La escultura impresionista: Auguste Rodin.

Los logros conseguidos por los pintores impresionistas fueron llevados a la escultura por Auguste Rodin (1.840-1.917).
Rodin supera el academicismo y refleja el interés por captar el movimiento y la luz que consideraba fundamentales para obtener profundidad en la escultura.
En 1.875 realizó esta escultura, titulada  La edad del Bronce.
Esta obra causó gran polémica ya que se acusó a Rodin de no haber hecho el vaciado de una escultura de arcilla, sino de un modelo real, debido a la perfección que alcanzó. Gracias a sus amigos, como Degás, logró salir triunfal de este trance.
Tras esto, sus esculturas toman dos caminos: la escultura alimentaria, como él lo llamó, decorativa y para vivir; y las esculturas transgresoras, que rompían con la tradición academicista.

En estas últimas intentó plasmar en los volúmenes las vibraciones lumínicas por medio de superficies rugosas y de multiplicación de ángulos.
Los temas de Rodin difieren mucho de los impresionistas, ya que intentó reflejar en sus obras las pasiones y los dramas humanos.
Los inacabados son otro aspecto característico de su obra, por influencia de las últimas esculturas de Miguel Ángel.
Rodin dejaba conscientemente inconclusas algunas partes de la escultura, de este modo, las figuras parecían surgir del mismo bloque. En ocasiones omitía parte de la escultura como la cabeza o las extremidades, probablemente influido por la estatuaria clásica.
Entre sus obras transgresoras destacan Los burgueses de Calais (1.884)

El monumento a Balzac (1.897).

Todas estas ideas las plasmó en su obra más importante llamada Las puertas del Infierno, para las que diseñó también de acompañantes a sus famosos El Beso y  Pensador.

Estas puertas tienen como tema el Infierno que narró Dante en la Divina Comedia.
La figura central, El pensador, es un retrato del poeta italiano mirando hacia el infierno.
Posteriormente, y ya como estatua independiente, El Pensador se convirtió en un hombre desnudo, con los brazos y las piernas sobredimensionados (influencia de Miguel Ángel) y en actitud reflexiva.
Rodin pensaba que para dar vida a las esculturas había que dotarlas de movimiento, por eso El Pensador piensa involucrando todo su cuerpo en la acción: piensa con las manos, con el torso, con la espalda...
Todos sus músculos están en tensión, crispados por el esfuerzo.
Es una escultura cerrada por si misma: la mano izquierda descansa encima de la rodilla izquierda y la otra mano sostiene la cabeza; cierra el gesto el codo derecho apoyado en la pierna izquierda, cerca de la rodilla.
La factura poco pulida de las estatuas provoca en su superficie, fuertes sombras que ayudan a transmitir al observador el sufrimiento del pensador.


El Pensador formaba parte de lo que sería la obra maestra de Rodin: las puertas del Infierno encargadas en 1.880 por el Museo de Artes Decorativas de París. Se trataba de un ambiciosos proyecto que incluía 186 figuras y que no llegó a hacerse realidad, pero de sus esbozos surgieron numerosas esculturas consideradas obras maestras como este pensador o El Beso.

El impresionismo en España: Joaquín Sorolla.

El valenciano Joaquín Sorolla (1.863 -1.923) ha sido calificado como impresionista, postimpresionista y luminista.
La luz será la protagonista principal de los lienzos de Sorolla, por lo que se le ha considerado, a veces, impresionista; de todos modos no da mucha importancia al dibujo. Con los impresionistas comparte la práctica de la pintura al aire libre.
Sus pinceladas son largas y fogosas.
Sus temas preferidos son los de naturaleza costumbrista, los retratos y los paisajes levantinos, siempre con presencia humana.
Esta obra costumbrista se titula ¡Y aún dicen que el pescado es caro! (1.894)



 Este es Paseo a orillas del mar (1.909).

Este lienzo se titula Niños en la playa (1.910).
En esta obra destaca la luz de mediodía, cuyo reflejo intensifica con pinceladas de blanco puro. Al fondo, largas pinceladas violáceas y azules transmiten la sensación de oleaje.

