hilandera que maneja la rueda es Atenea, como demuestra su joven y torneada pierna.<br />
Al fondo, en una segunda estancia, se mueven tres muchachas. Dos de ellas observan el tapiz y una se vuelve a mirar a las hilanderas estableciendo un significativo puente con la escena de la estancia anterior.<br />
En el tapiz, las figuras de la diosa y Aracne permanecen frente el tapiz tejido por la propia Aracne que, a su vez, es un homenaje al Rapto de Europa de Tiziano. El gesto amenazador de Atenea es una referencia al castigo simbolizado por el violonchelo que aparece en la estancia alta (la música era considerada como el remedio tradicional contra las picaduras de araña).<br />
Velázquez trabaja la perspectiva aérea con esa pincelada suelta, casi impresionista, que hace practicamente tangible la atmósfera polvorienta del taller. También es destacable el magistral estudio de los planos lumínicos.<br />
La habitación alta recibe un haz de luz brillante en diagonal que diferencia el espacio del tapiz (ficticio) del de la habitación (real).<br />
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En "Las Meninas", Velázquez se recreó con los efectos lumínicos, haciendo que la luz incidiese sobre las figuras en primer plano y sumergiéndo en la penumbra a las más alejadas.<br />
<img class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/31/Las_Meninas,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez,_from_Prado_in_Google_Earth.jpg/1400px-Las_Meninas,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez,_from_Prado_in_Google_Earth.jpg" height="640" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="556"><br />
El juego de luz y sombras ayuda a crear la ilusión del espacio en el cuadro. La luz que entra por la puerta del fondo y su contraste con la oscuridad del techo y de la pared lateral a la derecha del observador dan profundidad a la escena.<br />
La paleta es clara, luminosa de una gran riqueza de colores y matices. La pincelada es larga, fluida y visible. Los contornos de las figuras se difuminan.<br />
Las formas etéreas de los reyes reflejados en el espejo fueron realizadas con un pincel hudecido con más trementina que pigmento.<br />
En lo que a contenido se refiere, en 1.843 el pintor Madrazo lo llamó "La Meninas" porque menina significa dama de honor en portugués. Ha habido muchas interpretaciones sobre este cuadro: retrato de la infanta Margarita, un elaborado juego de espejos, un retrato de la familia real, un intento de pintar a Felipe IV en sus últimos años, etc...<br />
La composición está formada por grupos de personajes en primer plano, dispuestos en dos grupos de tres. En el central destaca la infanta Margarita y a sus damas de compañía: María Agustina Sarmiento, que le ofrece un búcaro de agua en plato de oro, e Isabel de Velasco que se inclina.<br />
A la derecha del espectador se encuentra otra triada, compuesta por la enana macrocéfala Maribárbola, el enano Nicolasito y un mastín. Las anomalías físicas y los colores oscuros de los vestidos de los componentes del grupo resaltan la belleza y la claridad cromática de los atuendos de los otros tres. Detrás de los personajes en primer término conversan, medio ocultos en las penumbras, la dama de honor Marcela de Ulloa y un guardadamas.<br />
En el extremo opuesto y detrás de un gran lienzo está el propio Velázquez. La cruz roja de Santiago que luce en el pecho fue añadido después del fallecimiento del autor por orden del rey.<br />
El hombre que sube los peldaños de la escalera es José Nieto, aposentador de la Corte. Su mano nos lleva a el punto de fuga del cuadro, que se encuentra en la silueta de los reyes de España reflejada en el espejo.<br />
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<!-- Blogger automated replacement: "https://images-blogger-opensocial.googleusercontent.com/gadgets/proxy?url=http%3A%2F%2Fupload.wikimedia.org%2Fwikipedia%2Fcommons%2F2%2F22%2FVel%25C3%25A1zquez_-_Adoraci%25C3%25B3n_de_los_Reyes_%2528Museo_del_Prado%2C_1619%2529.jpg&container=blogger&gadget=a&rewriteMime=image%2F*" with "https://blogger.googleusercontent.com/img/proxy/AVvXsEixVaRgPsPE77hFLEN_-XLWXUf2ils2gOCgdZwXoCRQhkuEPxfmu7Qs3M3uFJjLbiYrTxhcRwYP0Q5PA1jjEtizu3bYVrdLpmoqGnCLuTHa34JUQL236P5aly2_IJTRv7a0JtoH9CXTJSKT-UvYXOPhC1DG89m2ddC28RKrci-zraW85xjKSbSRv6hswd6viiwUIyYkD0VDRBcD8RtYvTqHxEbvu_U4OgH8Vbr2KzFFmhk95dF5-1W9_jOhU8qCfbI=" -->Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-90261456659046868042014-02-25T14:08:00.005+01:002018-03-21T11:09:38.084+01:00La pintura barroca en España (I)<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<br />
El siglo XVII es el Siglo de Oro de la pintura española. <br />
Hay tres focos principales: Valencia, Sevilla y Madrid. La figura más importante es, sin duda, Velázquez.<br />
<u>Rasgos característicos:</u><br />
Es una pintura religiosa. Los principales clientes son la la Iglesia y la Monarquía. La pintura de género es escasa, y la mitológica casi inexistente. También aparecen retratos y bodegones en los que se representan objetos estrictamente ordenados.<br />
Es una pintura en la que el realismo está puesto al servicio de la Religión. Aún así hay diferencias:<br />
<ul style="text-align: left;">
<li>Primera mitad del siglo XVII. Es una pintura realista, con elementos tenebristas italianos y de severas formas y colorido.</li>
<li>Segunda mitad del siglo XVII. Es una pintura más dinámica y colorista, gracias a la difusión de los modelos rubenianos a través de las estampas y de las obras que llegan a las colecciones españolas.</li>
</ul>
<b>ESCUELA VALENCIANA:</b><br />
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El iniciador fue el catalán<u> Francisco Ribalta (1.565-1.628).</u> Se educó en El Escorial y se trasladó a Valencia en 1.599. Su estilo evolucionó hacia un pleno realismo. Tenía un perfecto manejo de la luz y utiliza una gama de color muy cálida, con rojos intensos y carnaciones muy tostadas. Estos rasgos se dejan ver en toda esta escuela.<br />
Una de sus obras es esta "Visión de San Francisco", en la que el santo aparece confortado por un ángel místico. El claroscuro se agudiza con el tono claro del lecho del santo, que ayuda al contraste de luces.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.wga.hu/art/r/ribalta/francisc/sfrancis.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://www.wga.hu/art/r/ribalta/francisc/sfrancis.jpg" height="320" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="248"></a></div>
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Esta obra de Ribalta es "El crucificado abrazado a San Bernardo", donde las figuras emergen de la una oscuridad.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d3/Francisco_Ribalta_001.jpg/200px-Francisco_Ribalta_001.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" border="0" class="thumbimage" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d3/Francisco_Ribalta_001.jpg/200px-Francisco_Ribalta_001.jpg" height="320" width="224"></a></div>
<u><br /></u>
<u>José Ribera el Españoleto. (1.591-1.652)</u> es considerado uno de los grandes maestros del Barroco español. Nació en Xátiva y se formó con Ribalta. Marchó a Italia y se instaló definitiva,ente en Nápole en 1.616. Sus obras viajaban a España, difundiendo así el naturalismo italiano.<br />
Su producción es esencialmente religiosa, aunque también tiene temas mitológicos.<br />
En sus inicios, y por influencia de Caravaggio, su obra se caracteriza por un tenebrismo riguroso. Con el tiempo, su obra evolucionó hacia una obra más luminosa y con mayor riqueza cromática.<br />
Técnicamente posee un excelente dibujo y una pincelada pastosa con la que consigue superficies ásperas en las que se adivinan hasta las arrugas de la piel.<br />
Amante del naturalismo, no faltan entre sus obras pobres, mendigos y personajes feos y raros. Entre ellos destacan su "Patizambo" o su "Mujer barbuda".<br />
<img alt="José de Ribera 017.jpg" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/Jos%C3%A9_de_Ribera_017.jpg/300px-Jos%C3%A9_de_Ribera_017.jpg" height="320" width="178"> <img alt="" class="thumbimage" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d7/Mujer_barbuda_ribera.jpg/200px-Mujer_barbuda_ribera.jpg" height="320" width="235"><br />
Los temas religiosos de Ribera son, sobre todo, martirios. En este "Martirio de San Andrés" observamos la inspiración en Caravaggio en la composición y en las figuras, pero la técnica es más minuciosa y los colores son más sobrios. La luz ilumina al santo desnudo mientras el sacerdote sostiene la estatuilla de Júpiter. En el "Martirio de San Sebastián" lo que ribera intenta resaltar es el movimiento y la actitud dramática del cuerpo del mártir. Las dos diagonales que tiene la composición están formadas por el cuerpos del santo una, y la otra por las figuras escalonadas desde el primer plano hacia el fondo. <br />
<img alt="" class="thumbimage" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5f/JOS%C3%89_DE_RIBERA_-_Martirio_de_San_Andr%C3%A9s_%28Museo_de_Bellas_Artes_de_Budapest%2C_1628._%C3%93leo_sobre_lienzo%2C_209_x_183_cm%29.jpg/230px-JOS%C3%89_DE_RIBERA_-_Martirio_de_San_Andr%C3%A9s_%28Museo_de_Bellas_Artes_de_Budapest%2C_1628._%C3%93leo_sobre_lienzo%2C_209_x_183_cm%29.jpg" height="268" width="230"> <img class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/2c/Ribera-san_sebastian_irene.jpg" height="249" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="320"><br />
La segunda fase de la obra de Ribera se inicia hacia 1.633. Es una etapa de éxito comercial que coincide por la influencia de la obra de Van Dyck . Se inicia una etapa colorista en la que el autor abandona los fondo negros para introducir una gama de colores cálido y fondos de paisaje. Esto dará a sus obras una nota más dulce aunque conservará su extremado realismo. De este periodo destacan su "Inmaculada " y su "Combate de mujeres". <br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/proxy/AVvXsEiWG1qzZ7qh7H5ry0huK7EyNhLWNO2hTsrGs-qJRlFkm39FXra7HazCnBIKY0F3c5bp8IMoYa2UtBfl1a2ip8DZ37HrIYY4-3_ROVumRsavn0dJxdAErgKxoNh30PJaj0dAyNb4c0-HXW_vcGKgAqHzqWlsaJfMfeAT=" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://cvc.cervantes.es/img/citas_claroscuro/ribera06.jpg" height="320" id="irc_mi" style="cursor: move; margin-top: 0px;" width="289"></a><img alt="Immaculate Conception - Jusepe de Ribera" class="" src="https://uploads4.wikipaintings.org/images/jusepe-de-ribera/immaculate-conception-1635.jpg%21Blog.jpg" height="320" itemprop="image" title="Immaculate Conception - Jusepe de Ribera" width="199"> <br />
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<a href="http://www.artisangallery.es/images/C1RIBE001_5.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://www.artisangallery.es/images/C1RIBE001_5.jpg" height="200" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="148"></a></div>
El el "Tránsito de la Magdalena" la santa aparece radiante de Belleza mientras asciende a los cielos. Los colores son claros y de gran riqueza, pero hay un cierto tenebrismo en los contrastes de luz y sombra. El rostro es exquisito y se ha pensado que podría ser su esposa. El manto, desplegado al viento y sostenido por pequeños querubines tiene la típica composición diagonal del barroco.<br />
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Otra obra a destacar el el "Isaac y Jacob" del Prado, que tenemos abajo.<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/82/Jos%C3%A9_de_Ribera_012.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/82/Jos%C3%A9_de_Ribera_012.jpg" height="120" id="irc_mi" style="margin-top: 39px;" width="320"></a><br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f6/Jos%C3%A9_de_Ribera_054.jpg/300px-Jos%C3%A9_de_Ribera_054.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img alt="José de Ribera 054.jpg" border="0" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f6/Jos%C3%A9_de_Ribera_054.jpg/300px-Jos%C3%A9_de_Ribera_054.jpg" height="300" width="300"></a>Una se sus obras más importantes es, sin duda, el "Martirio de San Felipe". Durante mucho tiempo se pensó que se trataba de San Bartolomé, pero al no aparecer el cuchillo se pensó que trataba de San Felipe. El cuadro representa el momento en que el santo es suspendido del mástil donde va a ser desollado. Lo que Ribera pretende señalar en esta obra es la impasible atención el grupo de espectadores, entre los que destaca una madre con su hijo en brazos (símbolo de la Caridad Cristiana) mirando al espectador. <br />
Llama la atención el esfuerzo muscular de los sayones (grupo de infieles) que tiran de las cuerdas para elevar el cuerpo del santo y la profunda resignación del apóstol entregándose a la muerte.<br />
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imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a>La escena está compuesta por dos triángulos, cuyo lado común es el cuerpo del santo, marcando una diagonal. El madero al que está atado el santo es la base de otro triángulo que se sale del lienzo.<br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/93/El_sue%C3%B1o_de_jacob.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/93/El_sue%C3%B1o_de_jacob.jpg" border="0" class="shrinkToFit decoded" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/93/El_sue%C3%B1o_de_jacob.jpg" height="242" width="320"></a><br />
"El sueño de Jacob" del Prado muestra un momento de la huida del patriarca en el que dormido Dios le garantizó protección para él y para sus hijos. La composición tiene forma de aspa mediante el cruce de las dos diagonales clásicas: la que señala el árbol y la que marca la figura de Jacob. El modelado de la cabeza es muy suave a causa de la luz difusa que envuelve a Jacob procedente de la escalera de ángeles. Ribera ejecuta es escalera con una delicada pincelada y tonos dorados.<br />
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<b>ESCUELA ANDALUZA.</b><b> </b><br />
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imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"></a><b> </b>El iniciador de esta escuela fue Francisco Pacheco (1.564-1644), maestro Velázquez y de Alonso Cano. Gran admirador de Rafael, su obra se caracteriza por la influencia manierista y flamenca.<br />
Trabajó en Sevilla, donde pronto fue eclipsado por un autor flamenco, Juan de Roelas.<br />
<a href="http://iescarbula.net/materias/gyh/museo/imagenes/MBASE-MBASE_os_15_E137P_lg.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://iescarbula.net/materias/gyh/museo/imagenes/MBASE-MBASE_os_15_E137P_lg.jpg" height="320" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="212"></a><br />
