Rococó en Italia.

En el siglo XVIII conviven el Barroco tardio y el Rococó, que surgió en Francia hacia el 1.700 y que se extendió por toda Europa.
Es un arte íntimo, elegante, gracioso, refinado y lúdico.
El rococó se hace accesible, especialmente a la alta burguesía y a la aristocracia. El arte se hace más humano, a la vez que trasluce la belleza y la gracia de la vida.
El Rococó en Italia se limita a la pintura. Sus autores principales son Tiépolo y Canletto.
Giovanni Battista Tiépolo (1.696-1.770) era veneciano. Fue bastante famoso. Ecibió encargos de toda Europa.  Esta es su joven con el loro.







En España decoró el Palacio Real de Madrid, donde pintó su "Apoteosis de la Monarquía Española".
Se trata de un fresco que ensalza a la Monarquía hispana.
Se encuentra en el Salón del trono.
En esta obra utilizó cromatismos de tonos claros , perspectivas anormales desde ángulos que provocan escorzos y actitudes teatrales.








Otro pintor veneciano es Canaletto (1.697-1.768). Fue famosos por sus paisajes urbanos, en las que se describn fiestas de la ciudad, monumentos, los canales...
La desxcripción es exacta, con cuadraturas de perspectivas y sentido de la distancia por las calidades pictóricas y atmosféricas de luz y color.
Esta es su plaza y la baasílica de San Marcos.

Este es el Arco de Constantino en Roma.

De 1.746 a 1.756 residió en Inglaterra. Allí realizó este "Puente de Westmister".

La escultura barroca española

La escultura barroca en España es, esencialmente, religiosa. Son imágenes de estética recargada que representan el sufrimiento, el dolor.
Hay varios focos:

• En la primera mitad del siglo XVII destaca Castilla.
• En la segunda mitad del siglo XVII  el centro el Andalucía.
• En el Barroco pleno, a finales del siglo, es un periodo de máxima expresión y movimiento con dos focos: Andalucía y Levante.

Casi todas las eculturas son imágenes, retablos y pasos procesionales que narran escenas de la Pasión de Cristo.
La Iglesia es el principal cliente, pero también las encargan las Cofradías y los gremios.
Están hechas de madera policromada. Para los ropajes seaplica la técnica del estofado. Esta técnica consiste en cubrir la madera con pan de oro antes de pintarlo y así se consigue gran luminosidad.
En la primera mitad del XVII las obras se caracterizan por la sencillez expresiva y la continuidad con las formas del Racacimiento. A partir de la segunda mitad del XVII llegan a España procedentes de Italia la teatralidad y el dinamismo de la escultura.

LA ESCULTURA CASTELLANA.


Se desarrolla en la primera mitad del XVII. Es profundamente realista y dramática, hasta el punto de conseguir representar el dolor con figuras desgarradas que conmueven al espectador.
La gran figura de la escuela castellana es Gregorio Fernández (1.576-1.636), gallego que se trasladó a Valladolid en 1.605. Creó retablos, imágenes sueltas y pasos procesionales para las cofradías vallisoletanas.
 Este es su "Bautismo de Cristo". En esta obra se aprecia el posible influjo de Pompeyo Leoni, de quién tomó la elegancia de sus figuras. Es una obra de gran realismo y sobriedad. El modelado es correcto y expresivo. La madera policroma marca los pliegues angulosos. En los ropajes se ha utilizado la técnica del estofado.  Se aprecia su modelado característico del pelo, formado por rizos o mechones como si estuvieron mojados.






Gregorio Fernánez prefiere las imágenes aisladas de altar. En esta "Santa Teresa" destaca la pluma estática en espera de la comunicación divina.

Destacan también sus numerosos Cristos como este "Cristo de la columna" de la iglesia de la  Cruz de Valladolid. Sus figuras de Cristo son siempre esbeltas, de armoniosas proporciones y de una cuidada anoatomía.  Son muy típicos sus rostros alargados enmarcados por cabellos ondulantes y abundantes y que caen en mechones como si estuvieran húmedos, dejando bucles en la frente.
La barba es rizada y se abre en dos puntas.

Este otro es su "Cristo Yacente" sobre un lecho en el que apoya la cabeza. Está totalmente pálido y con sangre abundante en llagas.


LA ESCUELA ANDALUZA.


Es más sosegada y serena que la castellana. Busca la belleza antes que el dramatismo.
Esta escuela tiene dos focos principales: Sevilla y Granada.
En Sevilla  destaca Juan Martínez Montañés (1.568-1.669). Se formó con las obras de escultores manieristas de la última etapa del Renacimiento. Todo ese orden y equilibrio de sus obras, en contraste con la expresividad trágica de Gregorio Fernández.
 Este "San Cristóbal" pertenece a su periodo de formación (1.589-1.605). Está pensada con un sentido procesional. El plegado de los paños, como si estuvieran húmedos y los rizados cabellos, típicos de Montañés, están realizados con cierto sentido pictórico. Está presente la influencia de maestros andaluces anteriores como Jerónimo Hernández, por la acentuación de la musculatura.