Esta es La pesca del atún en Ayamonte (1.918).



La fama de Sorolla, tanto a nivel nacional como internacional, hizo que el multimillonario norteamericano Archer Milton Huntington le encargara la decoración de la sala principal de la Hispanic Society of América, de Nueva York.

Posimpresionismo.

Este término engloba los diferentes estilos pictóricos que sucedieron en Francia al impresionismo, entre 1.880 y 1.905, aproximadamente.
El vocablo fue acuñado a posteriori y en él se engloban a Cezanne, Gaugin y Van Gogh, también a Toulosse-Lautrec.
AL igual que los impresionistas, buscan su obra en el uso del color, pero rechazan representar fielmente la naturaleza, por lo que presentan una visión del mundo más subjetiva.
También reaccionan contra la representación de lo fugaz que pregonan los impresionistas.

PAUL CÉZANNE (1.839-1.906).
Es el pintor del espacio y del volumen. Pasó por diferentes etapas que van desde el impresionismo, al protocubismo o a la protoabstracción.  Para él el arte es una creación mental. No le interesan las apariencias fugitivas de la naturaleza, sino que pretende captar lo estable de la realidad.
Piensa que toda la naturaleza puede reducirse a volúmenes geométricos, por lo que los personajes y objetos reciben una estilización geométrica. Con estas premisas sientan las bases del cubismo.
Su obra abarca paisajes, bodegones, retratos, jugadores de cartas y bañistas. En ellas abandona la perspectiva renacentista, realiza los contornos con un trazo negro, geometriza las formas y construye masas y volúmenes mediante el color.
Su pintura evoluciona desde una factura de cargados empastes y aspectos grumosos, que conserva la pincelada breve formada por comas yuxtapuestas, hasta unas pocas pinceladas de color yuxtapuesto y menos espesa, que logran expresar volumen.
En los paisajes conservan el sentido del ritmo y de la composición de planos definidos.
En su serie de jugadores de cartas domina la  quietud y la inmovilidad.

"No se puede aislar el dibujo del color: es como si se quisiera pensar sin palabras". Estas palabras de Cézanne exponen claramente la prioridad que daba al color para delimitar las formas.  
Es esta obra se aprecia cómo las pinceladas breves, finas, superpuestas y de diferentes toalidades modelan los volúmenes y objetos.
Los colores son predominantemente cálidos. Los contrastes cromáticos adquieren gran importancia, ya que ayudan a intensificar la confrontación entre los dos personajes: el jugador de la pipa viste una chaqueta de tonos marrones.
En las cinco versiones realizadas de este cuadro se aprecia cómo el autor reduce las formas a simples volúmenes geométrico. El cuerpo del jugador de la izquierda se asemeja a un cilindro alargado en ojiva en el que se insertado un brazo de forma también cilíndrica.
La composición es el resultado de largas meditaciones y estudios previos. Inició una serie con cinco jugadores. Esta obra es la última, ya que solo cuenta con dos personajes. La botella actúa como aparente eje de simetría, pero las dos mitades son ligeramente desiguales.
El hecho de dividir la escena en dos partes intensifica el enfrentamiento entre los dos personajes. Sin embargo, la verdadera tensión de la composición recae en la mesa y en las manos de los jugadores.

VICENT VAN GOGH (1.853-1.890)

Su obra no puede entenderse sin su personalidad atormentada, su búsqueda del sentido de la existencia.
Su obra consigue una gran carga pasional mediante la luz y el color, lo que prefigura el origen del expresionismo.
Sus pinceladas son vigorosas, vibrantes, de mucho color tiene una peculiar forma flamígera. Su color vibra y está exaltado por lo que anticipa el fauvismo (Matisse).
El estilo de Van Gogh evoluciona de un estilo sombrío, de perfiles realistas e integrados a creaciones vibrantes.
Usa colores estridentes que se relacionan y contrastan. Los contornos que rodean los objetos son oscuros y cierran un interior repleto de espesas capas de color uniforme.
Las pinceladas están llenas de pasta y se han dado de forma rápida. Emplea colores puros y pinceladas sinuosas que reflejan la influencia de la estampa japonesa.
Su admiración por el grabado japonés se observa en la sencillez del dibujo, los espacios planos de color, las exageradas perspectivas y la ausencia de sombras.
En su primera etapa en Holanda se dedica a pintar la vida de los campesinos y pobres de las ciudades.
En su paleta predominan una gama de colores oscuros y sombríos, puestos en pinceladas con mucha pasta.
De este periodo es Los comedores de patatas (1.885).