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De<u> Juan de las Roelas (1.570-1.625)</u> se sabe que estuvo viviendo en Valladolid hasta 1.604. Más tarde trabajó en Olivares, pueblo cercano a Sevilla, donde pintó varios cuadros de gran formato entre los que destaca este "Martirio de San Andrés" . En este cuadro de altar se aprecian dos planos: uno celestial lleno de ángeles músicos, niños o mancebos, y otro terrenal, con tipos realistas y cotidianos.<br />
Los dos verdugos del primer plano que llevan la escalera tienen la misma importancia que el tema central del martirio o que la conversación que mantienen los tres personajes de la izquierda.<br />
Fue a Madrid para ver si le nombraban pintor real, pero al no lograrlo se estableció definitivamente en Olivares. <br />
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<a href="http://img142.imageshack.us/img142/5803/0sanbuenaventurarecibee.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://img142.imageshack.us/img142/5803/0sanbuenaventurarecibee.jpg" height="320" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="283"></a><u>Francisco Herrera el Viejo (1.590-1.656)</u> fue otro discípulo Pedro Pacheco. Residió en Sevilla hasta 1.619, fecha en la que aprueba un examen de pintor y se traslada a Madrid. Allí residirá hasta su muerte.<br />
Su pintura es enérgica y con pinceladas pastosas. Sus composiciones están muy ligadas al Manierismo, aunque consigue dotar a los rostros de individualidad y fuerza expresiva. En el lienzo titulado "San Buenaventura recibiendo el hábito franciscano" los tono predominantes son pardos y grises verdosos. Destaca la extrema variedad de cabezas que parecen verdaderos retratos populares. Se observa la gran maestría del autor a la hora de tratar los pliegues de santo, que se arrodilla ante San Francisco.<br />
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<u>Francisco Zurbarán (1.598-1.664)</u> es el pintor monástico por excelencia. Fue amigo de Velázquez. Su principal cliente es la Iglesia. Su estilo muestra volúmenes simples y disposiciones sencillas.<br />
Destacan las series monacales que realizó para diversas congregaciones (Dominicos, Mercedarios...).<br />
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style="margin-top: 0px;" width="320" /></a>Esta es la "Visión de San Pedro Nolasco" que hizo para el convento de La Merced de Sevilla.<br />
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Son cuadros simples, dentro de la tendencia tenebrista de sus primero años, en los que predomina el blanco. Lo más destacable de Zurbarán es su capacidad para captar el misticismo de sus personajes. <br />
El volumen de sus oras nos recuerda a Giotto o Van Eyck.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicve5PgBes5f4EzighdCjwkvctAjo9H2cqQ6ja1GUAkKIZbi59XbItlUFi3WVNejrOXaNJdVX8p-Po6DTRbwowLsO1pLcqgfIgfemdjxi_K2NonRpL5ul0WtV3WKcaJ3NqziHvy_TZL6c/s1600/zurbaran05%5B1%5D.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" height="273" id="irc_mi" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicve5PgBes5f4EzighdCjwkvctAjo9H2cqQ6ja1GUAkKIZbi59XbItlUFi3WVNejrOXaNJdVX8p-Po6DTRbwowLsO1pLcqgfIgfemdjxi_K2NonRpL5ul0WtV3WKcaJ3NqziHvy_TZL6c/s320/zurbaran05%5B1%5D.jpg" style="margin-top: 59px;" width="320" /></a><br />
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"El reflectorio de los Cartujos" narra el milagro de San Hugo en el reflectorio. Está considerada como una de las obras religiosas más importantes de todos los tiempos por la profundidad espiritual que refleja la escena. La composición de esta obra muestra la sencillez y simplicidad típicas de Zurbarán.<br />
Otras obras importantes de Zurbarán son "Apoteosis de Santo Tomás de Aquino", "San Luis Beltrán", "Santa Casilda"...<br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/31/El_milagro_del_pozo._Alonso_Cano._1648.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/31/El_milagro_del_pozo._Alonso_Cano._1648.jpg" height="320" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="214"></a><u>Alonso Cano (1.601-1.607)</u> nació en Granada y se formó en Sevilla. Su obra es serena y refinada, con estudiadas composiciones en las que domina un dibujo perfecto. Sus producciones religiosas huyen del dramatismo propio de los pintores barrocos y muestra a Cristos de bellas y esbeltas formas y de actitud contenida.<br />
Primera etapa madrileña se caracterizó por un cambio de colorido, influenciado por los cuadros de Rubens. De este periodo destaca "El milagro del pozo" . En esta obra aprecien San Isidro y Santa María de la Cabeza que, tras implorar a la Virgen de la Almudena, hacen subir las aguas del pozo y rescatar al niño que se había caído en su interior. Esta obra, desde el punto de vista de la factura pictórica, tiene como base de tonos cálidos. La pincelada es de una
factura libre y deshecha que en parte recuerda a la de Velázquez.<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/La_Virgen_con_el_Ni%C3%B1o_%28Cano%29.jpg/407px-La_Virgen_con_el_Ni%C3%B1o_%28Cano%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img alt="File:La Virgen con el Niño (Cano).jpg" border="0" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/La_Virgen_con_el_Ni%C3%B1o_%28Cano%29.jpg/407px-La_Virgen_con_el_Ni%C3%B1o_%28Cano%29.jpg" height="320" width="217"></a><br />
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Otra obra es esta "Virgen con el Niño" del Museo del Prado, en la que se aprecia un claroscuro suavizado.<br />
<br />
Después de ser acusado del asesinato de su esposa y tras demostrar su inocencia, en 1.652 se traslada a Granada donde llegó a ser maestro mayor de la catedral. En esta segunda etapa el uso del color será más suave. Sus figuras son más pensativas y tienen unas actitudes más melancólicas. De este periodo destaca "El descendimiento de Cristo al limbo" y su "Inmaculada Concepción". <br />
<br />
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<u><br /></u>
<u>Bartolomé Esteban Murillo (1.618-1.682) </u>nació en Sevilla y gozó de gran popularidad en toda Europa, especialmente en el siglo XVIII cuando su delicada pintura coincidió con los gustos del momento. Gracias a su dulzura y delicadeza, Murillo supo acercar la religión a la vida cotidiana.<br />
<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/69/Sagrada_Familia_del_pajarito_%28Murillo%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/69/Sagrada_Familia_del_pajarito_%28Murillo%29.jpg" height="300" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="400"></a><br />
Una de las primeras obras del autor es esta "Sagrada Familia del pajarito" de Prado. El sentido del color es muy pobre y empastado pero sorprende el encanto de los personajes y la sencillez de la composición. El Niño es el centro de las líneas dinámicas de la composición. La Virgen y José están realizando actividades domésticas.<br />
<br />
El Niño, lo infantil, ocupa siempre un lugar muy destacado en la obra de Murillo. <br />
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<a href="http://cvc.cervantes.es/img/citas_claroscuro/murillo08.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://cvc.cervantes.es/img/citas_claroscuro/murillo08.jpg" height="324" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="400"></a>En esta "Anunciación" del Prado, Murillo ya se encuentra plenamente formado. Los colores son fluidos, la pincelada decidida y ligera. Ya no conserva restos de tenebrismo y el colorido es vivo y alegre, a base de rojo, blanco y azul. <br />
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Otra obra anterior a 1.650 es la "Adoración de los pastores" del Museo del Prado. Murillo siente predilección por las escenas del ciclo del Nacimiento. <br />
Esta obra muestra la gran ternura a la hora de tratar a los niños.<br />
<img class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/9e/Adoraci%C3%B3n_de_los_pastores_%28Murillo%29.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="477"> <br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f9/Bartolom%C3%A9_Esteban_Perez_Murillo_-_Trauben-_und_Melonenesser.jpg/300px-Bartolom%C3%A9_Esteban_Perez_Murillo_-_Trauben-_und_Melonenesser.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Bartolomé Esteban Perez Murillo - Trauben- und Melonenesser.jpg" border="0" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f9/Bartolom%C3%A9_Esteban_Perez_Murillo_-_Trauben-_und_Melonenesser.jpg/300px-Bartolom%C3%A9_Esteban_Perez_Murillo_-_Trauben-_und_Melonenesser.jpg" height="400" width="283"></a><br />
<br />
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Otra obra suya, fechada entre 1.645 y 1.650 es esta "Niños comiendo uvas y melón", que se encuentra en Múnich. Se trata de una obra de juventud que muestra a dos pícaros comiendo fruta. Destaca el naturalismo y como representa las ropas raídas y los gestos de glotonería de los muchachos.<br />
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Una de las obras más conocidas de Murillo es "El Buen Pastor", fechada hacia 1.660. Originalmente, el cuadro era más pequeño, pero se agrandó para servir de pareja al "San Juan Bautista" (en rojo). Destacan los tonos blancos y bermellón y la columna clásica en estado ruinoso del fondo que anticipa a autores posteriores como Pousin y Lorena.<br />
<img class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/ae/BuenPastorMurillo1660.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="315"> <img class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/31/San_Juan_Bautista_ni%C3%B1o_%28Murillo,_1670%29.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="329"><br />
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<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/7f/Inmaculada_Concepci%C3%B3n_%28Murillo,_El_Escorial%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/7f/Inmaculada_Concepci%C3%B3n_%28Murillo,_El_Escorial%29.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="273"></a><br />
Murillo es por excelencia el pintor de la Virgen como Inmaculada Concepción. Tiene cerca de treinta de diferentes calidades y composiciones. Entre ellas y fechada entre 1.660 y 1.665 está la "Inmaculada de El Escorial". Destaca el dinamismo de los ángeles, de pequeño tamaño y en constante movimiento. Los paños de la túnica y el manto se agitan con gran dinamismo. El éxito de las Inmaculadas de Murillo radica en la belleza y juventud de sus modelos.<br />
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Fechada hacia el 1.665 tenemos este "El sueño del patricio Juan y su esposa" en el que la Virgen y el Niño se aparecen al matrimonio. Su composición nos recuerda al "Sueño de Jacob" de Ribera.<br />
<img class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a3/Bartolome_murillo-sue%C3%B1o_patricio.jpg" height="276" id="irc_mi" style="margin-top: 16px;" width="640"><br />
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"Los niños de la concha" es otra de sus obras más famosas fechada hacia el 1.670.<br />
<img class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/13/Los_ni%C3%B1os_de_la_concha.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="467"><br />
El "Martirio de San Andrés", fechada hacia 1.680, es una obra de tema dramático, algo poco
frecuente en él. Incluso con un tema como este, podemos ver escenas que
restan patetismo a la escena (el perro, los angelitos...).<br />
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<a href="http://www.epdlp.com/fotos/murillo2.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://www.epdlp.com/fotos/murillo2.jpg" height="298" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="400"></a> <br />
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Juan Valdés Leal (1.622-1.690) es otro autor de la escuela de Sevilla. Su obra se aleja de la sencillez y delicadeza. Abruma su realismo macabro y tenebrista de la muerte como se observa en sus obras "In icto oculi" y "Finis Gloriae Mundi".<br />
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<a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=6398103853983668616" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
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<a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=6398103853983668616" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
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<a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=6398103853983668616" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
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<a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=6398103853983668616" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<img alt="" class="thumbimage" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/ca/In_ictu_oculi.jpg/280px-In_ictu_oculi.jpg" height="285" width="280"> <img alt="" class="thumbimage" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/36/Finis_gloriae_mundi_from_Juan_Valdez_Leal.jpg/280px-Finis_gloriae_mundi_from_Juan_Valdez_Leal.jpg" height="284" width="280"><br />
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<a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=6398103853983668616" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=6398103853983668616" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><b>LA ESCUELA MADRILEÑA</b>:<br />
<br />
Madrid reunió a principios del XVII a numerosos pintores extranjeros cuya obra está a caballo entre el manierismo y el naturalismo procedente de Italia. Entre ellos destacan Bartolomé y Vicente Carducho.<br />
<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5d/Adoraci%C3%B3n_de_los_pastores_%28Ma%C3%ADno%29.jpg/331px-Adoraci%C3%B3n_de_los_pastores_%28Ma%C3%ADno%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="File:Adoración de los pastores (Maíno).jpg" border="0" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5d/Adoraci%C3%B3n_de_los_pastores_%28Ma%C3%ADno%29.jpg/331px-Adoraci%C3%B3n_de_los_pastores_%28Ma%C3%ADno%29.jpg" height="400" width="221"></a><br />
El autor más importante de este periodo es <u>Juan Bautista Maíno (1.581-1649).</u> Hasta 1.958 se pensó que era italiano. Se cree que pudo formarse con El Greco pero no hay constancia documental. Lo que se sabe es que se formó en Italia, donde conoció las pinturas de Caravaggio. Fue discípulo de Guido Renni y Annibale Carracci, entre otros. Felipe III le llamó a la Corte para que fuese maestro de pintura del futuro Felipe IV. Allí conoció a Velázquez.<br />
Entre sus obras destaca esta "Adoración de los pastores" del Museo del Prado. <br />
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En la segunda mitad del siglo XVII se constituye la escuela madrileña con Fray Juan Rizzi y Francisco Herrera el Joven.<br />
Esta escuela es amante del movimiento, del colorido y de la pincelada suelta. Mezcla los colores venecianos y flamencos.<br />
<br />