Este es su "Cristo de la Clemencia". No es un Cristo muerto, está mirando al que reza a sus pies. Tiene las piernas cruzadas y sujetas con dos clavos, conforme a la visión de Santa Brígida.
La cara es de una serenidad admirable, plenamente clásica e invita a al diálogo con el Señor.









Este es "Santo Domingo de Guzmán". Es parte de un retablo, hoy desaparecido. El santo aparece arrodillado y con el torso desnudo, dispuesto a flagelarse. El ropaje y el desnudo están tratados con gran perfección, como corresponde a una de sus mejores obras.










A partir de 1.630 inicia un periodo barroco. De su taller salieron grandes maestros como Juan de Mesa o Alonso Cano que, con su barroquismo, influyen en su maestro.  De este periodo es su Inmaculada, una de las obras más lograda de la escultura española del XVII. Su mirada es baja, con los ojos entornados. Presenta un largo cuello y el rostro ovalado u moreno. Las manos, desviadas del centro y el rostro vuelto hacia la derecha, rompen la frontalidad y ponen una nota de movimiento a su figura.








"San Bruno" es una austera efigie. Se acerca al realismo, olvidando los convencionalismos del clasicismo anterior.

Discípulos suyos son Juan de Mesa, autor del Jesús del Gran Poder,  y Alonso Cano.










Alonso Cano (1.601-1.667). Pintor y escultor.  En 1.638 se maarchó a Madrid y más tarde, en 1.652, volvió a su ciudad natal, Granada, en la que realizó su obra escultórica más importantes. És el impulsor de la escuela granadina.
Esta es su "Virgen de la Oliva", fechada hacia 1.629. Es una obra de juventud que preside el retablo para la iglesia de la Virgen de la Oliva en Lebrija (Sevilla). El contrato se lo dieron al padre del autor, Miguel Cano, que se lo cedió a su hijo.  La figura de la Virgen es muy vertical.  Se distinguen de las de Montañés porque recoge las vestiduras en la parte baja, con lo que la imagen, con su silueta de pirámide invertida o de estípite, parece apuntar hacia los pies y separarse del suelo.




En la catedral de Granada se encuentra esta "Cabeza de San Pablo".
Es una obra de tono herioco y grandiosidad miguelangelesca, si bien el rostro con largos cabellos y barbas hace pensar en el realismo de Donatello.









Este "San Juan de Dios" destaca por el penetrante realismo. Procede de una imagen de vestir. Sus enérgicas facciones se pueden equiparar a las del retrato romano.












Pedro de Mena (1.628-1.688) fue el principal discípulo y colaborador de Alonso Cano. Fue autor de numerosos bustos de Dolorosas y Ecce Hommos, a veces emparejados.

  






Esta es su "Virgen de Belén". A veces la Virgen muestra acitudes silenciosas y contenidas, mientras que en otras aparece más dramática y teatral, con lágrimas de cristal que acentúan el dolor.

Pedro de Mena alcanzó gran fama por sus imágenes de ascetas, muy naturalistas y de acentuada expresividad.

Este "San Francisco de Asís" está en la catedral de Toledo.



Su obra más destacada es "La Magdalena penitente". Es una imagen más humana pero dotada de un arrebato de fervor místico. En esta imagen sigue la tradición castellana: la Santa aparece con el cuerpo envuelto en un traje tejido de paalma, sueltos los cabellos sobre el demacrado rostro que contempla arrebatado el crucificado que sostiene en la mano.
Es uno de los mejores ejemplos de ascetismo de la escultura española.

EL PLENO BARROCO.
En la segunda mitad del siglos XVII la inlfuencia de Bernini llega a España y las adquieren más movimiento y expresión. Los principales centros escultóricos son el Levante y Andalucía.
La figura principal del pleno barroco andaluz es Pedro Roldán (1.624-1.699). La mayor parte de sus obras las hizo en Sevilla, destcando el grupo del Santo Entierro.




Su hija, Luisa Roldán (1.652-1.706), conocida como La Roldana,  siguió los pasos de su padre y trabajó en su taller hasta  su matrimonio en 1.657.
Se trasladó a Madrid y fue escultora de los reyes Carlos II y Felipe V.
Es una de las figuras más importantes en España.
Este es su "San Ginés de la Jara".
Sus esculturas son más dinámica y expresivas.
Este es su San Miguel del Monasterio de El Escorial





















En Levante la figura más importante fue, sin duda, Francisco Salzillo (1.708-1.783) .Nació en Murcia. Su padre era napolitano y también escultor. Sus obras están llenas de naturalismo, gracia y dulzura. En su época tuvo una gran popularidad. Lo más significativo de su producción son los pasos procesionales.
Fue casi autodidacta, pues ingresó de joven como novicio en el convento de los dominicos, pero a la muerte de su padre tuvo que abandonar la vida religiosa, si bien su vocación hizo que todas sus obras aparezcan revestidas de un espíritu de gran religiosidad.
Esta es su "Oración del huerto".