A partir de 1.886, ya en Francia, entra en contacto con los impresionistas, aclara su paleta y practica la pincelada en forma de comas para crear la luz.
Tras superar el impresionismo, se centra en el color violeta y de gran potencia emotiva y en captar la exaltación de la luminosidad, como en Los girasoles (1.888).

Esta es su Habitación en Arlés (1.988).


Durante su estancia en Arlés convivió con Gaugin. Su convivencia resultó difícil hasta llegar al mítico episodio de la oreja. Según Gaugin Van Gogh le persiguió con una navaja para luego cortarse parte del lóbulo, que le entregó como "regalo" a una prostituta llamada Rachel.
Después de este incidente, Theo Van Gogh, hermano de Vicent y marchante de Gaugin, decidió ingresar a su hermano en el hospital catorce días. En este tiempo pintó su Autorretrato con la oreja vendada (1.889).
 































En abril de 1.889, su hermano Theo contrajo matrimonio y Vincent decidió internarse voluntariamente en el hospital mental de Saint-Paul-de-Mausole en Saint-Rémy-de-Provence, a unos treinta y dos kilómetros de Arlés. Allí pintó su famosa Noche estrellada.


Durante esta estancia voluntaria, la expresión mística del sentimiento del artista hacia la naturaleza y de su propia angustia, que se materializa en el uso de la deformación como recurso expresivo.
El resplandor de la estrellas ilumina artificialmente el cielo, lo que se ha interpretado como un símbolo de la última esperanza de salvación para un hombre sumido en la desesperación.
En esta obra Van Gogh incorpora dos de sus motivos predilectos de la época: los cipreses, que empezarán a interesarle de 1.889 y que destacan por su marcado ímpetu ascensional. El otro interés de esta época son las escenas nocturnas, que pintaba al aire libre, con unos candiles que ponía al rededor del cuadro y de su sombrero.
A pesar de la fama que tiene este autor, en vida sólo vendió este cuadro, La viña roja (1.888)


Sus constantes depresiones le llevaron a ser conocido por sus vecinos de Arlés como el "loco pelirrojo". Se suicidó en 1.890.

PAUL GAUGIN (1.848-1.903)
Aprendió la técnica junto con Pissarro y expuso con los impresionistas, pero tras trasladarse e Bretaña en 1.898, abandonó y superó el impresionistas.
A partir de 1.891 se sintió atraído por la naturaleza y las gentes de países lejanos como Martinica y Tahití. Gaugin rechazó la sociedad moderna, la Europa industrial, el progreso... Buscó la autenticidad e ingenuidad de la naturaleza, sus gentes, del arte antiguo.
Su obra muestra dibujos de sólidos trazos, un cromatismo, colores violentos e intensos, falta de modelado y relieve, simplificación de volúmenes, ausencia de profundidad y perspectiva.
La luz cede el protagonismo al color, fuerte y exuberante, cuyo violento y atrevido tratamiento anuncia el fauvismo.
Esta es La visión tras el sermón (1.888)

El Cristo amarillo (1.889)

Mujeres tahitianas (1.891)

¿De dónde venimos? ¿Qué somos a dónde vamos? (1.897) 

Rupe, rupe (1.899).