<u>Francisco de Herrera el Joven (1.622-1.685)</u> era hijo de Francisco Herrera. Nació en Sevilla y fue a formarse a Italia. A su llegada a la Corte hacia el 1.654 trajo el dinamismo colorista del barroco decorativo italiano. Ese es su "San Hermenegildo triunfante" de el Prado. <br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/1e/Triunfo_de_San_Hermenegildo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/1e/Triunfo_de_San_Hermenegildo.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="276"></a></div>
<a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=6398103853983668616" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=6398103853983668616" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><br />
<a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=6398103853983668616" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"></a><br />
<u>Juan Carreño de Miranda (1.614-1.685)</u> se formó en Madrid con Pedro de Vuevas y Bartolomé Román. Empezó a trabajar temas religiosos hasta que fue nombrado Pintor del Rey en 1.669. Hizo carrera administrativa en Palacio, como Velázquez, y en sus retratos plasmó a los últimos Austrias.<br />
Basten como ejemplos estos retratos de Carlos II y Mariana de Austria.<br />
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/3e/Carlos_II_por_Juan_Carre%C3%B1o_de_Miranda.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/3e/Carlos_II_por_Juan_Carre%C3%B1o_de_Miranda.jpg" height="320" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="220"></a><a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/bf/Juan_CARRE%C3%91O_DE_MIRANDA_-_Queen_Mariana_de_Austria_as_a_Widow.JPG" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/bf/Juan_CARRE%C3%91O_DE_MIRANDA_-_Queen_Mariana_de_Austria_as_a_Widow.JPG" height="320" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="188"></a><br />
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<u>Claudio Coello (1.642 - 1.693)</u> es el pintor más singular de la escuela madrileña. Alumno de Francisco Rizzi, asimila su barroquismo y lo enriquece con un cuidado dibujo. Coello estudió de las Colecciones Reales los cuadros de los pintores venecianos y flamencos. Con su compañero y amigo José Jiménez Donoso practicó la pintura al fresco.<br />
Fue nombrado Pintor del Rey en 1.684 y Pintor de Cámara en 1.685. En ese mismo año ejecutó su obra maestra: "La adoración de la Sagrada Forma" de la Sacristía del Monasterio de El Escorial.<br />
En esa obra asimiló las enseñanzas de Velázquez en cuanto a la perspectiva aérea o expresión del marco ambiental, el naturalismo de los retratos y dignidad de los personajes.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/55/Cl.Coello.La_Sagrada_Forma.1685-90.Sacristy,_El_Escorial.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" class="irc_mut" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/55/Cl.Coello.La_Sagrada_Forma.1685-90.Sacristy,_El_Escorial.jpg" height="393" id="irc_mi" style="margin-top: 0px;" width="286"></a></div>
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<!-- Blogger automated replacement: "https://images-blogger-opensocial.googleusercontent.com/gadgets/proxy?url=http%3A%2F%2Fcvc.cervantes.es%2Fimg%2Fcitas_claroscuro%2Fribera06.jpg&container=blogger&gadget=a&rewriteMime=image%2F*" with "https://blogger.googleusercontent.com/img/proxy/AVvXsEiWG1qzZ7qh7H5ry0huK7EyNhLWNO2hTsrGs-qJRlFkm39FXra7HazCnBIKY0F3c5bp8IMoYa2UtBfl1a2ip8DZ37HrIYY4-3_ROVumRsavn0dJxdAErgKxoNh30PJaj0dAyNb4c0-HXW_vcGKgAqHzqWlsaJfMfeAT=" -->Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-78522707099681058072011-02-19T21:27:00.001+01:002013-09-02T15:13:57.847+02:00La Arquitectura Barroca Española.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
El siglo XVI supone el final de la hegemonía hispana. El siglo XVII viene marcado por una crisis económica muy importante, lo que supone que las construcciones sean menos monumentales que en el renacimiento y que los materiales sean menos costosos (ladrillo, yeso, madera).<br />
La arquitectura barroca española tiene tres periodos:<br />
<ol>
<li>Primera mitad del s. XVII, de gran sobriedad estructural y decorativa.</li>
<li style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">La Segunda mitad del s. XVII, marcado por el decorativismo.</li>
<li style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">EL Barroco Final de principios del s. XVIII, en el que coexiste una decoración libre y fantasiosa, y las tendencias equilibradas y sobrias de la arquitectura cortesana de los Borbones.</li>
</ol>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<b><u>1.- Primera Mitad del siglo XVII.</u></b></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Debido a la influencia de Juan de Herrera, en este periodo predomina la desnudez estructural y decorativa.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<b><span style="color: yellow;">Fracisco de Mora</span></b> (1.553-1.610) continúa con la tradición herreriana, pero ya anticipa las formas barrocas. </div>
Es autor del Convento de San José en Ávila y del Palacio Ducal en Lerma (Burgos).<br />
<br />
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Su sobrino y discípulo, <b><span style="color: yellow;">Juan Gómez de Mora (1.586-1.648),</span></b> se aparta de la severidad herreriana. Su obra clave es la Clerecía de Salamanca (ojo, pero sólo la fachada, que la torre es de Churriguera).</div>
<br />
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
En Madrid se encarga de la Plaza Mayor y la casa de la Villa. </div>
<br />
<br />
<b><span style="color: yellow;">Alonso Carbonell (finales s. XVI - 1.660)</span></b> es el autor del Palacio del Buen Retiro de Madrid, construido por deseo del Conde Duque de Olivares y del que sólo se conserva un ala. Tenía una larga fachada jalonada por dos torres de chapiteles escurialenses. Este es el primer barroco español, variación del estilo herreriano. En el interior de este palacio estaba el salón de reinos de Felipe IV, decorado con importantes pinturas. <br />
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
También trabajo en el PAnteón de reyes de El Escorial, que fue construido por Gian Battista Crescenzi, de planta octogonal, casi circular, decorada con pilastras, capitales y sepulcros a base de marmol y bronce.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBVnKVh5D60nppLFVoEeey8a6I92tTQgbTMWlSJjWrHUlG4YFw9jOPjjPlMcXfi62c5lC1ZGAkj5SyqaCrQenZ1H2IqT49aZB6MwYLHCsOdhbZ2e_VipPC8mt2qzzBse_zgZ85svhrOFSC/s1600/el_escorial_panteon_reyes_.jpg" imageanchor="1" style="cssfloat: left; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="216" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBVnKVh5D60nppLFVoEeey8a6I92tTQgbTMWlSJjWrHUlG4YFw9jOPjjPlMcXfi62c5lC1ZGAkj5SyqaCrQenZ1H2IqT49aZB6MwYLHCsOdhbZ2e_VipPC8mt2qzzBse_zgZ85svhrOFSC/s320/el_escorial_panteon_reyes_.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
Algunos autores dicen que el plano fue suyo, y que Crescenzi sólo lo decoró; otros dice que sólo hizo la bóveda....<br />
También hay que destacar a los jesuítas <span style="color: yellow;"><b>Pedro Sánchez y Francisco Bautista</b></span>, autores de la Catedral de San Isidro en Madrid. <br />
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Tiene una sola nave con capillas laterales y un crucero que forma una cruz latina con la nave central. La cúpula está en el centro. </div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<br /></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<br /></div>
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicNIuz4l3hqJflQ8Cpq0V8l5n9mlRCdpzMTHF1RKKmnSZLUOMKe_sFm3j4viDaECMyCIfko8061x2fm4QW5bmOEFkjfsKEgq2LzbYAg-gqp-ALMWQdTBrOgt7k2UuKnNWXrk-HwlLrV8ds/s1600/Colegiata_de_San_Isidro_Madrid_Interior.jpg" imageanchor="1" style="cssfloat: left; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicNIuz4l3hqJflQ8Cpq0V8l5n9mlRCdpzMTHF1RKKmnSZLUOMKe_sFm3j4viDaECMyCIfko8061x2fm4QW5bmOEFkjfsKEgq2LzbYAg-gqp-ALMWQdTBrOgt7k2UuKnNWXrk-HwlLrV8ds/s320/Colegiata_de_San_Isidro_Madrid_Interior.jpg" width="213" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg80dw9ElV7iasvkZIilH3VXb6sYo2JUPQ3PZdFtgpa11Mhnf2b3xJ7ijaHgfLLU8wokcCRxRev0kQH8bC1HiTB_F9UkUVpNGOPgIDIhzv3M-nsochvmCyBCgeptQc9bKyagYBZKU0XqtZl/s1600/Colegiata_de_San_Isidro_Madrid.jpg" imageanchor="1" style="cssfloat: right; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg80dw9ElV7iasvkZIilH3VXb6sYo2JUPQ3PZdFtgpa11Mhnf2b3xJ7ijaHgfLLU8wokcCRxRev0kQH8bC1HiTB_F9UkUVpNGOPgIDIhzv3M-nsochvmCyBCgeptQc9bKyagYBZKU0XqtZl/s320/Colegiata_de_San_Isidro_Madrid.jpg" width="234" /></a></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<br /></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<br /></div>
La fachada está recorrida por grandes pilastras verticales. <br />
Pedro Sánchez fue el encargado de hacer las cúpulas encamondadas o falsas sobre un soporte de madera, que tanto abundan en las iglesias madrileñas de la época.<br />
<br />
<b><u>2.- Segunda Mitad del Siglo XVII.</u></b><br />
<br />
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Desde 1.650 se van a ir añadiendo elementos decorativos, naturalista y abstractos, a las desnudas estructuras herrerianas. </div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Las plantas siguen siendo sencillas, aunque los alzados alcanzan mayor libertad y dinamismo.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
En <b>Madrid,</b> destacan <span style="background-color: white; color: lime;"><b>Manuel y José del Olmo,</b></span> con la Iglesia de las Comendadoras de Santiago, con Planta de cruz Griega;</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<br /></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<span style="color: lime;"><b>Pedro de La Torre</b></span>, que hizo la capilla de San Isidro, adosada a la Iglesia de San Andrés, obra de José de Villareal. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCEHhU6QiSCfuO9IR83Hd5DRDvx7-v7pXsmh5bhPoJsWI7120GAGfPcM45dZC6JJzFNqiZWw1KDDjDfFkSPvSr-EhCgP5-JuajQRihuJ89JsKgW_R-jjZff-Kz3BfmjZg8VEl-eYz_Zfs0/s1600/Capilla_s_isidro_adosa_iglesia_san_andres_madrid.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCEHhU6QiSCfuO9IR83Hd5DRDvx7-v7pXsmh5bhPoJsWI7120GAGfPcM45dZC6JJzFNqiZWw1KDDjDfFkSPvSr-EhCgP5-JuajQRihuJ89JsKgW_R-jjZff-Kz3BfmjZg8VEl-eYz_Zfs0/s320/Capilla_s_isidro_adosa_iglesia_san_andres_madrid.jpg" width="258" /></a></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<br /></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<br /></div>
En Andalucía, <b><span style="color: lime;">Alonso Cano</span></b> (1.601- 1.667), pintor, escultor y arquitecto; fue el encargado de la fachada de la catedral de Granada, que concibió como un arco de triunfo de acentuados claroscuros. <br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEge2gdkksyngnqPQpiGA5-Mo3FgBNiFX3rZS_2fWqpo3H75_GZ74QwjWYzNof6flFQIC20jpR9fLMedNV5efkbw-B3qk0Zvt8plHbyT6zg1F5tRvy1o3TDZnrUfm9HdMjnL2hkp_DvPhHE8/s1600/alnso_cano_fachada_catedral_granada.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="240" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEge2gdkksyngnqPQpiGA5-Mo3FgBNiFX3rZS_2fWqpo3H75_GZ74QwjWYzNof6flFQIC20jpR9fLMedNV5efkbw-B3qk0Zvt8plHbyT6zg1F5tRvy1o3TDZnrUfm9HdMjnL2hkp_DvPhHE8/s320/alnso_cano_fachada_catedral_granada.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
En Galicia se inició la remodelación de la Catedral románica de Santiago de Compostela. José Peña Toro realizó el pórtico de la Quintana y la torre de la campana. De <b><span style="color: lime;">Diego Antonio de Andrade</span></b> es esta torre del reloj.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiE2j3bobtoptWhN5McxdQEdcbQ8yT6x2CtVL6eS1x1ruswZ_UGSBY-fjL9It6MqQ7eg4b1fIhQ4YMUSXid5B59XmWVpaVVNP1fSnvxc5d1TWdxWy_7t4fePm6HvM8lniOsFxylpRAmhnsS/s1600/240.+XVIII.+Arquitectura+Barroca+-+Torre+del+Reloj+de+la+Catedral+%28Santiago+de+Compostela%29.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiE2j3bobtoptWhN5McxdQEdcbQ8yT6x2CtVL6eS1x1ruswZ_UGSBY-fjL9It6MqQ7eg4b1fIhQ4YMUSXid5B59XmWVpaVVNP1fSnvxc5d1TWdxWy_7t4fePm6HvM8lniOsFxylpRAmhnsS/s320/240.+XVIII.+Arquitectura+Barroca+-+Torre+del+Reloj+de+la+Catedral+%2528Santiago+de+Compostela%2529.jpg" width="215" /></a></div>
<br />
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Se trata de un cuerpo alargado y esbelto, recorrido por pilastras y coronado por otras dos torres (cuadrada y poligonal) a modo de campanario.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Tanto por las proporciones como por la ornamentación es uno de los precedentes de la fachada del Obradoiro, proyectada por Peña Toro y ejecutada por Fernando de Casas y Novoa.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkJhyphenhyphenm3jYSlqxa2ceRxrO8QGKQO-41R7wzlJ7S3aOLw-FfyhJ7ibn8s2elW4e6kkH-IxZAxq2dIFIT-7mQ5ADL_z9RAB4ZFm4lpHxVubG909ozmPVP6ovhO1F9VQaTvzLaxQVy8skZ68Ud/s1600/241.+XVIII.+Arquitectura+Barroca+-+Fachada+del+Obradoiro+%28Santiago+de+Compostela%29.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkJhyphenhyphenm3jYSlqxa2ceRxrO8QGKQO-41R7wzlJ7S3aOLw-FfyhJ7ibn8s2elW4e6kkH-IxZAxq2dIFIT-7mQ5ADL_z9RAB4ZFm4lpHxVubG909ozmPVP6ovhO1F9VQaTvzLaxQVy8skZ68Ud/s320/241.+XVIII.+Arquitectura+Barroca+-+Fachada+del+Obradoiro+%2528Santiago+de+Compostela%2529.jpg" width="215" /></a></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<br /></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Esta fachada se realizó para tapar el Pórtico de la Gloria, integrar el edificio en el proyecto urbanístico de la ciudad e integrarlo en la escalinata barroca que ya se había empezado a construir. Casa y Novoa realizó un diseño piramidal, articulado en tres calles por columnas estriadas, dividido en dos niveles y flanqueado por dos torres. La estructura se aligera con los grandes ventanales que dan luminosidad al nártex de la catedral. </div>
<br />
En Cataluña, la arquitectura civil tiene un papel destacado, si bien el barroco penetra en las motivos decorativos, principalmente, como puede verse en la generalización de las columnas salomónicas. De todas formas destaca la Catedral de Gerona, con una fachada retablo precedida de una gran escalera. <br />
<br />
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
A finales del siglo XVII, destaca <b><span style="color: lime;">Francisco Herrera el Joven </span></b>( 1.622 - 1.685), que fue pintor y en sus últimos años realizó retablos y ejerció de arquitecto. Él trazó los planos para la Basílica del Pilar, que se inició en 1681, pero tras su muerte el proyecto se modificó.</div>
<br />
<br />