Este es "El Prendimiento", también conocido como el beso de Judas.  La ejecución de la anatomía y de la tensión del brazo del apóstol es un alarde de técnica y manejo de la gubia.



Este es un "San Jerónimo". Es una escultura para un retablo y altar. La composición es formidable, al igual que el modelado, con un escrupuloso estudio anatómico; la expresión entre mortificada y dichosa, está prodigamente lograda.

También hizo numerosas figuritas de Belén.

La pintura barroca en España (II): Velázquez.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1.599 - 1.660) adoptó el apellido materno, algo muy frecuente en esa época en Andalucía.

FORMACIÓN:

Estudió en Sevilla en los talleres de Francisco Herrera el Viejo y de él aprendió:

• los fundamentos de la pintura barroca,
• la inspiración en la realidad directa,
• la importancia del color y la valoración de la luz.

En el taller de Pacheco (1.610-1.623) aprendió a idealizar el natural (principio de realismo idealizado de Velázquez). Con el tiempo, Velázquez se casó con la hija de su maestro, Juana.
Pintó cuadros de género con temas de la vida cotidiana para los que estudiaba modelos humanos y en los que predomina el tenebrismo, con figuras iluminadas en primer plano que destacan sobre un fondo oscuro.
En esta "Vieja friendo huevos" anticipa ya muchas características de su pintura, como la complicada composición. Hay gran cantidad de objetos en torno a los dos personajes y ha resuelto su distribución de forma hábil, aunque todavía está lejos de las composiciones magistrales de su madurez. Los objetos resultan un poco amontonados, recargando el primer plano del lienzo. Ha conseguido casi a la perfección la calidad material de cada uno de los objetos.
Hay que destacar la disposición de las figuras humanas colocadas a ambos lados de una diagonal casi perfecta, extremadamente calculada, compuesta de arriba a abajo por la cabeza del muchacho, su mano, los dos brazos de la vieja y el almirez. Esta cuidadosa composición geométrica es muy característica del sevillano.


En "El aguador de Sevilla", fechada hacia 1.620, vemos como su naturalismo avanza a pasos agigantados. El tenebrismo todavía envuelve a las figuras pero permite ver sutilmente las personajes del fondo. La calidad del vidrio y de las cerámicas del primer término son insuperables. Todos los detalles (agua que gotea del cántaro, reflejos del cristal) han sido realizados con indisimulada preocupación. El muchacho de la izquierda parece el mismo modelo que el del cuadro anterior. Lo más valiosos de esta obra es el rostro que se adivina en las tinieblas del segundo plano. La composición es más ágil y suelta.









Entre las obras religiosas de esta primera época tenemos "La adoración de los Magos" de 1.619. Se supone que los reyes son retratos de Pacheco y del propio Velázquez (el más joven).  La Virgen sería su esposa, Juan Pacheco y su hija Francisca sería el Niño. Es un cuadro tenebrista con una composición sencilla y original. Recurre a un efecto luminoso frecuente para conseguir la ilusión de profundidad: un primer plano en semioscuridad y un segundo plano muy luminoso y un tercer plano profundo y tenebroso, y al fondo una apertura luminosa en la lejanía.
Esta estratificación de plano luminosos la empleará siempre, si bien con el tiempo va perfeccionando la calidad de cada plano y las relaciones entre ellos.






PRIMERA ETAPA MADRILEÑA (1.623-1.629).


En 1.623 es nombrado Pintor de Cámara y permanece en la Corte. Su obra en este momento tiende a valorar más la luz en función del color y la composición, con lo que se aclaran sus fondos.
Inició su actividad como retratista regio. Los retratos de los monarcas y personajes de la Corte están idealizados y dignifica su condición.

Este es el retrato del Infante D. Carlos, hermano de Felipe IV. La forma de presentar al infante sigue los criterios del siglo XVI, pero supone un gran avance por la supresión de toda referencia espacial y el empleo de luz tenebrista.






Este  otro es retrato de Felipe IV es un claro ejemplo. La radiografía muestra que pintó la figura con una postura algo diferente y que más tarde repintó el cuadro. Este cuadro es un claro ejemplo de la manía de Velázquez por rehacer sus obras.






En 1.634 el Conde-Duque de Olivares le encarga un retrato. Su amigo Velázquez aplica todas las características del retrato cortesano. Está pintado como un caudillo en la batalla, pues se quería conmemorara la victoria sobre el príncipe Condé en Fuenterrabía.
Lo más espléndido de la obra es el espléndido estudios del caballo en movimiento (típica corveta de la escuela española) y el fondo verdoso que se adivina a lo lejos.
La armonía de colores resulta exquisita y toda la composición responde a un tipo de retrato que Velázquez  practicó mucho con la familia real.