TOULOUSE LAUTREC (1.864-1.901)
Al igual que Degás no se vio atraído ni por el paisaje ni por el aire libre.
Su obra se vincula a la vida nocturna de París, con los cabarets, especialmente el del Moulin Rouge, también con burdeles, el circo, el teatro, etc.
Esta es La mujer en el toilette (1.889)


Este es El baile en el Moulin Rouge (1.890).

Los recuerdos y personajes de este ambiente son plasmados en retratos, bustos, carteles, lienzo, litografías y dibujos de forma implacable y mordaz, con gran esfuerzo y originalidad.
En sus obras podemos apreciar la influencia de la estampa japonesa por sus contornos fuertemente marcados, por su composición asimétrica, por la utilización de manchas de colores planos y el gusto por la simplificación.
Del impresionismo tomó el empleo de tonos puros y las pinceladas yuxtapuestas.
Su pintura se caracteriza por los trazos rotos y nerviosos, la línea viva, los colores brillantes y los encuadres sorprendentes.
Se sintió atraído por el movimientos, que plasmaba en sus cuadros, y por el rostro humano, que estudiaba con ayuda de la psicología, tratando de penetrar en el alma humana.
Convirtió el cartel en el arte, a través del cual ofrecía la información de forma clara y concisa con pocas pero rotundas imágenes bien definidas.
 

Neoimpresionismo.

Hacia 1.880, el impresionismo provocó una serie de revisiones. La priemera de ellas es el Neoimpresionismo, que intenta ir más allá del impresionismo y dar fundamento científico del proceso visual y operativo de la pintura.
Este movimiento se preocupa por la unión entre el arte y la ciencia, aplicando hasta las últimas consecuencias las teorías sobre el color de Chevreul.
El neoimpresionismo crea la técnica del puntillismo o divisionismo, que consiste en aplicar la pintura en el lienzo con minúsculas manchas de color puro en yuxtaposición.  Al verlo a cierta distancia, las manchas se funden.
Los representantes más importantes son Seurat y Sgnac, quienes sientan las bases para corrientes posteriores como el fauvismo y el cubismo.

Georges Pierre Seurat (1.859-1.891)
Todos sus cuadros dan la sensación de algo muy complejo. Elaboraba numerosos estudios previos, apuntes al aire libre que luego, en su estudio convertía en grandes composiciones.
Esta obra se titula Bañistas en Asnieres (1.884).

Esta es domingo en la isla de la Grande Jatte (1.884).

Paul Signac (1.863-1.935)
Fue discípulo de Seurat. Se sintió inclinado por el paisaje, al que aplicó el puntillismo por medio de puntos que aumentaban su tamaño y se convierten en cortas pinceladas que recuerdad a los mosaicos.
Este es El puerto de Saint-Tropez (1901).

Este es El puerto de Marsella (1.906)

El Impresionismo

RASGOS GENERALES

El movimiento impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Francia.
No es un grupo homogéneo pero tienen características en común.
Pintan escenas de la vida cotidiana, paisajes y siempre al aire libre.
Su pintura se concibe en función de la luz y del color.Utilizan las teorías de color de Chevreul, que establece tres colores primarios o generadores (azul, rojo y amarillo) y tres colores secundarios o complementarios, formados por la mezcla de dos primarios: verde (azul + amarillo), violeta (azul + rojo) y naranja (amarillo + rojo).  Cada color es complementario de otro: verde del rojo, violeta del amarillo y el naranja del azul.  Cada color tiende a rellenar con su complementario el espacio que lo rodea. Así el rojo sombrea con verde y cuando se yuxtaponen aumenta su intensidad.
Las pinceladas son sueltas de manchas yuxtapuestas. La retina es la que mezcla los colores.

El paisaje es le forma de pintura más importante. Intenta reflejar la naturaleza cambiante. Los impresionistas tratan de plasmar un impresión fugaz, un momento concreto, por eso suelen representar series de un mismo paisaje a diferentes horas. Su visión depende de la luz y de sus variaciones.
Si hablamos de la técnica,  los impresionistas abandonan los principios tradicionales del arte pictórico y excluyen el dibujo con contorno y se sugiere el volumen.
Prescinden de la perspectiva basada en reglas de la geometría, del claroscuro, elimina negros, grises, pardos y tierras. Emplea la perspectiva realizada desde el primer plano hasta la linea del horizonte, por la disminución de los tintes y de los tonos, con lo que se señalan el espacio y el volumen.
La pincelada es suelta, con poca materia y pinceles finos. La pintura es luminosa y  con matices que cambian en función de la luz.