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Junto con Herrera el Joven, José Jimenez Donoso es uno de los pintores-arquitectos del barroco madrileño. Casi todas sus obras arquitectónicas está hoy destruidas, excepto la Casa de la Panadería en la Plaza Mayor madrileña, que Donoso reconstruyó después del incendio de 1672, y que fue proyectada por Juan Gómez de Mora.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2_jFHs87xQgEbaG9JkPVjlUrmKEVoQnY6MWlZecrDDqkS56n1qeMzDM8UOiRvNY15rwzc2Gm4x266iJK5Qt7wD8uoDkA81t3OdbDHnoZfppvIW7mmFTJWyWIJUOVdGbCJNxqFrrpVKKC3/s1600/cas_de_la_panader%C3%83%C2%ADa_plaza_mayor.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="240" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2_jFHs87xQgEbaG9JkPVjlUrmKEVoQnY6MWlZecrDDqkS56n1qeMzDM8UOiRvNY15rwzc2Gm4x266iJK5Qt7wD8uoDkA81t3OdbDHnoZfppvIW7mmFTJWyWIJUOVdGbCJNxqFrrpVKKC3/s320/cas_de_la_panader%25C3%25ADa_plaza_mayor.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<b><u>3.- Barroco Final.</u></b><br />
<br />
El siglo XVIII supone la apoteósis del Barroco. El estilo se hace recargado y exuberante, pero los tres hermanos Churriguera crearán un estilo propio, al margen de la corriente cortesana que trajeron los Borbones.<br />
<b><span style="color: lime;">José Benito Churriguera (1. 665 - 1.725)</span></b> se encargó de realizar retablos en los que emplea columnas solomónicas y los estípites (pilastra trocopiramidal invertida). Este es el retablo de San Esteban de Salamanca. <br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgF8AZdUd5ib8l99U3NPzC4LAVux74S59b_21CnLJst9h0p0b2sEhBpdfT8x0E8nPnd4Q2Ro1fIHyaB2AedoESBRt8yaLCaToztvrm78I2pChg_lcNaNdDinlA-RZKsWWy-rheJxjj48vnw/s1600/Churriguera_retablo_convento_de_san_esteban_altar_mayor.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgF8AZdUd5ib8l99U3NPzC4LAVux74S59b_21CnLJst9h0p0b2sEhBpdfT8x0E8nPnd4Q2Ro1fIHyaB2AedoESBRt8yaLCaToztvrm78I2pChg_lcNaNdDinlA-RZKsWWy-rheJxjj48vnw/s320/Churriguera_retablo_convento_de_san_esteban_altar_mayor.jpg" width="240" /></a></div>
<br />
También se encargó, con un estilo más sobrio y racional, del trazado del Nuevo Batzán.<br />
<br />
Sus hermanos, Joaquín (1.674 - 1.724) y Alberto Churriguera, trabajan en Salamanca. <br />
Del primero es el Colegio de Calatrava.<br />
<br />
<b><span style="color: lime;">Alberto Churriguera (1.676 - 1.750) </span></b>fue el encargado de realizar la plaza Mayor de Salamanca, siguiendo en modelo porticado de Madrid, aunque más recargado. <br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIIgVUFjJplOHD4c0MAgrXyHUKn_WBDA76gfsb6L1Ju0T6UwtFItIknpkSzl5c_Fpxmx99M18wHP43nNyKuyNdtOz9MnYaQBtqO_kXdLE6W2mLoXNjQ5GfgCSs-eoAnRfX769yw4J3b3gX/s1600/235.+XVIII.+Arquitectura+Barroca+-+Plaza+Mayor+%28Salamanca%29.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="215" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIIgVUFjJplOHD4c0MAgrXyHUKn_WBDA76gfsb6L1Ju0T6UwtFItIknpkSzl5c_Fpxmx99M18wHP43nNyKuyNdtOz9MnYaQBtqO_kXdLE6W2mLoXNjQ5GfgCSs-eoAnRfX769yw4J3b3gX/s320/235.+XVIII.+Arquitectura+Barroca+-+Plaza+Mayor+%2528Salamanca%2529.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<b><span style="color: lime;">Pedro Ribe</span></b>ra (1.681 - 1.742), de imaginación desbordante, fue discípulo de José Benito de Churriguera. por lo que continúa con las estípites, la decoración fantasiosa y recargada. Trabajó en Madrid, donde realizó, entre otros, el puente de Toledo, el Cuartel del Conde-Duque, la fuente de la Mariblanca.....</div>
Obra suya es la iglesia de Montserrat, en la calle San Bernardo, que fue prisión femenina tras la Guerra Civil española. en ella observamos las estípites, baquetones encuadrando los vanos, los chipeteles bulbosos...<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPvLdckNK2sYWANvEAOzlHZ-W4yE9hCmu9gur1lMU0dcfPK63mlIHjaVGn3eLNqMwwsXejNQSi1Zd2Mblh19kHPmhfdUfKNU9Ifp-KmSgASPYWV_nnQD7x_sJBg-wjGyzEcDnGpEq1C-AF/s1600/ribera_iglesia_montserrat_madrid.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPvLdckNK2sYWANvEAOzlHZ-W4yE9hCmu9gur1lMU0dcfPK63mlIHjaVGn3eLNqMwwsXejNQSi1Zd2Mblh19kHPmhfdUfKNU9Ifp-KmSgASPYWV_nnQD7x_sJBg-wjGyzEcDnGpEq1C-AF/s320/ribera_iglesia_montserrat_madrid.jpg" width="240" /></a></div>
<br />
Esta es la fachada del antiguo Hospicio de San Fernando, hoy museo Municipal de Madrid. Esta fachada está organizada como un retablo, con dos cuerpos, y en el que el movimiento es muy importante. <br />
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Se va ascendiendo desde la base hasta la hornacina en la que está San Fernando.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Los cortinajes a los lados de las obras, confieren gran teatralidad a esta fachada.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhREMbnBTIY5MoTf9gWjugFaKp-hXtRZzsyMUhXL1dDfRJFo0v01NfWh57eLqHHV1RuS34dViv-PX2PPQcwi8VhU8nlbhj7Z7oe_ecr3IHXc8Pc7N2MHdl6-N-LWK_DjslHCnFsWYstwFrg/s1600/237.+XVIII.+Arquitectura+Barroca+-+Antiguo+Hospicio+%28Madrid%29.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhREMbnBTIY5MoTf9gWjugFaKp-hXtRZzsyMUhXL1dDfRJFo0v01NfWh57eLqHHV1RuS34dViv-PX2PPQcwi8VhU8nlbhj7Z7oe_ecr3IHXc8Pc7N2MHdl6-N-LWK_DjslHCnFsWYstwFrg/s320/237.+XVIII.+Arquitectura+Barroca+-+Antiguo+Hospicio+%2528Madrid%2529.jpg" width="215" /></a></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<br /></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
En Toledo destaca la figura de <b><span style="color: lime;">Narciso Tomé</span></b> (1.690 - 1.742). Su obra más célebre es el transparente de la catedral, en el deambulatorio. Construido para dar más iluminación al sagrario de la capilla, los efectos de la luz y su escenografía es impresionante, ya que mezcla arquitectura, escultura y pintura.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWlkHkViX86NBpzl8JNXkpzf6W_btqVclpIVyZ6dGpMjpxo_ACT5AaQibTCBCJjmJYRTdpypS-sGdlyCjukfDtWS08Zvo8adiSgefuAmqij21KkbvE_3T1O_X0Ta0_VW647wtbw8fjyDiJ/s1600/238.+XVIII.+Arquitectura+Barroca+-+Transparente+de+la+Catedral+%28Toledo%29.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWlkHkViX86NBpzl8JNXkpzf6W_btqVclpIVyZ6dGpMjpxo_ACT5AaQibTCBCJjmJYRTdpypS-sGdlyCjukfDtWS08Zvo8adiSgefuAmqij21KkbvE_3T1O_X0Ta0_VW647wtbw8fjyDiJ/s320/238.+XVIII.+Arquitectura+Barroca+-+Transparente+de+la+Catedral+%2528Toledo%2529.jpg" width="217" /></a></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<br /></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
La arquitectura barroca andaluza tuvo dos focos: Sevilla y Granada. </div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
En SEvilla, <span style="color: lime;"><b>Leonardo de Figueroa </b></span>(1.650 - 1.730) realizó la iglesia de San Luis de los alemanes, con planta de cruz griega y cúpula de anillo ondulado.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdDcVcaPyDjdVICDhu-sKF_IRRQo5sdSDHMwhQS24A27UAdYapfgMd-I-8dEhyphenhyphenc7FcipiIu1SChfoHdNRs27U6imV6fSatEdiSDOGw5H5PlM8cZle8ZghUB3kUncvoUFutGDiv2bj9k0HF/s1600/Leonardo_de_figueroa_IglesiadeSan_Luis_de_los_alemanes.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdDcVcaPyDjdVICDhu-sKF_IRRQo5sdSDHMwhQS24A27UAdYapfgMd-I-8dEhyphenhyphenc7FcipiIu1SChfoHdNRs27U6imV6fSatEdiSDOGw5H5PlM8cZle8ZghUB3kUncvoUFutGDiv2bj9k0HF/s320/Leonardo_de_figueroa_IglesiadeSan_Luis_de_los_alemanes.jpg" width="214" /></a></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<br /></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Esta es la fachada del palacio de San Telmo. Consta de 3 cuerpos encuadrados en haces de columnas muy ornamentadas. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjb1ifB9iJhcB87zD2d76grNhotY3BZ_poLDfWKIyAUDidspVTSEfUIyWCxF93TXcPHGaVt0GuRNyn7voQLV4TcurEJ8rsgU9TLxdPyKbNrO7u4zNfPV7m-d_J1IWNg3SIw9MpQ5gTw1vH/s1600/246.+XVIII.+Arquitectura+Barroca+-+Colegio+de+San+Telmo+%28Sevilla%29.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="240" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjb1ifB9iJhcB87zD2d76grNhotY3BZ_poLDfWKIyAUDidspVTSEfUIyWCxF93TXcPHGaVt0GuRNyn7voQLV4TcurEJ8rsgU9TLxdPyKbNrO7u4zNfPV7m-d_J1IWNg3SIw9MpQ5gTw1vH/s320/246.+XVIII.+Arquitectura+Barroca+-+Colegio+de+San+Telmo+%2528Sevilla%2529.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<br /></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
En Granada, Francisco Hurtado Izquierdo(1.669 - 1.725) realizó el Sagrario de la catedral, en el que predomina la columna salomónica y la profusión de elemento inútiles.</div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1ilT27ylJr1OLifx0NnlvK7xFwq5w__ZZzuihKpi_f5Ko7fePKeRWWG8iloHm4bQ8Oz9apvx7ZppZjh9JRROD9QgsncvGt2lxKfY7KvT4zYOc_LqlAvZ-rkOV7mSJq-ZwAaZPdOtM3B3b/s1600/245.+XVIII.+Arquitectura+Barroca+-+Sacrist%C3%83%C2%ADa+de+la+Cartuja+%28Granada%29.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1ilT27ylJr1OLifx0NnlvK7xFwq5w__ZZzuihKpi_f5Ko7fePKeRWWG8iloHm4bQ8Oz9apvx7ZppZjh9JRROD9QgsncvGt2lxKfY7KvT4zYOc_LqlAvZ-rkOV7mSJq-ZwAaZPdOtM3B3b/s320/245.+XVIII.+Arquitectura+Barroca+-+Sacrist%25C3%25ADa+de+la+Cartuja+%2528Granada%2529.jpg" width="215" /></a></div>
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No podemos terminar el barroco final, sin hablar de la corriente cortesana asociada a los borbones. Se trata de autores extranjeros traídos por Felipe V. Su arquitectura es más sobria y monumental, siguiendo los modelos francés e italiano.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
EL palacio Real de Madrid, obra de Juvara y Sachetti, es un claro ejemplo. Se trata de un palacio de planta rectangular en torno a un patio central. Está flanqueado por torreones en las esquinas que sobresalen en altura. El exterior recuerda a una fortaleza y no establece una vinculación con su contexto urbano, a pesar de su ajardinamiento a la francesa.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhB6nOxftZiJQGVlfhEUW-hUj2CPMtu_YbWhYhZZOG1qdsz32oJz-84JTW5uZcDobYjztGI9fcvxXjG6EiTfaVmw0lZcFY_d8TtTzEs8GZ03zHoj8q53XluT5e3aPDcWsfTrRdn44bbDTWu/s1600/239.+XVIII.+Arquitectura+Barroca+-+Palacio+Real.+Exterior+%28Madrid%29.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="215" j6="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhB6nOxftZiJQGVlfhEUW-hUj2CPMtu_YbWhYhZZOG1qdsz32oJz-84JTW5uZcDobYjztGI9fcvxXjG6EiTfaVmw0lZcFY_d8TtTzEs8GZ03zHoj8q53XluT5e3aPDcWsfTrRdn44bbDTWu/s320/239.+XVIII.+Arquitectura+Barroca+-+Palacio+Real.+Exterior+%2528Madrid%2529.jpg" width="320" /></a></div>
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Otra obra de estos este estilo, es el palacio de La Granja (Segovia), cuyo esquema e inicio fue obra de Teodoro Ardemans, y que fue modificado por Sachetti y Juvara.</div>
</div>
Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-42718256125260375792010-12-22T23:39:00.002+01:002013-09-02T15:14:21.097+02:00La pintura holandesa: Rembrandt, Hals y Veermer.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
El cliente principal de los pintores holandeses son los burgueses, por lo que van a demandar, principalmente, cuadros de pequeño formato para decorar sus casas.<br />
Los temas suelen ser retratos (individuales y colectivos), escenas costumbristas, bodegones, paisajes, etc. <br />
<br />
<b><span style="color: red;">1.- Rembrandt Van Rijn (1.606-1669)</span></b><br />
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLqo71X-0GaXT0w7wgNwO_OLKGjlacmyn85BBMtx-yusdsijdFdhBtmJEGSr-GtUrzNld-rxFEfUNqF243Y9htGKp-4heCOjLg9CnXnlTidK5aXCc-8nCS3uEvFJNy3rQtoG8vllgu9R4t/s1600/575.+XXIX.+El+Barroco+en+Los+Pa%C3%83%C2%ADses+Bajos+-+Autorretrato.+Rembrandt+Van+Rijn+%28Viena.+Museo+de+Historia+del+Arte%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLqo71X-0GaXT0w7wgNwO_OLKGjlacmyn85BBMtx-yusdsijdFdhBtmJEGSr-GtUrzNld-rxFEfUNqF243Y9htGKp-4heCOjLg9CnXnlTidK5aXCc-8nCS3uEvFJNy3rQtoG8vllgu9R4t/s320/575.+XXIX.+El+Barroco+en+Los+Pa%25C3%25ADses+Bajos+-+Autorretrato.+Rembrandt+Van+Rijn+%2528Viena.+Museo+de+Historia+del+Arte%2529.jpg" width="215" /></a>Es la figura más importante del barroco holandés, aunque sus contemporáneos no lo vieron así.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Este pintor are un habitual de las subastas, donde adquiría cuadros para aumentar su colección y también con fines especulativos. Su afición al dinero ha llegado hasta nosotros. Sus discípulos pintaban monedas en el suelo y se divertían viendo como se inclinaba a recogerlas. </div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
La fidelidad a su propio estilo y el rechazo a adaptarse a nuevos gustos pictóricos le alejaron del favor del público.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
En sus últimos años su obra es más profunda y espiritual.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Su <b><span style="color: red;">estilo</span></b> parte del claroscuro (conoció a Caravaggio) sin embargo, en sus obras el límite entre la luz y las sobras no es tajante, lo que crea unas penumbras que dan una atmósfera fantástica y misteriosa a sus obras. </div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
En las zonas oscuras, las formas quedan sumergidas por manchones densos y amplios de pasta cromática.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Técnicamente, su pincelada prieta y dibujística de los primeros años evoluciona posteriormente hacia una factura suelta y de empaste, a base de gruesas manchas de color.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
No abandonó el realismo típico de la pintura holandesa, pero lo impregna de un idealismo y una espiritualidad que le alejo de sus contemporáneos.</div>
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En lo que se refiere a su obra, cultivó todos los géneros, también el religioso. Elige escenas bíblicas y evangélicas que trata con gran emotividad y sentimiento, como se puede ver en su <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Descendimiento_de_la_cruz_%28Rembrandt%29">"descendimiento".</a></div>
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Esta es la negación de San Pedro.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0G8jE36Kdc7zmP2BqX7dnkcDyBotn2iaDK_gf3Kpipda5TDJGCwpLFfP4CUy8HYRz91VNjNVldtPqB0JNq7rxTZXo8_cS7lk_2zynUAQjW1kWFw0yX-ytPLHRizUtQTMQyoTP-omFd_Eb/s1600/578.+XXIX.+El+Barroco+en+Los+Pa%C3%83%C2%ADses+Bajos+-+San+Pedro+Negando+al+Se%C3%83%C2%B1or.+Rembrandt+Van+Rijn+%28Amsterdam.+Ryjksmuseum%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="215" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0G8jE36Kdc7zmP2BqX7dnkcDyBotn2iaDK_gf3Kpipda5TDJGCwpLFfP4CUy8HYRz91VNjNVldtPqB0JNq7rxTZXo8_cS7lk_2zynUAQjW1kWFw0yX-ytPLHRizUtQTMQyoTP-omFd_Eb/s320/578.+XXIX.+El+Barroco+en+Los+Pa%25C3%25ADses+Bajos+-+San+Pedro+Negando+al+Se%25C3%25B1or.+Rembrandt+Van+Rijn+%2528Amsterdam.+Ryjksmuseum%2529.jpg" width="320" /></a></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOgYP_eX9n9l3ezwUPv_eDODG5_ACjYFmC98Eo2ECwuhpkfN_evo8WwF1brqPngLeCzzqkgcvCFdUOsGpJyHe9zsRQ-lXbL-7vPA5kTYEs9qJ4-emST4IZOvj-awc7-_22rVzAoNFQYYgM/s1600/576.+XXIX.+El+Barroco+en+Los+Pa%C3%83%C2%ADses+Bajos+-+Ronde+de+Noche.+Rembrandt+Van+Rijn+%28Amsterdam.+Ryjksmuseum%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="215" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOgYP_eX9n9l3ezwUPv_eDODG5_ACjYFmC98Eo2ECwuhpkfN_evo8WwF1brqPngLeCzzqkgcvCFdUOsGpJyHe9zsRQ-lXbL-7vPA5kTYEs9qJ4-emST4IZOvj-awc7-_22rVzAoNFQYYgM/s320/576.+XXIX.+El+Barroco+en+Los+Pa%25C3%25ADses+Bajos+-+Ronde+de+Noche.+Rembrandt+Van+Rijn+%2528Amsterdam.+Ryjksmuseum%2529.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Este cuadro es su "Ronda de noche". El barniz utilizado en una restauración oscureció el lienzo, lo que provocó que se le asignara, erróneamente, este titulo. Hoy sabemos que la acción se desarrolla a medio día y que probablemente represente un desfile de las milicias cívicas con motivo de la visita de María de Medicis a Amsterdam en 1.638.</div>