La obra maestra de esta primera etapa madrileña en "El triunfo de Baco" o "Los Borrachos". Esta obra está fechada hacia 1.628, aunque retocado tras su vuelta a Italia en 1.631.
Tiene parecido con algunos modelos de Rubens y con otros de Caravaggio, sobre todo el personaje central que recuerda al Baco de Caravaggio.
Los críticos discuten sobre el carácter de parodia que tiene la obra. Lo que sucede es que Velázquez interpreta el mundo mitológico a su modo. Velázquez trata con respeto a los personajes, sean mitológicos o religiosos.
El vagabundo del sombrero que está a  la derecha de Baco y el amigo que asoman a su espalda están copiados de un original de Rubens.
Desde el punto de vista técnico, en esta obra vemos una renovación muy notable de la paleta con el empleo de tonos ocres y un abandono del tenebrsimo.
La composición es complicada y perfecta. El cuadro tiene una estabilidad enorme debido a la monumentalidad y firmeza de las figuras.

PRIMER VIAJE A ITALIA (1.629 - 1.631).

 Su viaje a Italia supuso una renovación de su obra. El contacto con Rubens y estudio minuciosos de las Colecciones Reales del Alcázar culminan con un viaje a Italia, cuna del Renacimiento. Cuando Velázquez llega a Italia ya era un hombre formado.  Reconoce que le gusta Rafael, pero las pinturas que levantan su admiración son las venecianas, sobre todo Tintoretto.

Esta contemplación influye en su obra e introduce una nueva época marcada por una claridad en su paleta, un estudio de los modelados anatómicos y la utilización de una composiciones más estructuradas y complejas.

De Italia trajo dos lienzos: "La túnica de José" (arriba) y "La fragua de Vulcano" (abajo).

Estas obras nos alejan de su época tenebrista. El pintor sabe representar la profundidad espacial sin recurrir a los fuertes contrastes de luz y sombra. Dos hueco luminosos (la puerta y la hoguera) trazan el contrapunto luminoso final ante el que se sitúan, con gradación de tonos y contornos exquisitos, los tres planos clásicos: uno sombreado, otro luminosos y un tercero en semioscuridad.
Todavía sigue empleando tonos ocres pero ya descubre la elegancia del gris.

SEGUNDA ETAPA MADRILEÑA (1.631- 1.649).
De vuelta a Madrid Velázquez inicia una etapa en la Corte.
Empieza a preocuparse por los efectos de la luz y de la luminosidad cambiante al aire libre.
Su objetivo es representar la luz real y sus efectos, lo que le impulsa a utilizar pinceladas quebradas y yuxtapuestas,  y colores muy fuidos.
La temática de sus obras en estos años van desde retratos de corte, pinturas religiosas, históricas y paisajistas. Destacan los retratos de bufones en los que consigue sacar algo bellos de la fealdad.

Este es el de Pablo de Valladolid.  Quizá es el más humano y el mejor conseguido de todos. Lo más excepcional es la irrealidad espacial, ya que no está en ningún sitio.  El fondo es ambiguo y confuso. Desde el punto de vista cromático destaca la unidad de tonos que le sobriedad al retratado.





"El niño de Vallecas" fue pintado en 1.637. En él podemos destacar por partes iguales la factura del color (un auténtico prodigio) y la penetrante psicología del retrato. Velázquez parece desatenderse un poco de la búsqueda de la profundidad que constituía su obsesión en los primeros tiempos.
Estamos en la época más equilibrada del autor.











El único cuadro histórico que conservamos es "La Rendición de Breda" o "Las lanzas". Fue un encargo del Conde-Duque de olivares para la Sala de Reinos del Palacio del Retiro. Esta obra muestra la rendición de la ciudad de Breda, que  tras un largo asedio capituló.



Velázquez eligió el momento de la entrega de llaves y lo planteó de forma novedosa al mostrar la generosidad y humanidad de los vencedores ( y, por extensión, de la Monarquía hispana).
Si nos fijamos en la composición, el espacio central está ocupado por los dos protagonistas. El general holandés se inclina ofreciendo las llaves de la ciudad al general Spínola. Este, amablemente, se lo impide, estableciendo un puente de unión entre los dos hombres. Este gesto del vencedor evoca la imagen de la caridad cristiana y también de la grandeza del vencedor.
La victoria está planteada de manera sutil. A los lados de los protagonistas, inmersos entre la zona de luz y sombra, se sitúan los dos ejércitos.  A la izquierda el holandés, en desorden, y a la derecha el español, en orden y con las lanzas alineadas.
La perspectiva aérea articula la composición a través del estadio de luz y del color. El primer plano queda contrastado por el paisaje del fondo, que va perdiendo cromatismo hasta convertirse en una maravillosa luz plateada. La sensación de profundidad se refuerza con detalles sencillos pero efectivos como la disposición oblicua de los dos caballos y de los grupos de soldados con lanzas.