Los precursores inmediatos del movimiento impresionista los encontramos en:

• los paisajistas ingleses (Turnes y Constable), 
• Delacroix (el color siempre prevalece sobre el dibujo),
• Corot (paisajes sumergidos en una bruma espesa)
• la escuela paisajística de Barbizón,
• Courbet (preocupación por la luz y su intensidad).

A esto hay que añadir que la fotografía y estampa japonesa ofrecen nuevos puntos de vistas y nuevos enfoques para sus composiciones.

MANET (1.832 - 1.883)

Se le considera  abanderado e inspirador del movimiento, pero nunca se comprometió con él  ni participó en las exposiciones impresionismo.
Los impresionistas hicieron propios la importancia que Manet daba a la luz, el intento de transmitir la sensación, los temas de la actualidad cotidiana, los colores claros y la arbitrariedad de la perspectiva.
A diferencia de los impresionistas, Manet no suprimió el blanco ni el negro de su paleta, no solía pintar al aire libre y su pincelada no se fragmentaba en en pequeñas comas.
La pintura, sin claroscuros ni relieves, está hecha a base de zonas de colores planos. No hay distinción entre la luz y la sombra, al yuxtaponerse manchas tonales con manchas de color.

Formación y primera etapa.
 Se formó en el estudio de un académico, trabajando en el Louvre descubrió a Tiziano.
De los maestros contemporáneos le interesaba Courbet.
Durante su primera, se fija en la pintura española, especialmente en Velázquez y Goya. Esto se aprecia en sus primeros lienzos, en los que valora el negro, exaltado por grises y colores  claros. También representa temas españoles.  Esta es Lola de Valencia (1.862).




Otra obra representativa de este periodo es El balcón (1.868).
Se observa la influencia del grabado japonés porque los colores son planos.
















En El pífano (1.868) se observa la influencia japonesa y española.





















Sus obras polémicas.
En 1.863 su Desayuno sobre la hierba fue rechazado para el Salón de París. Esta obra, y otras de otros autores, fueron expuestas en el Salón de los Rechazados y provocó gran revuelo en la sociedad francesa.

Si analizamos los elementos plásticos, los verdes, predominantes en la obra, envuelven a los negros, blancos, acres y azules morados de los personajes y sus atuendos.
La combinación de las diversas tonalidades verdosas del lienzo proporcionan la apariencia de transparencia al agua del arroyo.
Las figuras están trabajadas como zonas planas de color, sin claroscuros y dibujadas sin líneas que modelen sus contornos. La luz se funde en los colores. Las sombras son simples manchas de color yuxtapuestas.
Si observamos la composición, el espacio central de la obra es ocupado por una mujer completamente desnuda y dos hombres vestidos. Los dos personajes de la izquierda están sentados en la hierba y vuelven el rostro hacia el espectador, pese a que solo ella busca su mirada, pues su compañero parece absorto.
El otro hombre, semitumbados, está retratado con el brazo derecho levantado y con un gesto de la mano, indica que ha tomado la palabra.
Al fondo de observa una mujer que se  refresca en un arroyo y una barca de remos; en el margen inferir izquierdo, un cesta de frutas y pan (los restos del almuerzo que dan nombre a la obra) y las opas de ellas. Los árboles enmarcan la escena.
Esta obra fue motivo de escándalo en su época no tanto por la desnudez de la mujer, sino por la ausencia de carácter mitológico que lo justificase.

En 1.865 Manet expuso Olimpia , lo que provocó un nuevo escándalo.  Está inspirada en la actitud de la Venus de Urbino de Tiziano. En cuanto al espíritu y la técnica, está influida por la Maja desnuda de Goya.