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También tiene obras mitológicas ("Danae"), históricas ("Aristóteles contemplando el busto de Homero")...</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Pero los retratos son los que ocupan un lugar más importante en su actividad pictórica. En ellos captura la psicología del retratado y penetra prifundamente en su alma.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Destacan los retratos individuales como el de Claudius Civilis, o los colectivos, donde consigue individualizar a cada personaje. Esta es, quizás, una de sus obras más conocidas: "La lección de anatomía del Dr. Tulp".</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3PQspbTTk8HpE54CaBdOfCM2lhW4TRniLjs9Rs-tq2G98GdIvp3WDoYaHpVvoxc86n4OkD748moXki_QUormGX3A8f-sKqd8W1angD_g4CRjrK0i92mch7D6noIFyhyphenhyphenIE-YoSheAQK1Qk/s1600/Rembrandt_leccion_anatomia_dr_tulp.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="239" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3PQspbTTk8HpE54CaBdOfCM2lhW4TRniLjs9Rs-tq2G98GdIvp3WDoYaHpVvoxc86n4OkD748moXki_QUormGX3A8f-sKqd8W1angD_g4CRjrK0i92mch7D6noIFyhyphenhyphenIE-YoSheAQK1Qk/s320/Rembrandt_leccion_anatomia_dr_tulp.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Si analizamos la obra en detalle, podemos ver que la luz, irreal y artificiosa, procede de arriba y acentúa en contraste entre la frialdad del cuerpo desnudo del cadáver y la calidez de los rostros de los asistentes a la clase de anatomía.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Este es el primer retrato de grupo de Rembrandt, y ya introduce cambios en la concepción tradicional de los retratos colectivos. En la pintura holandesa del S. XVII, las corporaciones profesionales encargaban retratos grupales a los artista para exponerlos en sus sedes. La costumbre exigía que se respetase la jerarquía y el rango de cada uno, pero aquí Rembrandt se olvida de esta jerarquía y lo subordina a la acción narrativa de la obra, con lo que rompe con la rigidez de los anteriores retratos grupales. La composición de los personajes es piramidal.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
A pesar de que el cadáver es el centro de atención , ninguno de los siete personajes repara en él: los tres individuos del centro, que conforman una forma triangular, miran las pinzas y el brazos, los otros cuatro miran al espectador o al rostro del doctor; y el doctor fija la vista en algún punto situado fuera del cuadro.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Este cuadro se basa en un hecho real: la lección pública de anatomía que dio el Dr, Tulp en 1.632 sobre el funcionamiento de los tendones de un brazo, utilizando para ello a un ahorcado. Fue un acontecimiento destacado porque el Ayuntamiento cedía un cuerpo humano una vez al año y los cirujanos se veían obligados a aprender el oficio con libros o muestras conservadas. Se cree que el propio Rembrandt acudió a esta lección.</div>
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<b><span style="color: yellow;">2.- Frans Hals (1.580? - 1.666)</span></b></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Trabajó como retratista casi toda su vida. Sus cuadro son retratos, individuales y colectivos, donde domina la familiaridad, la falta de solemnidad, y en donde prevalece la alegría y vivacidad.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Este es el retrato de Willen Van Heythuysen</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgK9r6JNhXGUtwAvTn37gWwgy68K1MV8-loRXrYavb0c4YHO54orYfV2Rtx-SFOnwq3NJwVYQ82Lup5xqY8uS9oW_YXcvj44zEcrThyOyqR9I9luj8aKJKKrCaWyMimeXDIu1_m2StrBsxY/s1600/573.+XXIX.+El+Barroco+en+Los+Pa%C3%83%C2%ADses+Bajos+-+Retrato+de+Van+Heythuysen.+Frans+Hals+%28Bruselas.+Museo+Real%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgK9r6JNhXGUtwAvTn37gWwgy68K1MV8-loRXrYavb0c4YHO54orYfV2Rtx-SFOnwq3NJwVYQ82Lup5xqY8uS9oW_YXcvj44zEcrThyOyqR9I9luj8aKJKKrCaWyMimeXDIu1_m2StrBsxY/s320/573.+XXIX.+El+Barroco+en+Los+Pa%25C3%25ADses+Bajos+-+Retrato+de+Van+Heythuysen.+Frans+Hals+%2528Bruselas.+Museo+Real%2529.jpg" width="206" /></a></div>
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En los retratos colectivos supera la simple yuxtaposición de figuras, consiguiendo conjuntos armoniosos y exentos de rigidez que reflejan el carácter de la comunidad. Estos son sus "Regentes del Hospicio".</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHCaXtYKoVRnUKURywidzIL9kfhuaWS4TnBn5qOeCS4518pQuZ4XtKS7IMWXOkLWC-NLDmnM5b4GMgy6TKSXI6OJlUw6eG8WxKRcSYdWMDR9T0sdyt6n17EG-kWMeraoH1Tfr4accXIsf1/s1600/574.+XXIX.+El+Barroco+en+Los+Pa%C3%83%C2%ADses+Bajos+-+Regentes+del+Hospicio.+Frans+Hals+%28Harlem.+Museo+Frans+Hals%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="215" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHCaXtYKoVRnUKURywidzIL9kfhuaWS4TnBn5qOeCS4518pQuZ4XtKS7IMWXOkLWC-NLDmnM5b4GMgy6TKSXI6OJlUw6eG8WxKRcSYdWMDR9T0sdyt6n17EG-kWMeraoH1Tfr4accXIsf1/s320/574.+XXIX.+El+Barroco+en+Los+Pa%25C3%25ADses+Bajos+-+Regentes+del+Hospicio.+Frans+Hals+%2528Harlem.+Museo+Frans+Hals%2529.jpg" width="320" /></a></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1DW8ITwnJ6IJwIkYjm5QkKYQi4QkbrwNLNKxuFuofz6ORJU7qdO4IGE6m179tdkjp2Ymn1Ht42b9fY3bpPirCP-kDpIB0bz1Y0zSqFwC5G-oLNU8Hv0qT_Zs0RNvaXfFr0cVd4hIqZhTV/s1600/vermeer_lechera.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><b><span style="color: cyan;"></span></b></a><b><span style="color: cyan;">3.- Johannes Vermeer de Delft (.1632-1.675).</span></b></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Destacan las escenas de interior, en las que muestra la placidez y la serenidad de la vida doméstica. En ellas se aprecia la sencillez y el realismo de esos personajes que realizan labores cotidianas como bordar, leer una carta, cocinar.. Esta es su lechera. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1DW8ITwnJ6IJwIkYjm5QkKYQi4QkbrwNLNKxuFuofz6ORJU7qdO4IGE6m179tdkjp2Ymn1Ht42b9fY3bpPirCP-kDpIB0bz1Y0zSqFwC5G-oLNU8Hv0qT_Zs0RNvaXfFr0cVd4hIqZhTV/s1600/vermeer_lechera.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1DW8ITwnJ6IJwIkYjm5QkKYQi4QkbrwNLNKxuFuofz6ORJU7qdO4IGE6m179tdkjp2Ymn1Ht42b9fY3bpPirCP-kDpIB0bz1Y0zSqFwC5G-oLNU8Hv0qT_Zs0RNvaXfFr0cVd4hIqZhTV/s320/vermeer_lechera.jpg" width="283" /></a></div>
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Esta es la muchacha de la perla.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgF3US4obpMtnxOhapfGUVvDxHnG_bgeuZnhrUuu3cyUbCTEuOuDPx73Kiqb33fqf8wLl8HxoQGmzzAMgjavCcEfiTnwSYa7RLQptcbQr0YSKeNCM1pM1jOzWQhbnBeGExrcCEvEcg0psI2/s1600/vermeer_chica_de_la_perla.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgF3US4obpMtnxOhapfGUVvDxHnG_bgeuZnhrUuu3cyUbCTEuOuDPx73Kiqb33fqf8wLl8HxoQGmzzAMgjavCcEfiTnwSYa7RLQptcbQr0YSKeNCM1pM1jOzWQhbnBeGExrcCEvEcg0psI2/s1600/vermeer_chica_de_la_perla.jpg" /></a></div>
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Esta es su "Carta de Amor"</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDGzJekdjtPxdZqnwC0hOCC9BIAi6F-5K4uLhTAdfulQK0L5Xpnmrc-kMffMwiEC-aPfXwNH_ENETyCQM0i3u-P8LSbAzH_kM1qX-1IEtZfDX7ed8KJO8D7iorodfLwmgNiEo9TnSY9LYn/s1600/584.+XXIX.+El+Barroco+en+Los+Pa%C3%83%C2%ADses+Bajos+-+Carta+de+Amor.+Vermeer+de+Delft+%28Amsterdam.+Ryjksmuseum%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDGzJekdjtPxdZqnwC0hOCC9BIAi6F-5K4uLhTAdfulQK0L5Xpnmrc-kMffMwiEC-aPfXwNH_ENETyCQM0i3u-P8LSbAzH_kM1qX-1IEtZfDX7ed8KJO8D7iorodfLwmgNiEo9TnSY9LYn/s320/584.+XXIX.+El+Barroco+en+Los+Pa%25C3%25ADses+Bajos+-+Carta+de+Amor.+Vermeer+de+Delft+%2528Amsterdam.+Ryjksmuseum%2529.jpg" width="216" /></a></div>
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En sus obras destaca la luz: clara y diáfana, que suele penetrar en la estancia por una ventana lateral.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Sus cuadros tienen un bello y rico cromatismo.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Su pincelada es corta y suave. Destacan los paisajes de su ciudad natal: Delft.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgv-dYzSdYFeInPdSuNjfZ_fWYSlCoOjOB6IjLlwqvuolV8IzKuXMoM8ed9wrM25W1y6cm8wH_125JXVVKfav4Do4x3kT_ob0UjnLanDj7Xa3IBsh9ZYCjeqAv2qSSyZ_g02z-kU6PhGPqX/s1600/vermeer_vista_de_delf.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="267" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgv-dYzSdYFeInPdSuNjfZ_fWYSlCoOjOB6IjLlwqvuolV8IzKuXMoM8ed9wrM25W1y6cm8wH_125JXVVKfav4Do4x3kT_ob0UjnLanDj7Xa3IBsh9ZYCjeqAv2qSSyZ_g02z-kU6PhGPqX/s320/vermeer_vista_de_delf.jpg" width="320" /></a></div>
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Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-74352979405034038522010-12-22T23:20:00.001+01:002013-09-02T15:15:31.698+02:00La Pintura Barroca en Flandes: Rubens, Van Dyck y Jordaens.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
El siglo XVII viene marcado por los constantes enfrentamientos entre católicos y protestante y el desarrollo del comercio. Los clientes fueron aristócratas, burgueses y la Iglesia, por lo que la temática va a ser bastante variada: hay temas religiosos, profanos, retratos, etc.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
La figura principal es Rubens. Discípulos suyos son Van Dyck y Jordaens.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<b><u><span style="color: lime;">-Pedro Pablo Rubens (1.577-1640):</span></u></b></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Es la figura más importante de la pintura flamenca y del arte europeo del s. XVII.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Entre 1.600 y 1.608 vivió en Roma, donde estudió a Mantegna, Tiziano, Tintoreto, Veronés, Rafael y a sus contemporáneos Carracci y Caravagio.</div>
Viajó a España, donde conoció a Velázquez. En esta primera etapa demuestra sus dotes como retratista, como se observa en este retrato ecuestre del Duque de Lerma.<br />
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3ozK5BvIMdpN3DdB3a_gd7TDBa5bamiHACsrjCo8E3wclIBS-o8coe98elbCiffN9d4vJE-0uq5V8C1O4BUX04DqQrq1awykNol242Jb8qeXcvAAPQgXXiojD6kTqyTUbg3yX0pRBocWp/s1600/Rubens-duque-lerma.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3ozK5BvIMdpN3DdB3a_gd7TDBa5bamiHACsrjCo8E3wclIBS-o8coe98elbCiffN9d4vJE-0uq5V8C1O4BUX04DqQrq1awykNol242Jb8qeXcvAAPQgXXiojD6kTqyTUbg3yX0pRBocWp/s320/Rubens-duque-lerma.jpg" width="227" /></a></div>
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<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
De regreso a Flandes, comenzó a trabajar como pintor de la corte de los reyes españoles, e inició una fructífera carrera. Rubens abrió su taller para satisfacer las demandas de su clientela. En él trabajan artistas de renombre como Van Dick y Jordaens. El maestro hacía los bocetos y las figuras principales y las más destacadas de la obra. El resto lo hacían sus aprendices.</div>
También fue diplomático, por lo que viajó por toda Europa.<br />
<br />
En su <b>estilo</b>, domina el <b>dinamismo</b> y la <b>vitalidad</b>. Sus <b>composiciones</b> son <b>abiertas</b> <b>y en diagonal</b>, lo que da mayor sensación de movimiento. <br />
Sus <b>tonos</b> son c<b>álidos</b>, debido a la influencia de la escuela veneciana y, en especial, de Tiziano en los que se refiere a la <b>pincelada suelta y deshecha</b>. Los colores no se yuxtaponen, se introducen los unos en los otros.<br />
La <b>temática</b> de sus cuadros es muy variada: hay temas religiosos, mitológicos, retratos, paisajes...<br />
Tiene predilección por los desnudos femeninos. Sus mujeres son voluminosas y palpitan vida y acción. <br />
Dentro del <b>género religioso,</b> sus obras son grandes composiciones fieles al estilos de la Contrarreforma.<br />
Esta es "La adoración de los Reyes Magos" del Museo del Prado.<br />
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3GaRTl_0UQf2K7jVgyapbf84OA_Zy4E5es-e6D-XWxl6FAWhKSRvXHus7UXeJ-lVDHvKR7wdr-TBaf29_Lc0KEYzopqVUdQlOixGJl40KvQQsKByaRHXsWYHkcu38d8im-dxKAvFVVhuX/s1600/RUBENS---LA-ADORACION-DE-LOS-MAGOS_prado.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="222" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3GaRTl_0UQf2K7jVgyapbf84OA_Zy4E5es-e6D-XWxl6FAWhKSRvXHus7UXeJ-lVDHvKR7wdr-TBaf29_Lc0KEYzopqVUdQlOixGJl40KvQQsKByaRHXsWYHkcu38d8im-dxKAvFVVhuX/s320/RUBENS---LA-ADORACION-DE-LOS-MAGOS_prado.jpg" width="320" /></a></div>
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Este es "El Descendimiento de la cruz" de la Catedral de Amberes.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgt5kWPutTJGRH5mbkwUE7mThEp66A1cmNJsWcU_f-MuIQR4DrUXfTUZ55EgS1aZ-P6WNTuy2ayyM9BOCwoxtViIUXmAiY-p_7QQQf2tUO9IJhwPjdz4mN7yJ2tBMkGB2_5Lg9tFzTouZ4K/s1600/rubens_descendimiento_de_la_cruz_catedral_amberes.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="206" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgt5kWPutTJGRH5mbkwUE7mThEp66A1cmNJsWcU_f-MuIQR4DrUXfTUZ55EgS1aZ-P6WNTuy2ayyM9BOCwoxtViIUXmAiY-p_7QQQf2tUO9IJhwPjdz4mN7yJ2tBMkGB2_5Lg9tFzTouZ4K/s320/rubens_descendimiento_de_la_cruz_catedral_amberes.jpg" width="320" /></a></div>
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Entre sus <b>obras mitológicas </b>destaca este "Rapto de las hijas de Leucipo"<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_QhkrKxyv4XQSm2or50ACrqHLY4HCUig_wp406cgXm7VEXq8VKWr2MdImrEN7yaV2L0SUKtvfSJGd-FeGqQpNURDagKoD2h-_tkWOf7kERK3wRj2OccmHi-HT3bdoF8DVhGV66kREEsNu/s1600/rubens_rapto_hijas_leucipo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_QhkrKxyv4XQSm2or50ACrqHLY4HCUig_wp406cgXm7VEXq8VKWr2MdImrEN7yaV2L0SUKtvfSJGd-FeGqQpNURDagKoD2h-_tkWOf7kERK3wRj2OccmHi-HT3bdoF8DVhGV66kREEsNu/s320/rubens_rapto_hijas_leucipo.jpg" width="287" /></a></div>
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"La creación de la Vía ´Lactea" <br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLz4A2hcJ2xqw9jy_OtV019t-pPaOtOpIKSzHcq91c-LkdObDLDGPDRbnujR9X5UzDEVoS7-PiQ9b344XBOJYECO0x1Tzr0BYcbcFFNWHlmgcyZcLVTp3lDKDoQ9BBslOhfQJmafRHe8Dt/s1600/Rubens_La_creacin_de_la_via_lactea.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="238" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLz4A2hcJ2xqw9jy_OtV019t-pPaOtOpIKSzHcq91c-LkdObDLDGPDRbnujR9X5UzDEVoS7-PiQ9b344XBOJYECO0x1Tzr0BYcbcFFNWHlmgcyZcLVTp3lDKDoQ9BBslOhfQJmafRHe8Dt/s320/Rubens_La_creacin_de_la_via_lactea.jpg" width="320" /></a></div>