Para decorar el Salón de Reinos realizó varios retratos ecuestres, entre los que destacan el de Felipe IV y su esposa, Doña. Isabel de Borbón, y sobre todo los del infante Baltasar Carlos, al que Velázquez demostró siempre un cariño especial.  El fondo del cuadro, con la Sierra de Guadarrama, está compuesto por grises, azules y verdes, es de una belleza inolvidable. También es ideal el salto de Corveta del caballo. El escorzo del animal es prodigioso.


SEGUNDO VIAJE A ITALIA (1.649-1.651).


De este periodo son los retratos del Papa Inocencio X y su criado, Juan de Pareja.
Este retrato del Pontífice es considerada su mejor obra como retratista. El Papa quiso recompersarlo económicamente pero Velázquez rechazó el dinero alegando que era pinto de cámara del rey español y que lo que había hecho era un acto diplomático. Hay que destacar el tono asalmonado de la prenda superior, tan similar a la Venus del espejo.
Este es el retrato de Juan Pareja.



Este segundo viaje a Italia lo hizo para comprar obras de arte para las Colecciones Reales.  Las obras que pintó durante su estancia denotan la influencia de Tiziano.  Esta es la "Venus del espejo".


Esta obra perteneció a la Casa de Alba y fue vendida al valido Godoy. Probablemente fue robada por algún soldado inglés tras la conquista del Palacio de Buenavista (Madrid) durante la guerra de la Independencia (1.808-1.814).
Llama la atención la sorprendente postura ya que, por razones que nunca conoceremos, decidió pintarla de espaldas. La composición de esta obra nos parece la mejor de de todos los cuadros de Velázquez, sin tener en cuenta los dos grandes grupos de sus últimos años (Meninas-Hilanderas), pero superan a aquellas en sencillez y armonía. Los cinco colores dominantes se hallan perfectamente compensados.

TERCERA ETAPA MADRILEÑA (1.651-1.660)

Para los retratos emplea la técnica impresionista, una rica policromía y la técnica de yuxtaposición y superposición de pinceladas. Sobresalen los retratos de la infanta María Teresa, la reina Mariana de Austria y este de la infanta Margarita.
Esta es una obra moderna e impresionista como puede comprobarse observando el medallón que la infanta luce sobre el pecho, las flores del pelo, la cadena, los encajes y tantos otros detalles que a distancia resultan casi desintegrados.
El azul domina la composición. La armonía cromática de este cuadro es una de las más hermosas de toda la obra velazqueña.

En esta etapa los cuadros mitológicos son importantes por su técnica pictórica en el tratamiento de la luz, el color y la composición, y en la concepción intelectual y simbólica del tema.

Este es "Mercurio y Argos" . El cuadro representa el momento en que Mercurio mata a Argos mientras en la oscuridad de la noche brilla el acero, lo que parece contener una alusión a la política del momento.
"Las hilanderas" narra la fábula de Aracne, una tejedora que desafió a los dioses. Atenea se disfrazó de anciana para disuadirla pero, al no conseguirlo, se enzarzaron en una competición. Aracne hizo un tapiz sobre el rapto de Europa, un momento de debilidad de su padre. Atenea la convirtió en araña.




 
La composición juega con el recurso barroco de insertar un cuadro dentro de un cuadro, invirtiendo el orden de importancia del tema, ya que lo trivial (la actividad de las hilanderas) está en primer plano y lo esencial en segundo (la historia mitológica).
El cuadro es, sin embargo, más complejo. Las hilanderas trabajando representan la competición entre Aracne y Atenea.  La joven de espaldas, con falda azul es Aracne y la hilandera que maneja la rueda es Atenea, como demuestra su joven y torneada pierna.
Al fondo, en una segunda estancia, se mueven tres muchachas. Dos de ellas observan el tapiz y una se vuelve a mirar a las hilanderas estableciendo un significativo puente con la escena de la estancia anterior.
En el tapiz, las figuras de la diosa y Aracne permanecen frente el tapiz tejido por la propia Aracne que, a su vez, es un homenaje al Rapto de Europa de Tiziano. El gesto amenazador de Atenea es una referencia al castigo simbolizado por el violonchelo que aparece en la estancia alta (la música era considerada como el remedio tradicional contra las picaduras de araña).
Velázquez trabaja la perspectiva aérea con esa pincelada suelta, casi impresionista, que hace practicamente tangible la atmósfera polvorienta del taller. También es destacable el magistral estudio de los planos lumínicos.
La habitación alta recibe un haz de luz brillante en diagonal que diferencia el espacio del tapiz (ficticio) del de la habitación (real).

En "Las Meninas", Velázquez se recreó con los efectos lumínicos, haciendo que la luz incidiese sobre las figuras  en primer plano y sumergiéndo en la penumbra a las más alejadas.