Manet y los impresionistas.

Desde 1.870, debido a la admiración que sentían por él los jóvenes impresionistas, Manet se acercó a este movimiento. Así eliminó el claroscuro y los tonos intermedios, resolvió las relaciones de tonos con relaciones cromáticas y pintó al aire libre.
Sus cuadros presentan pinceladas libres y ricos colores. Aunque adoptó una técnica más vibrante y aclaró la paleta, aunque no abandonó los colores contrastados.
Esta obra se titula Orillas del Sena en Argeteuil.


Su última obra, que supuso la culminación de su arte es El bar de Folies-Bergère.

LOS MAESTROS IMPRESIONISTAS

CLAUDE MONET (1.840-1.926)
Es el pintor de la luz. Empezó su formación como caricaturista, aunque en 1.856 se inició en la pintura al aire libre, trabajando con Renoir y Sisley.
Buscaba la impresión realista que encontraba en la naturaleza, captando que está perpetua transformación.
El método de trabajo es al aire libre y se dedicó al estudio de las transparencias y a los efectos lumínicos del agua y a la atmósfera.

Monet adoptó una técnica rápida de toques de pincel, evitando fundir los colores en la tela.
Para reflejar la abundancia de percepciones, cambia el método a cada momento. Según los casos, a veces emplea pinceladas anchas y amplias, tratadas con pasta grumosa, y otra usaba pequeños toques ligeros fragmentando la pincelada.
En su primera etapa realiza cuadros al aire libre, aunque incluyó la figura humana, a la que llegó a convertir en auténtica protagonista como en esta Mujeres en el jardín (1.867).
Sin embargo, acabó centrándose en los reflejos de la luz y del agua, dejando en un segundo plano a las personas.







Tras la guerra, regresó a las tertulias del café Guerbois y se convirtió en la figura clave del movimiento.
En 1.874 este grupo realizó su primera exposición conjunta. Monet llevó su obra Impresión. Sol naciente, con su característica pincelada suelta y rota, con la idea de conseguir sutiles efectos de luz.
En este sentido son paradigmáticas las manchas de color naranja que representan los reflejos del sol en el agua y que van separándose a medida que se acercan al espectador.

La técnica utilizada es fruto de la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre para captar una impresión fugaz de la naturaleza. Por ello, las figuras están esbozadas de forma muy esquemática.
Al fondo del lienzo se insinúan los barcos mercantes con sus mástiles y las chimeneas de las fábricas que expulsan humo. La espesa niebla matinal dificulta la visión del círculo rojo intenso, el sol.
Acercándose al espectador se aprecian tres botes de remos que navegan por unas aguas calmadas en las que refleja la luz del sol. El cuadro representa el amanecer sobre el puerto de Le Havre.

Pese a que este cuadro fue el que dio nombre en un conjunto de artistas, no es uno de los mejores ejemplos de la manera de pintar de esta grupo.
Son mucho más impresionistas las obras que realizó Monet en Argenteuil, inspiradas en el Sena. Entre 1.872 y 1.878 se instaló en esta localidad y su pintura se hizo más fresca, sensible y luminosa. Su paleta se aclaró y eliminó de ella el negro, el gris y los colores pardos. Se complacía en representar paisajes  como este Campo floreciendo en Argenteuil.


A partir de 1.877 comenzó sus famosas series, en las que repetía el mismo tema, pero a distintas horas del día y las diferentes condiciones atmosféricas, observando los cambios de la luz.
En la década de 1.890, pertenece su serie más famosa; la catedral de Rouen, en la que la luz, a diferentes horas del día, nos muestra un aspecto distinto.


Desde 1.899 hasta 1.926 trabaja en la serie de Las Ninfeas, con casi cien cuadros en los que recrea escenas del jardín acuático. En ellas han desaparecido todo. Sólo hay agua y el reflejo de la vegetación.