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<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<br /></div>
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<br />
"El jardín del Amor"<br />
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Y su obra más conocida: "Las Tres Gracias", donde se aprecian esas pinceladas largas y brillantes.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhu-3faWnKa9oSaz5va53alJvPqGrneiaCGRe6joFpRtU9B9A1H1gYjMJFL5wR0_yl7ofOzTHD6lr8C2_18OnDwKBOIo3oim_10049T7S90-v-QWdKZjIjwA7S3fCm3aCUHMYizWyFd77Fe/s1600/rubens_las-tres-gracias-rubens-fd.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhu-3faWnKa9oSaz5va53alJvPqGrneiaCGRe6joFpRtU9B9A1H1gYjMJFL5wR0_yl7ofOzTHD6lr8C2_18OnDwKBOIo3oim_10049T7S90-v-QWdKZjIjwA7S3fCm3aCUHMYizWyFd77Fe/s320/rubens_las-tres-gracias-rubens-fd.jpg" width="256" /></a></div>
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El color de las carnes blandas de las gracias es fruto de la combinación de tres colores primarios: rojo, amarillo y azul. (Fijaros bien en el tono de la piel, qué solo Rubens consigue. Es fácil adivinar que es una obra de Rubens por su color.)<br />
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El cuadro representa, siguiendo la mitología griega, a las tres gracias (Eufrosina, Talía y Aglae), hijas de Zeus y de la ninfa Eurymona, y que eran las diosas del encanto, la alegría y la belleza. </div>
La diosa de la derecha es la primera mujer del pintor (Isabella Brandt) y la de la izquierda es su segunda esposa (Helene Fourment)..<br />
Como su situación económica se lo permitía, Rubens guardo este cuadro hasta su muerte. Tras lo cual, se subastaron sus obras y Felipe IV la adquirió. <br />
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Como retratista, Rubens refleja la psicología del retratado, sin descuidar la exaltación de este, como se aprecia en este "Enrique IV recibiendo el retrato de María de Medicis"<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrHccwJDcZSKZO_7I__CIhDppM6HUnIzqB14NWJch7oHIuhVOX0Q2sby83Lg5Aoq6WTFdamDNVA1fy-Prm_hm4t4IzFD5mHmc6nKXPwbTg-D8DprJc65y5raNoDwYwu74LbPQSEQGFDIdk/s1600/rubens_Henry_IV_Receives_the_Portrait_m%C3%82%C2%AA_medicis.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrHccwJDcZSKZO_7I__CIhDppM6HUnIzqB14NWJch7oHIuhVOX0Q2sby83Lg5Aoq6WTFdamDNVA1fy-Prm_hm4t4IzFD5mHmc6nKXPwbTg-D8DprJc65y5raNoDwYwu74LbPQSEQGFDIdk/s320/rubens_Henry_IV_Receives_the_Portrait_m%25C2%25AA_medicis.jpg" width="251" /></a></div>
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o en este retrato de María de Medicis, con el que crea un tipo de retrato de tres cuartos que se prolongará durante el barroco posterior.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPZ8hFkWwMcmq3HH-jSIfdCazPuMv-d7Mz2DxPWaYsIrjtOz25uomUf8wrTA0yY42t06j3w-WtmJTmVcM13j2NvNrBv8QQt_6TINPOx7OgohuDyTsZHbp7QjzVhPvsgZSBoxB60A6y2lqo/s1600/rubes_retrato-de-maria-de-medicis.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPZ8hFkWwMcmq3HH-jSIfdCazPuMv-d7Mz2DxPWaYsIrjtOz25uomUf8wrTA0yY42t06j3w-WtmJTmVcM13j2NvNrBv8QQt_6TINPOx7OgohuDyTsZHbp7QjzVhPvsgZSBoxB60A6y2lqo/s320/rubes_retrato-de-maria-de-medicis.jpg" width="242" /></a></div>
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<b><span style="color: cyan;">2.- Antoon Van Dyck (1.599 - 1641)</span></b><br />
Se formó en Amberes en la escuela de Rubens, de quien aprendió la técnica y algo de su estilo.<br />
Luego viajó a Italia donde estudió a los pintores del s. XVI y se sintió atraído por el colorido veneciano y por el claroscuro de los tenebristas.<br />
En Inglaterra fue pintor de cámara de Carlos I, por lo que los retratos son lo más conocido de su producción. Todos ellos tienen varias características en común: <br />
<ul>
<li>son de cuerpo entero, </li>
<li>en ellos domina la elegancia, la delicadeza y la distinción, </li>
<li> tiende a adelgazar las formas,</li>
<li>y sus manos, de dedos largos, puntiagudos y caídos, son inconfundibles. </li>
</ul>
En su etapa inglesa, el colorido es más frío, con transparencias grises y plateadas. Introduce pajes, caballos o perros para encuadrar sus obras.<br />
Su influencia en Inglaterra fue tal, que marcó el retrato inglés del s. XVIII.<br />
Este es un retrato de Carlos I de caza.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg02xSrIJ1e7DdIkNVy6VfklqBY_p5hsQS2kXIQDxbCsJB-v4vD4m8i_TryZnZtHgim67bxVkHiAZaByiPEG4Yy2lU4u5k58PplJsmP8B-cNOAMw_KgIHDp0pWKs4YJyDOnYnd9QGW_QmHn/s1600/vandyck_carlos_i_cazador.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg02xSrIJ1e7DdIkNVy6VfklqBY_p5hsQS2kXIQDxbCsJB-v4vD4m8i_TryZnZtHgim67bxVkHiAZaByiPEG4Yy2lU4u5k58PplJsmP8B-cNOAMw_KgIHDp0pWKs4YJyDOnYnd9QGW_QmHn/s320/vandyck_carlos_i_cazador.jpg" width="247" /></a></div>
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Aquí tenemos un autorretrato de Van Dyck y E. Porlier.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRk2j5RxlxOFQQjaF26qa7I0ZFti9sKSCRj53h6dxuINkKso1k9nT2qu3obZ-SXs-AKzatlbD6XqpuBHG5t8S2Eh0gV2iJWcW_3lm9OvUy2N4NUj8ZYg49CXzk2gwGDRykN7-r6PyI5Xrn/s1600/VanDyck1_AgendadeReflexion_autorretrato_con_e_porlier.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="291" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRk2j5RxlxOFQQjaF26qa7I0ZFti9sKSCRj53h6dxuINkKso1k9nT2qu3obZ-SXs-AKzatlbD6XqpuBHG5t8S2Eh0gV2iJWcW_3lm9OvUy2N4NUj8ZYg49CXzk2gwGDRykN7-r6PyI5Xrn/s320/VanDyck1_AgendadeReflexion_autorretrato_con_e_porlier.jpg" width="320" /></a></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTkUQcKLbEPL5GQoYfeBSMMIc7pKdk5EgZSoY2r0H_uFn3IhK88Viiga-PTQn1ZhrFYhL8pf3DKAIaf0u5_SBzPiKIJV1zPiVOe7V3rJ31izHqLXykooOtuqUL_j9rAY0rVkSZH_dyYaZ4/s1600/jordaens_piedad_prado.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTkUQcKLbEPL5GQoYfeBSMMIc7pKdk5EgZSoY2r0H_uFn3IhK88Viiga-PTQn1ZhrFYhL8pf3DKAIaf0u5_SBzPiKIJV1zPiVOe7V3rJ31izHqLXykooOtuqUL_j9rAY0rVkSZH_dyYaZ4/s1600/jordaens_piedad_prado.jpg" /></a><b><span style="color: magenta;">3.- Jacob Jordaens (1.593-1.678)</span></b>También fue discípulo de Rubens. Era protestante, por lo que se inclinó por los temas populares. sus obras reflejan la vida cotidiana de las clases humildes. </div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Aún así, tiene obra religiosas como esta Piedad del Prado.</div>
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<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Su cuadros tienen matices tenebristas, en los que abundan los personajes vulgares y toscos.</div>
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<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
En ocasiones mezcla en sus cuadros de género la mitología y el realismo de la vida aldeana.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Este cuadro es "El rey bebe".</div>
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKGxNz_sBfusgazdYrSi5qm6FiW-9wk2G1ldQLbYm_FEVB3FLI-FE_DHqGpQd879KBbQGbDGBHCAc1saB0Yaap6NPSvuvb-ew13OYHu1gI0O8Z4VtSdtAo5JGr6uSaq977cSJmYhvURezC/s1600/jordaens_el_rey_bebe.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKGxNz_sBfusgazdYrSi5qm6FiW-9wk2G1ldQLbYm_FEVB3FLI-FE_DHqGpQd879KBbQGbDGBHCAc1saB0Yaap6NPSvuvb-ew13OYHu1gI0O8Z4VtSdtAo5JGr6uSaq977cSJmYhvURezC/s1600/jordaens_el_rey_bebe.jpg" /></a></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
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Son escenas de espíritu flamenco, agradable y alegre, representadas con un vigor formal y compositivo. </div>
Emplea una pincelada prieta, alisando superficies.<br />
El vigor y los tonos cálidos recuerdan a Rubens.<br />
Este es un retrato del autor y su familia, que está en el Prado. <br />
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhA2H1WJc6-nA0UEUMJ6jChBKFo49frgtfcplBNFEQOa4Jux0YVexUzytSsKFXLiQPS4pAqp2lsmwiUdldEJwsi5k0BoUvDFeaBvZn4ddto6T2WJFO4-n6C2asbxiGVTdIgDHX8hK-xgKvW/s1600/jordaens_The_Family_of_the_Artist_by_Jacob_Jordaens.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhA2H1WJc6-nA0UEUMJ6jChBKFo49frgtfcplBNFEQOa4Jux0YVexUzytSsKFXLiQPS4pAqp2lsmwiUdldEJwsi5k0BoUvDFeaBvZn4ddto6T2WJFO4-n6C2asbxiGVTdIgDHX8hK-xgKvW/s1600/jordaens_The_Family_of_the_Artist_by_Jacob_Jordaens.jpg" /></a></div>
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Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-3552354850266905982010-12-18T23:53:00.000+01:002013-09-02T15:15:56.475+02:00La pintura barroca francesa<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Los siglos XVII y XVIII son los siglos de oro de la pintura europea.</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
Todos los artistas acuden a Roma y son contínuos los intercambios de pintores entre las cortes de Madrid, París, Londres, La Haya....</div>
En Francia, el maniersimo pervive hasta principios del XVII. Pasado este tiempo, la pintura barroca francesa surge con dos vertientes:<br />
<ul>
<li>la naturalista, vinculad a la iglesia y la burguesía, influida por el estilo de Carracci y Caravaggio.</li>
<li>la clasicista, influida por el arte de la corte de Luis XIV.</li>
</ul>
1.- La tendencia naturalista.<br />
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<span style="color: magenta;"><b>Simon de Vouet</b></span> estuvo influido, en su primera época, por Caravaggio, como se aprecia en sus obras religiosas, como esta última cena.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGL-3BK5IA1MipkGRuXB5OazfLoJP9zttkyAXear_hUQTVn3q9vKjg_I61H4jKoNNcYNemd8Fvi2xLKvXXYUKss2M8n1W20rk58NmrW6LPZOque1xyOAeQ-em-C6KK4MvpbiNJoTIQp4eS/s1600/Simon_de_Vouet_ultima_cena.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGL-3BK5IA1MipkGRuXB5OazfLoJP9zttkyAXear_hUQTVn3q9vKjg_I61H4jKoNNcYNemd8Fvi2xLKvXXYUKss2M8n1W20rk58NmrW6LPZOque1xyOAeQ-em-C6KK4MvpbiNJoTIQp4eS/s400/Simon_de_Vouet_ultima_cena.jpg" width="253" /></a></div>
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Tras su etapa italiana realizó obras mitológicas como este "Rapto de Europa".<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6ffo4xcBJa8fdj_etkcOGGXh4TbcgFwwDYPEhnHs1ti4YGrwKl_ybPspofTK1iTHDbAsrYf2bSwUStXDUeAclDhgiuXh-c3a-zwpTxUqimZArf_XBBl45TlMnb-Hz0MwHt06CglMiYHHX/s1600/Simon_de_Vouet_3elraptodeeuropa1640leo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6ffo4xcBJa8fdj_etkcOGGXh4TbcgFwwDYPEhnHs1ti4YGrwKl_ybPspofTK1iTHDbAsrYf2bSwUStXDUeAclDhgiuXh-c3a-zwpTxUqimZArf_XBBl45TlMnb-Hz0MwHt06CglMiYHHX/s320/Simon_de_Vouet_3elraptodeeuropa1640leo.jpg" width="247" /></a></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
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<br /></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
<br /></div>
También hay que destacar a los tres hermanos <b><span style="color: lime;">Le Nain</span></b> con una pintura de rudo realismo. Entre ellos destaca Louis, con un suave tenebristmo y con obras de temática campesina como esta "Comida de campesinos" del Louvre.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigXL1_AI4JX9CeJ71VjUAqLaO8LKm7WLviGrVIBtDkKH4tyLUv12T7ZWNzru6pb1b2gKNvuzEy7d_jpdduJ0iCblE0-v5pBkjPYbGApxoDmSpn7e4jvi1FGs43j7KqFwaZa941kpa9qyNN/s1600/545.+XXVI.+El+Barroco+en+Francia+-+La+Comida+de+los+Campesinos.+L.+le+Nain+%28Par%C3%83%C2%ADs.+Museo+del+Louvre%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="215" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigXL1_AI4JX9CeJ71VjUAqLaO8LKm7WLviGrVIBtDkKH4tyLUv12T7ZWNzru6pb1b2gKNvuzEy7d_jpdduJ0iCblE0-v5pBkjPYbGApxoDmSpn7e4jvi1FGs43j7KqFwaZa941kpa9qyNN/s320/545.+XXVI.+El+Barroco+en+Francia+-+La+Comida+de+los+Campesinos.+L.+le+Nain+%2528Par%25C3%25ADs.+Museo+del+Louvre%2529.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;">
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<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">
Influido por Caravagio, <span style="color: orange;"><b>Georges de La Tour</b></span> destca por su uso de la luz. Entre sus obras hay temas religiosos y de género. Todas ellas denotan un estilo muy personal. Esta es su Magdalena.</div>
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi44iqe9Vxz0AtBcNdeI2Sm-qj_Z5DqSSh48sQl3tDhJsg5HWCCVmwjdSWvgqy5sgd4sHdd4AVvpQzxvPPmaKsihJ8zehnEVBbpu3gP0Xn64WM5OGkuJ-LKYPmM5eBHbxNvhRt6cg6weFOW/s1600/Georges_de_La_Tour-miradas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi44iqe9Vxz0AtBcNdeI2Sm-qj_Z5DqSSh48sQl3tDhJsg5HWCCVmwjdSWvgqy5sgd4sHdd4AVvpQzxvPPmaKsihJ8zehnEVBbpu3gP0Xn64WM5OGkuJ-LKYPmM5eBHbxNvhRt6cg6weFOW/s320/Georges_de_La_Tour-miradas.jpg" width="248" /></a></div>
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">
Este cuadro es "San Sebastián llorado por Santa Irene".</div>
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaeAq5HurLYlG8OMJvJlfL2qy0sGAynUdlbYhdxdb_KqhT7BLtYBfFTNe0fLuDnHyzWAMosV4Htg1MLZGrF6uSiQJzlBGeSqE2jBV2O4euzK22oJmIkUl6vdSgUbXvMHfIb1Vw-GNSjnHR/s1600/Georges_de_La_Tour_s_sebastian_llorado_x_sta_irene.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaeAq5HurLYlG8OMJvJlfL2qy0sGAynUdlbYhdxdb_KqhT7BLtYBfFTNe0fLuDnHyzWAMosV4Htg1MLZGrF6uSiQJzlBGeSqE2jBV2O4euzK22oJmIkUl6vdSgUbXvMHfIb1Vw-GNSjnHR/s320/Georges_de_La_Tour_s_sebastian_llorado_x_sta_irene.jpg" width="252" /></a></div>
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">
Y este es "San José carpintero"</div>
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGl8DZRG57Yrt9QgJ0UgNzRWqPmbfRqOxTZk2BNbBadBWCvBLKO2q6FVWlKaV6mv1_a8rh8OUfQlApOVsEkklWMnuEwgG6arblew1E-C_fOPUobQ1ZQBMjyU8sqZkgTxGecLWIHPa8sCYa/s1600/Georges_de_La_Tour-s-jose-carpintero.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGl8DZRG57Yrt9QgJ0UgNzRWqPmbfRqOxTZk2BNbBadBWCvBLKO2q6FVWlKaV6mv1_a8rh8OUfQlApOVsEkklWMnuEwgG6arblew1E-C_fOPUobQ1ZQBMjyU8sqZkgTxGecLWIHPa8sCYa/s320/Georges_de_La_Tour-s-jose-carpintero.jpg" width="233" /></a></div>
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">
2.- La tendencia Clasicista (Lorena y Poussin)</div>
<div class="" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">
Ambos vivieron en Roma y desde allí mandaban sus obras a Francia.</div>
<div class="" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">
En el clasicismo de <b><span style="color: yellow;">Nicolás Poussin</span></b> domina la claridad, la racionalidad, el equilibrio y los temas mitológicos. Sus colores son suaves y sus cuadros carecen de movimiento por sus estudiadas composiciones geométricas. </div>
<div class="" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">
Estos son "Los pastores de la Arcadia"</div>