El juego de luz y sombras ayuda a crear la ilusión del espacio en el cuadro.  La luz que entra por la puerta del fondo y su contraste con la oscuridad del techo y de la pared lateral a la derecha del observador dan profundidad a la escena.
La paleta es clara, luminosa de una gran riqueza de colores y matices. La pincelada es larga, fluida y visible. Los contornos de las figuras se difuminan.
Las formas etéreas de los reyes reflejados en el espejo fueron realizadas con un pincel hudecido con más trementina que pigmento.
En lo que a contenido se refiere, en 1.843 el pintor Madrazo lo llamó "La Meninas" porque menina significa dama de honor en portugués. Ha habido muchas interpretaciones sobre este cuadro: retrato de la infanta Margarita, un elaborado juego de espejos, un retrato de la familia real, un intento de pintar a Felipe IV en sus últimos años, etc...
La composición está formada por grupos de personajes en primer plano, dispuestos en dos grupos de tres. En el central destaca la infanta Margarita y a sus damas de compañía: María Agustina Sarmiento, que le ofrece un búcaro de agua en plato de oro, e Isabel de Velasco que se inclina.
A la derecha del espectador se encuentra otra triada, compuesta por la enana macrocéfala Maribárbola, el enano Nicolasito y un mastín. Las anomalías físicas y los colores oscuros de los vestidos de los componentes del grupo resaltan la belleza y la claridad cromática de los atuendos de los otros tres. Detrás de los personajes en primer término conversan, medio ocultos en las penumbras, la dama de honor Marcela de Ulloa y un guardadamas.
En el extremo opuesto y detrás de un gran lienzo está el propio Velázquez. La cruz roja de Santiago que luce en el pecho fue añadido después del fallecimiento del autor por orden del rey.
El hombre que sube los peldaños de la escalera es José Nieto, aposentador de la Corte. Su mano nos lleva a el punto de fuga del cuadro, que se encuentra en la silueta de los reyes de España reflejada en el espejo.

La pintura barroca en España (I)

El siglo XVII es el Siglo de Oro de la pintura española. 
Hay tres focos principales: Valencia, Sevilla y Madrid. La figura más importante es, sin duda, Velázquez.
Rasgos característicos:
Es una pintura religiosa. Los principales clientes son la la Iglesia y la Monarquía.  La pintura de género es escasa, y la mitológica casi inexistente. También aparecen retratos y bodegones en los que se representan objetos estrictamente ordenados.
Es una pintura en la que el realismo está puesto al servicio de la Religión. Aún así hay diferencias:

• Primera mitad del siglo XVII. Es una pintura realista, con elementos tenebristas italianos y de severas formas y colorido.
• Segunda mitad del siglo XVII. Es una pintura más dinámica y colorista, gracias a la difusión de los modelos rubenianos a través de las estampas y de las obras que llegan a las colecciones españolas.

ESCUELA VALENCIANA:

El iniciador fue el catalán Francisco Ribalta (1.565-1.628). Se educó en El Escorial y se trasladó a Valencia en 1.599. Su estilo evolucionó hacia un pleno realismo. Tenía un perfecto manejo de la luz y utiliza una gama de color muy cálida, con rojos intensos y carnaciones muy tostadas. Estos rasgos se dejan ver en toda esta escuela.
Una de sus obras es esta "Visión de San Francisco", en la que el santo aparece confortado por un ángel místico. El claroscuro se agudiza con el tono claro del lecho del santo, que ayuda al contraste de luces.

Esta obra de Ribalta es "El crucificado abrazado a San Bernardo", donde las figuras emergen de la una oscuridad.

José Ribera el Españoleto. (1.591-1.652) es considerado uno de los grandes maestros del Barroco español. Nació en Xátiva y se formó con Ribalta. Marchó a Italia y se instaló definitiva,ente en Nápole en 1.616. Sus obras viajaban a España, difundiendo así el naturalismo italiano.
Su producción es esencialmente religiosa, aunque también tiene temas mitológicos.
En sus inicios, y por influencia de Caravaggio, su obra se caracteriza por un tenebrismo riguroso. Con el tiempo, su obra evolucionó hacia una obra más luminosa y con mayor riqueza cromática.
Técnicamente posee un excelente dibujo y una pincelada pastosa con la que consigue superficies ásperas en las que se adivinan hasta las arrugas de la piel.
Amante del naturalismo, no faltan entre sus obras pobres, mendigos y personajes feos y raros. Entre ellos destacan su "Patizambo" o su "Mujer barbuda".
      
Los temas religiosos de Ribera son, sobre todo, martirios. En este "Martirio de San Andrés" observamos la inspiración en Caravaggio en la composición y en las figuras, pero  la técnica es más minuciosa y los colores son más sobrios. La luz ilumina al santo desnudo mientras el sacerdote sostiene la estatuilla de Júpiter. En el "Martirio de San Sebastián" lo que ribera intenta resaltar es el movimiento y la actitud dramática del cuerpo del mártir. Las dos diagonales que tiene la composición están formadas por el cuerpos del santo una, y la otra por las figuras escalonadas desde el primer plano hacia el fondo.
   