CAMILLE PISSARRO (1.830-1.903)
Es el impresionista más cercano a Manet. Al principio está influido por Corot, aunque después su paleta se aclaró.
Es el pintor de la tierra, de la naturaleza agreste y de la vida campesina.
Utilizaba mucha pasta, aplicada a menudo con espátula. Los colores son mates y están matizados de blanco. Buscaba los contrastes de luz y sombra.
Es el más viejo del grupo. Primero estuvo asociado a la Escuela de Barbizón y luego se unió a los impresionistas.
Fue profesor, entre otros, de Gaugin, Cezanne y de su hijo Lucien. También de la impresionistas estadounidense Mary Cassat.
Estos son Los tejados rojos (1897).


Esta es La plaza del carrusel (1.900)


ALFRED SYSLEY (1.839-1.899).
Es el más lírico de los impresionistas ya que busca una naturaleza emotiva. Trabaja al aire libre, a orillas del Sena, con Monet, Pissarro y Renoir.
Casi exclusivamente trata la temática paisajística. Prefería los paisajes acuáticos, sus reflejos y transparencias, o la nieve.
Adoptó una técnica rápida, con toques de pinceladas finas y utilizó tonos yuxtapuestos.
Trató el tema de las inundaciones, pero envuelto en un lirismo de forma que no parecen una catástrofe, como la inundación en Port-Marly.


AUGUSTE RENOIR (1.841-1.919).
Se inició en los caminos del impresionismo junto a Monet y  Pisarro. En su periodo de formación se aprecia la influencia de Courbet y Manet, que le aconsejó que aclarase su paleta.
Si hablamos de su estilo, sus temas preferidos son las figuras humanas sobre el paisaje, el desnudo al aire libre, las composiciones con personajes tomados de la vida cotidiana, los retratos y alguna naturaleza muerta.
Muestra un especial interés por la figura femenina que no manifiestan sus compañeros.
Utiliza la técnica impresionista (pinceladas pequeñas o largas sueltas, rápidas, nerviosas y yuxtapuestas) pero, a diferencia de los otros impresionistas, les da un acabado brillantes y pulido que contrasta con la pastosidad de la pincelada impresionista.
En sus primeras obras emplea la técnica impresionista de pincelas sueltas y contornos poco definidos, en las que la luz y el color son los protagonistas.
Des estos inicios destacan El palco (1.876)

El baile del Moulin de la Galette (1.876)


Desde la década de 1.880 se aleja del impresionismo y define las formas, marca los contornos y da protagonismo al dibujo. Este cambio se debe al estudio de la obra de Ingres. Su pincelada es más apretada. De esta época destaca El almuerzo de los remeros (1.881)

 y  Las grandes bañistas (1.884).

En la década de 1.890 abandona su dibujo preciso y lineal para buscar el equilibrio de forma y color. En esta etapa dominan los colores cálidos con reflejos nacarados. Abundan los desnudos femeninos de tonos rosas, amarillos y naranjas como el de La joven bañista (1.888)

Progresivamente retorna hacia el impresionismo y pinta paisajes, naturalezas muertas y figuras. En ellas fija el resplandor del Sol y su incidencia sobre la figura humana al aire libre, para llegar a su gran obra: Las bañistas (1.918).


EDUARD DEGAS (1.834-1.917).
Sentía verdadera admiración por Ingres y el dibujo.
A raíz de las tertulias en el Guerbois, abandonó la pintura histórica por escenas de la vida moderna, aclaró su paleta, hizo pinceladas más espesa y las yuxtapuso.
Se le vincula al impresionismo por el interés en representar lo instantáneo y la realidad que le rodea, aunque utiliza líneas para marcar el contorno de las formas.
Prefirió los interiores al aire libre, el ser humano a la naturaleza y la luz artificial a la natural.
De la fotografía tomó el carácter instantáneo. Del grabado japonés adoptó los encuadres audaces.
Se sintió atraído por la figura humana. Pinta bailarinas, óperas, circos, carrera de caballos, etc. en las que el movimiento es fundamental.
Esta es su Clase de Danza (1.884)

Bailarinas basculando (1.887)


Esta es una escultura de una Bailarina.