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifCMBt_ScTTLOJHRWsDbNYd61jVwdhEXN7JOlqvCWuHdQe_7s4ct0Eu586iubdcXUiNEec8qJTMFKajPXv390yUKCdIpVQp_DUP7D2SrPJuYc5KvCGh5QweqTKetjv9pY9lQN-wMVzViQS/s1600/546.+XXVI.+El+Barroco+en+Francia+-+Pastores+de+la+Arcadia.+N.+Poussin+%28Par%C3%83%C2%ADs.+Museo+del+Louvre%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="215" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifCMBt_ScTTLOJHRWsDbNYd61jVwdhEXN7JOlqvCWuHdQe_7s4ct0Eu586iubdcXUiNEec8qJTMFKajPXv390yUKCdIpVQp_DUP7D2SrPJuYc5KvCGh5QweqTKetjv9pY9lQN-wMVzViQS/s320/546.+XXVI.+El+Barroco+en+Francia+-+Pastores+de+la+Arcadia.+N.+Poussin+%2528Par%25C3%25ADs.+Museo+del+Louvre%2529.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">
y "el triunfo de Neptuno"</div>
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">
<br /></div>
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgU20QuDpMzTZp5DRH4JxnIn-6a8xOxt4Fgm340NJWOP2PesJHozpt3WXf9mGpsSbjR363c_Mp27sk00Q90cRQrdrtxd50_y-txQMztC7mPikLmcdQ_SYmoPoKWs8uoA7ilZKe8JNfI6onm/s1600/547.+XXVI.+El+Barroco+en+Francia+-+Puerto+de+Mar.+C.+de+Lorena+%28Florencia.+Museo+Uffizi%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7VhufYITWT7-_8lU_hxPmQMgq7WWzMHsd0rbU-5W-IDBbUCUCm9Lhn7L-CATKzehlbthX6EgR4WbnF5uqRTN4GzUn5EfXknGgLXornKZ2kFfOLxDfuRab6laysDZCHZ2qwQ5htVwFBa_-/s1600/poussinTriunfodeNeptuno.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="249" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7VhufYITWT7-_8lU_hxPmQMgq7WWzMHsd0rbU-5W-IDBbUCUCm9Lhn7L-CATKzehlbthX6EgR4WbnF5uqRTN4GzUn5EfXknGgLXornKZ2kFfOLxDfuRab6laysDZCHZ2qwQ5htVwFBa_-/s320/poussinTriunfodeNeptuno.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: left;">
</div>
<br />
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: left;">
<span style="color: cyan;"><b>Claudio Lorena</b></span> es el poeta de la naturaleza. En sus paisajes destaca la luz, dorada y cálida, con efectos vaporosos que influirá pintores posteriores como William Turner y que parece anticipar el impresionismo.</div>
<div class="separator" style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgU20QuDpMzTZp5DRH4JxnIn-6a8xOxt4Fgm340NJWOP2PesJHozpt3WXf9mGpsSbjR363c_Mp27sk00Q90cRQrdrtxd50_y-txQMztC7mPikLmcdQ_SYmoPoKWs8uoA7ilZKe8JNfI6onm/s1600/547.+XXVI.+El+Barroco+en+Francia+-+Puerto+de+Mar.+C.+de+Lorena+%28Florencia.+Museo+Uffizi%29.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="215" n4="true" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgU20QuDpMzTZp5DRH4JxnIn-6a8xOxt4Fgm340NJWOP2PesJHozpt3WXf9mGpsSbjR363c_Mp27sk00Q90cRQrdrtxd50_y-txQMztC7mPikLmcdQ_SYmoPoKWs8uoA7ilZKe8JNfI6onm/s320/547.+XXVI.+El+Barroco+en+Francia+-+Puerto+de+Mar.+C.+de+Lorena+%2528Florencia.+Museo+Uffizi%2529.jpg" width="320" /></a></div>
</div>
Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-10634314347420568412010-01-24T20:28:00.000+01:002013-09-02T15:34:12.015+02:00Escultura Barroca Francesa: Girandon, Coysevox y Puget.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div>
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Como hemos dicho para la arquitectura, el barroco francés ensalza al soberano y a los grandes artífices de la Monarquía francesa, por lo que destacan, sobretodo, los retratos, monumentos funerarios y los palacios y jardines, con decoración mitológica y alegórica.</div>
<div>
Los más importantes surgen en el reinado de Luis XIV con Versalles.</div>
<div>
<b><span style="color: #ff6600;">Francois Girardon</span></b> se formó en Roma. fue un gran admirador de Bernini, aunque su obra es más rígida, ya que no logra dar el dramatismo del maestro italiano. Entre sus obras destacan el Mausoleo del Cardenal Richelieu,, "Rapto de Proserpina" y este "Apolo y las ninfas".</div>
<div>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0gSqBFNy52-ALVtGnpZ9r1m8AVDv6JLiFDcIXXl8xP1CoFTZo-No6wuaWAkW_GsOhA_uyImuOa1TMb27023XOLC1b1MONJv5cU6B4LnmRLwm32-7avt_9B74_k-zmAx8eIBxgbUDHNXZq/s1600/girandon_apolo.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5552145185464730242" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0gSqBFNy52-ALVtGnpZ9r1m8AVDv6JLiFDcIXXl8xP1CoFTZo-No6wuaWAkW_GsOhA_uyImuOa1TMb27023XOLC1b1MONJv5cU6B4LnmRLwm32-7avt_9B74_k-zmAx8eIBxgbUDHNXZq/s400/girandon_apolo.jpg" style="cursor: hand; height: 400px; width: 380px;" /></a></div>
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<b><span style="color: #33cc00;">Antoine Coysevox</span></b> trabajó en Versalles en los jardines y Salones. Destaca esta escultura de María Teresa de Saboya representada como la diosa Diana. También hizo la tumba de Mazarino.</div>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-OAkmENRNhwX39k1Oxdufnp4i_VWzsVIquDAuXiVopIJNH9wB2cp5Azgo0_QZsjsKVWXX8QN3JDcuBoCRZ9j7z2HlE5nGjezimv5nOeg20qGY5Icaip_28uyDb4T-tm0XcW7oxscF1WsQ/s1600/541.+XXVI.+El+Barroco+en+Francia+-+M%C3%82%C2%AA+Adelaida+de+Saboya+como+Diana.+A.+Coysevox+%28Par%C3%83%C2%ADs.+Museo+del+Louvre%29.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5552146319907357298" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-OAkmENRNhwX39k1Oxdufnp4i_VWzsVIquDAuXiVopIJNH9wB2cp5Azgo0_QZsjsKVWXX8QN3JDcuBoCRZ9j7z2HlE5nGjezimv5nOeg20qGY5Icaip_28uyDb4T-tm0XcW7oxscF1WsQ/s400/541.+XXVI.+El+Barroco+en+Francia+-+M%25C2%25AA+Adelaida+de+Saboya+como+Diana.+A.+Coysevox+%2528Par%25C3%25ADs.+Museo+del+Louvre%2529.jpg" style="cursor: hand; height: 400px; width: 269px;" /></a><br />
<br />
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<br /></div>
<b><span style="color: yellow;">Pierre Puget</span></b> trabajó fuera del círculo cortesano. Formado en Roma, es el más barroco de todos por su dramatismo y tensión. Por este motivo sus obras fueron rechazadas en Versalles. Realizó la portada del ayuntamiento de Tolón y este "Milon de Crotona" en la que se aprecia la influencia de Bernini y del Laocoonte.<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiO1jUSj6Q2EY_revqm9XcYHl2yRG_NkISqFV66hwcL_fcfC-o3X_XDr34-mXEL8lMGq2P_uOwmPJbWYxIl6i-OH2ILHibujT2qYxgqcqAlYOwzw085ZVOSL25s_Qnm0LU25PNQXCLoRmdl/s1600/542.+XXVI.+El+Barroco+en+Francia+-+Mil%C3%B3n+de+Crotona.+P.+Puget+%28Par%C3%ADs.+Museo+del+Louvre%29.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5552149105606767378" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiO1jUSj6Q2EY_revqm9XcYHl2yRG_NkISqFV66hwcL_fcfC-o3X_XDr34-mXEL8lMGq2P_uOwmPJbWYxIl6i-OH2ILHibujT2qYxgqcqAlYOwzw085ZVOSL25s_Qnm0LU25PNQXCLoRmdl/s400/542.+XXVI.+El+Barroco+en+Francia+-+Mil%25C3%25B3n+de+Crotona.+P.+Puget+%2528Par%25C3%25ADs.+Museo+del+Louvre%2529.jpg" style="cursor: hand; height: 400px; width: 269px;" /></a><br />
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Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-8946864552459398952010-01-16T18:38:00.000+01:002013-09-02T15:34:50.359+02:00La Arquitectura Barroca Europea.<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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El Barroco nace en Italia en el siglo <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_0">XVI</span> y se difunde a <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_1">principios</span> del siglo <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_2">XVII</span> a los países vecinos.<br />
Es diferente según el área geográfica en la que se desarrolla. Existe un Barroco de la <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_3">Contrareforma</span> en Italia, España y en los dominios de los <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_4">Habsburgo</span>, de temática místico religiosa. También hay un barroco del Absolutismo, más clasicista y de tipo <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_5">propagandístico</span> en Francia. Por su parte, el los Países Bajos y Holanda aparece el Barroco protestante asociado a <span class="blsp-spelling-corrected" id="SPELLING_ERROR_6">la</span> burguesía y su estilo de vida.<br />
Los rasgos del barroco son los mismos en toda Europa: movimiento,expresión de los sentimientos, <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_7">fastuosidad</span>, abundancia de elementos decorativos....<br />
Los edificios más construidos siguen siendo los palacios y las iglesias, en los que se cuida tanto el exterior como el interior. También es importante el marco arquitectónico y sus entornos inmediatos.<br />
Las ciudades barrocas tienen un trazado sistemático y racional. En este periodo es cuando se desarrolla el urbanismo.<br />
En París nace la tipología de plaza Real como núcleo que organiza el espacio urbano (<span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_8">Ej</span>. Plaza de los <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_9">Vosgos</span> o Royal de Enrique IV,1.605-1.612).<br />
en Inglaterra aparecen las plazas rectangulares ( <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_10">squares</span>) y las circulares (<span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_11">circus</span>), como la que <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_12">John</span> <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_13">Wood</span> realizó en la ciudad de <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_14">Bath</span>.<br />
<span style="color: red; font-weight: bold;">1.- La arquitectura Barroca en Francia.</span><br />
Es más clasicista, por lo que <span class="blsp-spelling-corrected" id="SPELLING_ERROR_15">destaca</span> la claridad, el orden y la <span class="blsp-spelling-corrected" id="SPELLING_ERROR_16">serenidad</span> frente a lo recargado. Se trata de una arquitectura sobria y equilibrada.<br />
El principal cliente es el monarca, por lo que predomina la arquitectura civil.<br />
El Palacio se transforma en un edificio horizontal de cuerpo alargado con dos alas formando escuadra. Las techumbre se llenan de buhardillas que forman unos <span class="blsp-spelling-corrected" id="SPELLING_ERROR_17">característicos</span> cuerpos prismáticos de gran altura. Como ejemplo tenemos el Castillo de <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_18">Vaux</span>-le-<span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_19">Vicomte</span>. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMSDoOl625gRGfihX931gistcY-LEfcIy0v0NrsrDkznFNgsZkVT2EjhJGDCHex1PpyPH0eJa8heSC3WCGNbDf5cWMI4VejbH4OHIQXyCdoiQXCsRM03HzvYhPRyD6GKRosOdo69z0jZIo/s1600-h/castillo_vaux-le-vicomte-francia-barroco.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5427405680129889474" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMSDoOl625gRGfihX931gistcY-LEfcIy0v0NrsrDkznFNgsZkVT2EjhJGDCHex1PpyPH0eJa8heSC3WCGNbDf5cWMI4VejbH4OHIQXyCdoiQXCsRM03HzvYhPRyD6GKRosOdo69z0jZIo/s400/castillo_vaux-le-vicomte-francia-barroco.jpg" style="cursor: pointer; height: 300px; width: 400px;" /></a></div>
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</div>
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Entre los arquitectos franceses tenemos que destacar a <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_20">Lemercier</span> y a <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_21">Mansart</span>.</div>
<div>
<b><span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_22">Jacques</span> <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_23">Lemencier</span></b>, protegido de <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_24">Richelieu</span>, combina la herencia renacentista francesa y las novedosas soluciones arquitectónicas llegadas de Italia.</div>
<div>
Entre sus obras destaca la Iglesia de la <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_25">Sorbona</span> de París (1.635-1.642).</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimoB0WzLn33X2WzmTAz9hf6q9MeOu2P8ENLEezbKKFhLZvgMiRJdF3Sn_rYBo8UkMoNoNgGOquiaQ1h4uEnMNA1RJ0CiKzcBoB7uPyiR5QYaQqecyrn6AQi6Co3x4n2Mr9tHA1fucNwW4v/s1600-h/sorbona_Lemercier.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5430378178114995410" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimoB0WzLn33X2WzmTAz9hf6q9MeOu2P8ENLEezbKKFhLZvgMiRJdF3Sn_rYBo8UkMoNoNgGOquiaQ1h4uEnMNA1RJ0CiKzcBoB7uPyiR5QYaQqecyrn6AQi6Co3x4n2Mr9tHA1fucNwW4v/s400/sorbona_Lemercier.jpg" style="cursor: hand; height: 300px; width: 400px;" /></a></div>
<div>
<b><span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_26">Francois</span> <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_27">Mansart</span></b> pertenece a una familia de <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_28">constructores</span>. Entre sus obras destaca el plano de la iglesia de <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_29">Val</span> de <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_30">Grace</span>, de la que realizó la fachada y parte de una nave, y que fue terminada por <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_32">Lemercier</span>. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhk8BwJwlptBOyqQWkrwkgktu2wT4_pjHWo2IriPnl8ZJ9zxO9ePYPp9hNrNP1ZU0qfy3kWf8PhW8sGN4Uyj9tXMm5m_alnVvVvwLC4vdFMmClptBASdMquXoUdR1RduWPw0-7b3KVzFzwm/s1600-h/536.+XXVI.+El+Barroco+en+Francia+-+Iglesia+de+Val+de+Grace.+F.+Mansart+%28Par%C3%83%C2%ADs%29.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5427405681206566290" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhk8BwJwlptBOyqQWkrwkgktu2wT4_pjHWo2IriPnl8ZJ9zxO9ePYPp9hNrNP1ZU0qfy3kWf8PhW8sGN4Uyj9tXMm5m_alnVvVvwLC4vdFMmClptBASdMquXoUdR1RduWPw0-7b3KVzFzwm/s400/536.+XXVI.+El+Barroco+en+Francia+-+Iglesia+de+Val+de+Grace.+F.+Mansart+%28Par%C3%ADs%29.jpg" style="cursor: pointer; height: 400px; width: 269px;" /></a></div>
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</div>
<div>
Lo más característico del barroco francés va asociado a los arquitectos de Luis <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_33">XIV</span> y a su concepto del arte como máxima expresión de su absolutismo.</div>
<div>
Con esta idea, se llamó a <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_34">Bernini</span> para completar el <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_35">Louvre</span>, pero sus proyectos fueron rechazados por el monarca francés, que encargó la reforma a <b>Le <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_36">Vau</span> y <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_37">CLaude</span> <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_38">Perrault</span></b>.</div>
<div>
Este último realizó la fachada exterior del <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_39">Louvre</span>, concibiéndola como una monumental <span class="blsp-spelling-corrected" id="SPELLING_ERROR_40">galería</span> de columnas pareadas, con una planta baja que hace de <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_41">podium</span>.</div>