La segunda fase de la obra de Ribera se inicia hacia 1.633. Es una etapa de éxito comercial que coincide por la influencia de la obra de Van Dyck . Se inicia una etapa colorista en la que el autor abandona los fondo negros para introducir una gama de colores cálido y fondos de paisaje. Esto dará a sus obras una nota más dulce aunque conservará su extremado realismo. De este periodo destacan su "Inmaculada " y su "Combate de mujeres".

El el "Tránsito de la Magdalena" la santa aparece radiante de Belleza mientras asciende a los cielos. Los colores son claros y de gran riqueza, pero hay un cierto tenebrismo en los contrastes de luz y sombra. El rostro es exquisito y se ha pensado que podría ser su esposa. El manto, desplegado al viento y sostenido por pequeños querubines tiene la típica composición diagonal del barroco.

Otra obra a destacar el el "Isaac y Jacob" del Prado, que tenemos abajo.










Una se sus obras más importantes es, sin duda, el "Martirio de San Felipe". Durante mucho tiempo se pensó que se trataba de San Bartolomé, pero al no aparecer el cuchillo se pensó que trataba de San Felipe. El cuadro representa el momento en que el santo es suspendido del mástil donde va a ser desollado. Lo que Ribera pretende señalar en esta obra es la impasible atención el grupo de espectadores, entre los que destaca una madre con su hijo en brazos (símbolo de la Caridad Cristiana) mirando al espectador.
Llama la atención el esfuerzo muscular de los sayones (grupo de infieles) que tiran de las cuerdas para elevar el cuerpo del santo y la profunda resignación del apóstol entregándose a la muerte.
La escena está compuesta por dos triángulos, cuyo lado común es el cuerpo del santo, marcando una diagonal. El madero al que está atado el santo es la base de otro triángulo que se sale del lienzo.


"El sueño de Jacob" del Prado muestra un momento de la huida del patriarca en el que dormido Dios le garantizó protección para él y para sus hijos. La composición tiene forma de aspa mediante el cruce de las dos diagonales clásicas: la que señala el árbol y la que marca la figura de Jacob. El modelado de la cabeza es muy suave a causa de la luz difusa que envuelve a Jacob procedente de la escalera de ángeles. Ribera ejecuta es escalera con una delicada pincelada y tonos dorados.


ESCUELA ANDALUZA. 
 El iniciador de esta escuela fue Francisco Pacheco (1.564-1644), maestro Velázquez y de Alonso Cano. Gran admirador de Rafael, su obra se caracteriza por la influencia manierista y flamenca.
Trabajó en Sevilla, donde pronto fue eclipsado por un autor flamenco, Juan de Roelas.


De Juan de las Roelas (1.570-1.625) se sabe que estuvo viviendo en Valladolid hasta 1.604. Más tarde trabajó en Olivares, pueblo cercano a Sevilla, donde pintó varios cuadros de gran formato entre los que destaca este "Martirio de San Andrés" . En este cuadro de altar se aprecian dos planos: uno celestial lleno de ángeles músicos, niños o mancebos, y otro terrenal, con tipos realistas y cotidianos.
Los dos verdugos del primer plano que llevan la escalera tienen la misma importancia que el tema central del martirio o que la conversación que mantienen los tres personajes de la izquierda.
Fue a Madrid para ver si le nombraban pintor real, pero al no lograrlo se estableció definitivamente en Olivares.




Francisco Herrera el Viejo (1.590-1.656) fue otro discípulo Pedro Pacheco. Residió en Sevilla hasta 1.619, fecha en la que aprueba un examen de pintor y se traslada a Madrid. Allí residirá hasta su muerte.
Su pintura es enérgica y con pinceladas pastosas. Sus composiciones están muy ligadas al Manierismo, aunque consigue dotar a los rostros de individualidad y fuerza expresiva. En el lienzo titulado "San Buenaventura recibiendo el hábito franciscano" los tono predominantes son pardos y grises verdosos. Destaca la extrema variedad de cabezas que parecen verdaderos retratos populares. Se observa la gran maestría del autor a la hora de tratar los pliegues de santo, que se arrodilla ante San Francisco.



Francisco Zurbarán (1.598-1.664) es el pintor monástico por excelencia. Fue amigo de Velázquez.  Su principal cliente es la Iglesia. Su estilo muestra volúmenes simples y disposiciones sencillas.
Destacan las series monacales que realizó para diversas congregaciones (Dominicos, Mercedarios...).
Esta es la "Visión de San Pedro Nolasco" que hizo para el convento de La Merced de Sevilla.

 Son cuadros simples, dentro de la tendencia tenebrista de sus primero años, en los que predomina el blanco. Lo más destacable de Zurbarán es su capacidad para captar el misticismo de sus personajes.
El volumen de sus oras nos recuerda a Giotto o Van Eyck.