<div>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUoBp6DEy_mAQdfJvLLeXz4-RRz6GHgqXZUqzjI4rbZks5uMD9sxqr1yngeKnRzFQ2euCvK3Nob4zaTRNfc2TIV2c_BxTzlmxJnCjegLRgVSVzbD8oxxn0lkhZSkRAJ19bWmjxvu2YvHNN/s1600-h/537.+XXVI.+El+Barroco+en+Francia+-+La+Columnata+del+Louvre.+Perrault+%28Par%C3%83%C2%ADs%29.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5427405686006015794" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUoBp6DEy_mAQdfJvLLeXz4-RRz6GHgqXZUqzjI4rbZks5uMD9sxqr1yngeKnRzFQ2euCvK3Nob4zaTRNfc2TIV2c_BxTzlmxJnCjegLRgVSVzbD8oxxn0lkhZSkRAJ19bWmjxvu2YvHNN/s400/537.+XXVI.+El+Barroco+en+Francia+-+La+Columnata+del+Louvre.+Perrault+%28Par%C3%ADs%29.jpg" style="cursor: pointer; height: 270px; width: 400px;" /></a></div>
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<br /></div>
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<b><span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_42">Jules</span> <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_43">Hardollin</span> <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_44">Mansart</span></b>, sobrino de F. <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_45">Mansart</span>, continuó con la fachada de <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_46">Versalles</span> tras la muerte de Le <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_47">Vau</span>. Su obra más conocida es la Iglesia de los <span class="blsp-spelling-corrected" id="SPELLING_ERROR_48">Inválidos</span> de París, con planta de cruz griega y con capillas <span class="blsp-spelling-corrected" id="SPELLING_ERROR_49">circulares</span> en las esquinas.</div>
<div>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhUcxEA12Cev9cL5-N_mfCgYXmFS8e0OqQbYPi22yN25UyAkRSWdRhBmoyvSKGLkwKxQwLE7jbkogZVYyUwjs1PHUXpeCKIu3w-d1S46F9ESI16pEGs7_ApJTOqMJNXa2H6jh4jm4QGjQ2/s1600-h/540.+XXVI.+El+Barroco+en+Francia+-+Capilla+de+los+Inv%C3%83%C2%A1lidos.+Hardouin-Mansart+%28Par%C3%83%C2%ADs%29.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5427405691178514162" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhUcxEA12Cev9cL5-N_mfCgYXmFS8e0OqQbYPi22yN25UyAkRSWdRhBmoyvSKGLkwKxQwLE7jbkogZVYyUwjs1PHUXpeCKIu3w-d1S46F9ESI16pEGs7_ApJTOqMJNXa2H6jh4jm4QGjQ2/s400/540.+XXVI.+El+Barroco+en+Francia+-+Capilla+de+los+Inv%C3%A1lidos.+Hardouin-Mansart+%28Par%C3%ADs%29.jpg" style="cursor: pointer; height: 400px; width: 269px;" /></a></div>
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<br /></div>
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<b><span style="color: red;">2.- El Barroco en Inglaterra.</span></b></div>
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En este país el gótico se prolonga, lo que supuso un retraso en la llegada del renacimiento, por lo que en el siglo <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_50">XVII</span> predomina el clasicismo, gracias a arquitectos que viajaron a Italia como <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_51">Inigo</span> <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_52">Jones</span> y <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_53">sir</span> <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_54">Chrsitopher</span> <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_55">Wren</span>.</div>
<div>
De este último destaca la catedral de San Pablo de Londres. Esta es su Fachada principal.</div>
<div>
<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3HhaWhlhwxks-2ttWRES4TnmwsbEc9U8yxrng65pNmOXZqKlGjRjg0DNX8pgrxwNdsKj80Is26k4Bmm83FQnsUH1UuPjXEogMTVKilwfmC7iG8EwpoyFBMToe2oWfJIhrfwrPyomHXWyQ/s1600-h/Catedral_s_pablo_londres_christopher_wren_fachada_ppal.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5430383163989601058" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3HhaWhlhwxks-2ttWRES4TnmwsbEc9U8yxrng65pNmOXZqKlGjRjg0DNX8pgrxwNdsKj80Is26k4Bmm83FQnsUH1UuPjXEogMTVKilwfmC7iG8EwpoyFBMToe2oWfJIhrfwrPyomHXWyQ/s400/Catedral_s_pablo_londres_christopher_wren_fachada_ppal.jpg" style="cursor: hand; height: 307px; width: 400px;" /></a><br />
Y esta una lateral.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglEbgFuZ16HVSU0WZoZUYL68VSc0TXDNF6Sye1j4EO9N2YV2dV_tXFLztWLu60PRvWfSy4byCGaFcRNV7iBVa6G5fL9Bp5ZPQ7lYjDG9_gJIbQ7s11htwjOl-Q6hO-FAgJYKuT8CFDn-q5/s1600-h/Catedral_s_pablo_londres_christopher_wren_.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5430383159701510018" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglEbgFuZ16HVSU0WZoZUYL68VSc0TXDNF6Sye1j4EO9N2YV2dV_tXFLztWLu60PRvWfSy4byCGaFcRNV7iBVa6G5fL9Bp5ZPQ7lYjDG9_gJIbQ7s11htwjOl-Q6hO-FAgJYKuT8CFDn-q5/s400/Catedral_s_pablo_londres_christopher_wren_.jpg" style="cursor: hand; height: 268px; width: 400px;" /></a></div>
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<b><span style="color: red;">3.- Arquitectura Barroca en Europa Central.</span></b></div>
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<br /></div>
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En<b> Alemania</b>, destaca <b><span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_56">Daniel</span> <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_57">Pöppelmann</span></b>, autor del <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_58">Zwinger</span> de <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_59">Dresde</span>.</div>
<div>
<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixMJNanuXej8Qj0q2Z8ZTsIFgE7x9to3Ge7o0F2WCEnsJiP-vTQlIh94rVxdLDyMJ8bS5kApfaaWt67cep6AhZWlyTOqZRxRv9shMhhELZVz-e3RCOhf4AziZ_zc7Y2XXpkeMRhkO7oE5S/s1600-h/568.+XXVIII.+El+Barroco+en+Europa+Central+-+El+zwinger.+P%C3%83%C2%B6ppelmann+%28Dresde%29.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5430386294048531666" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixMJNanuXej8Qj0q2Z8ZTsIFgE7x9to3Ge7o0F2WCEnsJiP-vTQlIh94rVxdLDyMJ8bS5kApfaaWt67cep6AhZWlyTOqZRxRv9shMhhELZVz-e3RCOhf4AziZ_zc7Y2XXpkeMRhkO7oE5S/s400/568.+XXVIII.+El+Barroco+en+Europa+Central+-+El+zwinger.+P%C3%B6ppelmann+%28Dresde%29.jpg" style="cursor: hand; height: 400px; width: 269px;" /></a><br />
En <b><span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_60">Asutria</span></b>, debido a su política, la <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_61">arquitecura</span> es grandiosa e imperialista, como se puede ver en sus palacios.</div>
<div>
<b><span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_62">Fischer</span> <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_63">von</span> <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_64">Erlach</span></b> fusionó los elementos del barroco italiano y del clasicismo francés. Entre sus obras destaca el <b>palacio de <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_65">Schönbrunn</span></b>, considerado el <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_66">Versalles</span> austriaco. </div>
<div>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIJzS5Mcx5yePC3SxnFPHb2aJq_iDcPgR15tYryIERmzB6ZvH_oeH3HhrPEMJwHyg5MtX5tM-CIAireqO35WCQjrlv4gDvzdyozT8LwcL82V3Kp74N1Y2UQeD3GC89BBNFsAgfME2BCQCo/s1600-h/566.+XXVIII.+El+Barroco+en+Europa+Central+-+Palacio+de+Sch%C3%83%C2%B6nbrunn.+L.+Hildebrandt+%28Viena%29.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5430386299134926658" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIJzS5Mcx5yePC3SxnFPHb2aJq_iDcPgR15tYryIERmzB6ZvH_oeH3HhrPEMJwHyg5MtX5tM-CIAireqO35WCQjrlv4gDvzdyozT8LwcL82V3Kp74N1Y2UQeD3GC89BBNFsAgfME2BCQCo/s400/566.+XXVIII.+El+Barroco+en+Europa+Central+-+Palacio+de+Sch%C3%B6nbrunn.+L.+Hildebrandt+%28Viena%29.jpg" style="cursor: hand; height: 272px; width: 400px;" /></a><br />
Otra obra importante de <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_67">Von</span> <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_68">Erlach</span> es la Iglesia de San Carlos <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_69">Borromeo</span>, en <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_70">Viena</span>.<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpicfsXiRI-dAFdVyIpWLeifHJSu63vjx7X2K0rmJEjqiMFfWVFc6GCkW0MUvpbsMMjaHUuFTuraIhf8QWyWz1Ohujo3-4DvRrQnBgesh9jyjnbi_00LCOrhxs3yVwrP9IuvML_CKP1fiV/s1600-h/562.+XXVIII.+El+Barroco+en+Europa+Central+-+Iglesia+de+San+Carlos.+J.+B.+Fischer+Von+Erlach+%28Viena%29.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5430386306027744546" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpicfsXiRI-dAFdVyIpWLeifHJSu63vjx7X2K0rmJEjqiMFfWVFc6GCkW0MUvpbsMMjaHUuFTuraIhf8QWyWz1Ohujo3-4DvRrQnBgesh9jyjnbi_00LCOrhxs3yVwrP9IuvML_CKP1fiV/s400/562.+XXVIII.+El+Barroco+en+Europa+Central+-+Iglesia+de+San+Carlos.+J.+B.+Fischer+Von+Erlach+%28Viena%29.jpg" style="cursor: hand; height: 270px; width: 400px;" /></a></div>
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También en Austria hay <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_71">qeu</span> <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_72">destcar</span> el Palacio de <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_73">Berlvedere</span> de <b><span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_74">Lucas</span> <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_75">Von</span> <span class="blsp-spelling-error" id="SPELLING_ERROR_76">Hildebrandt</span>.</b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZkoaEPwiDhXIWYbnaUyN_HnjOMZ0_gJh7gxL0m3_SIZACgxF_KUIFryaXOCyQV8nNav_VqBe79oDyRLSncfCasa6KpZiHUQK7UIvMVLJjT6A1RlyxcNz8FYPpmxBwCLoKv1ZwqShZRNeo/s1600-h/Palacio_belvedere_Lucas_von_hildebrandt_barroco_austriaco.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5430386305462428178" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZkoaEPwiDhXIWYbnaUyN_HnjOMZ0_gJh7gxL0m3_SIZACgxF_KUIFryaXOCyQV8nNav_VqBe79oDyRLSncfCasa6KpZiHUQK7UIvMVLJjT6A1RlyxcNz8FYPpmxBwCLoKv1ZwqShZRNeo/s400/Palacio_belvedere_Lucas_von_hildebrandt_barroco_austriaco.jpg" style="cursor: hand; height: 168px; width: 400px;" /></a></div>
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Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-48572771768812618542009-12-10T11:41:00.000+01:002010-01-16T18:21:01.428+01:00Perdon por el retrasoEn breve continuaré publicando la historia del arte, ya que he visto que tengo seguidores. Yo pensé que solo mis alumnos miraban el blog de vez en cuando....<br />Perdón, pero no he pasado por un buen momento.<br />Lo primero que haré será completar el gótico, que lo dejé a medias, y continuare con el resto.<br />A ver si lo termino todo este año.<br />Un saludo y gracias por seguir el blog.Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6398103853983668616.post-27603387283177721032009-06-30T15:54:00.001+02:002013-09-02T15:35:19.496+02:00La pintura barroca italiana: Michelangelo Merisi, Caravaggio<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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Las características de la pintura barroca son las mismas que las de la escultura del periodo.<br />
El naturalismo y el realismo impulsan a representar lo deforme, el dolor, e incluso cadáveres en putrefacción.<br />
Se representan las glorias celestes, los mártires en el momento del tránsito. Esto origina composiciones espectaculares en las que el cielo se carga de luz angelical y se ornamenta con aperturas de nubes.</div>
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Hay que destcar la importancia vital de la luz y los contrastes de luces y sombras.</div>
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Es en el barroco cuando se logra el dominio de la perspectiva aérea (= atmósfera que envuelve a los objetos, esfumando las líneas convergentes, eliminando los límites de la forma, color…).</div>
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La Técnica por escelencia es el óleo sobre lienzo y frescos en las bóvedas.</div>
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La figura más destacada es <b><span style="color: #cc33cc;">Michelangelo Merisi, Caravaggio.</span></b><br />
Su corriente realista o naturalista es la reacción al manierismo, y se contrapone con la corriente clasicista de los Carracci y la escuela de Bolonia.<br />
Utiliza luz artificial para construir la forma, convirtiéndose en la protagonista del cuadro. Presenta acusados contrastes de luces y sombras.<br />
Para sus cuadros utiliza personajes reales, de la vida diaria que utiliza como modelos.<br />
Su actividad artística, corta pero intensa, abrió el camino a la pintura de género, especialmente a las naturalezas muertas.<br />
Su obra es dramática y violenta. Rechaza en mundo clásico por tratarse de un mundo poético que nos aleja de la realidad.<br />
Sus cuadros están dirigidos hacia el realismo y la verdad.<br />
Tiene dos fases:<br />
a) Juvenil: hasta 1.597.- su pintura está llena de luz y fondos claros. Entre las obras de este periodo destacan “descanso en la huida a Egipto”, “Magdalena” y “Baco”.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzhZDi1T2HH_hMc2KPvpWRSELwAqLWEfDHero8xsA03_6ZDLVhXjizVVjOhULwYp-quSQzMErUvIJndiEFI3nbrMEyDrTfolYhgxzGS65fxfHczLix0K7CFHBd0xxHCqK4tIX2gLltcizr/s1600-h/caravaggio_baco.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5353121206566215746" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzhZDi1T2HH_hMc2KPvpWRSELwAqLWEfDHero8xsA03_6ZDLVhXjizVVjOhULwYp-quSQzMErUvIJndiEFI3nbrMEyDrTfolYhgxzGS65fxfHczLix0K7CFHBd0xxHCqK4tIX2gLltcizr/s400/caravaggio_baco.jpg" style="cursor: hand; height: 400px; width: 310px;" /></a> <br />
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<br />
b) Desde 1.597, concentra su obra en el aspecto colorístico y plástico. Configura plenamente el tenebrismo: sitúa un único punto de luz fuera del lienzo y concentra el interés luminoso en lo que le interesa resaltar. El resto está en penumbra. Los protagonistas de los cuadros son gente del pueblo, que coge. Entre las obras más destacadas de esta etapa están “El entierro de Cristo”, “La conversión de S. Pablo”.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUR03H4dNzAL5Ly8blXFYYEvcd-6PAk2PgkKdNdZhfic2w5v5G6dY5bimywRJbcTnS4Pm5V-BHl16I55LWIEq-4xxCFmUmY-JJhLpS3wl9VHdvnk3Ln4azHkPMudeBVr6k3C-zOsO8qobR/s1600-h/511.+XXV.+El+Barroco+en+Italia+-+Conversi%C3%83%C2%B3n+de+San+Pablo.+Caravaggio+%28Roma.+Santa+Mar%C3%83%C2%ADa+del+Popolo%29.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5353122869777787458" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUR03H4dNzAL5Ly8blXFYYEvcd-6PAk2PgkKdNdZhfic2w5v5G6dY5bimywRJbcTnS4Pm5V-BHl16I55LWIEq-4xxCFmUmY-JJhLpS3wl9VHdvnk3Ln4azHkPMudeBVr6k3C-zOsO8qobR/s400/511.+XXV.+El+Barroco+en+Italia+-+Conversi%C3%B3n+de+San+Pablo.+Caravaggio+%28Roma.+Santa+Mar%C3%ADa+del+Popolo%29.jpg" style="cursor: hand; height: 400px; width: 269px;" /></a><br />
Su obra gustó más a las minorías cultas que al hombre de la calle.</div>
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Estas son otras obras suyas. </div>
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"La vocación de San Mateo".</div>
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"LA muerte de la Virgen"</div>
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Luz Socialeshttp://www.blogger.com/profile/14933434367387968112noreply@blogger.com0