"El reflectorio de los Cartujos" narra el milagro de San Hugo en el reflectorio. Está considerada como una de las obras religiosas más importantes de todos los tiempos por la profundidad espiritual que refleja la escena.  La composición de esta obra muestra la sencillez y simplicidad típicas de Zurbarán.
Otras obras importantes de Zurbarán son "Apoteosis de Santo Tomás de Aquino", "San Luis Beltrán", "Santa Casilda"...






Alonso Cano (1.601-1.607) nació en Granada y se formó en Sevilla. Su obra es serena y refinada, con estudiadas composiciones en las que domina un dibujo perfecto. Sus producciones religiosas huyen del dramatismo propio de los pintores barrocos y muestra a Cristos de bellas y esbeltas formas y de actitud contenida.
Primera etapa madrileña  se caracterizó por un cambio de colorido, influenciado por los cuadros de Rubens. De este periodo destaca "El milagro del pozo" . En esta obra aprecien San Isidro y Santa María de la Cabeza que, tras implorar a la Virgen de la Almudena, hacen subir las aguas del pozo y rescatar al niño que se había caído en su interior. Esta obra, desde el punto de vista de la factura pictórica, tiene como base de tonos cálidos. La pincelada es de una factura libre y deshecha que en parte recuerda a la de Velázquez.


Otra obra es esta "Virgen con el Niño" del Museo del Prado, en la que se aprecia un claroscuro suavizado.

Después de ser acusado del asesinato de su esposa y tras demostrar su inocencia, en 1.652 se traslada a Granada donde llegó a ser maestro mayor de la catedral.  En esta segunda etapa el uso del color será más suave. Sus figuras son más pensativas y tienen unas actitudes más melancólicas. De este periodo destaca "El descendimiento de Cristo al limbo" y su "Inmaculada Concepción".



Bartolomé Esteban Murillo (1.618-1.682)  nació en Sevilla y gozó de gran popularidad en toda Europa, especialmente en el siglo XVIII cuando su delicada pintura coincidió con los gustos del momento.  Gracias a su dulzura y delicadeza, Murillo supo acercar la religión a la vida cotidiana.


Una de las primeras obras del autor es esta "Sagrada Familia del pajarito" de Prado. El sentido del color es muy pobre y empastado pero sorprende el encanto de los personajes y la sencillez de la composición. El Niño es el centro de las líneas dinámicas de la composición. La Virgen y José están realizando actividades domésticas.

El Niño, lo infantil, ocupa siempre un lugar muy destacado en la obra de Murillo.



En esta "Anunciación" del Prado, Murillo ya se encuentra plenamente formado. Los colores son fluidos, la pincelada decidida y ligera. Ya no conserva restos de tenebrismo y el colorido es vivo y alegre, a base de rojo, blanco y azul.










Otra obra anterior a 1.650 es la "Adoración de los pastores" del Museo del Prado. Murillo siente predilección por las escenas del ciclo del Nacimiento.
Esta obra muestra la gran ternura a la hora de tratar a los niños.





Otra obra suya, fechada entre 1.645 y 1.650 es esta "Niños comiendo uvas y melón", que se encuentra en Múnich.  Se trata de una obra de juventud que muestra a dos pícaros comiendo fruta. Destaca el naturalismo y como representa las ropas raídas y los gestos de glotonería de los muchachos.

Una de las obras más conocidas de Murillo es "El Buen Pastor", fechada hacia 1.660. Originalmente, el cuadro era más pequeño, pero se agrandó para servir de pareja al "San Juan Bautista" (en rojo). Destacan los tonos blancos y bermellón y la columna clásica en estado ruinoso del fondo que anticipa a autores posteriores como Pousin y Lorena.




Murillo es por excelencia el pintor de la Virgen como Inmaculada Concepción. Tiene cerca de treinta de diferentes calidades y composiciones. Entre ellas y fechada entre 1.660 y 1.665 está la "Inmaculada de El Escorial".  Destaca el dinamismo de los ángeles, de pequeño tamaño y en constante movimiento. Los paños de la túnica y el manto se agitan con gran dinamismo. El éxito de las Inmaculadas de Murillo radica en la belleza y juventud de sus modelos.













Fechada hacia el 1.665 tenemos este "El sueño del patricio Juan y su esposa" en el que la Virgen y el Niño se aparecen al matrimonio. Su composición nos recuerda al "Sueño de Jacob" de Ribera.


"Los niños de la concha" es otra de sus obras más famosas fechada hacia el 1.670.
 
El "Martirio de San Andrés", fechada hacia 1.680,  es una obra de tema dramático, algo poco frecuente en él. Incluso con un tema como este, podemos ver escenas que restan patetismo a la escena (el perro, los angelitos...).
                                                                                                                               

















Juan Valdés Leal (1.622-1.690) es otro autor de la escuela de Sevilla. Su obra se aleja de la sencillez y delicadeza. Abruma su realismo macabro y tenebrista de la muerte como se observa en sus obras "In icto oculi" y "Finis Gloriae Mundi".

 

LA ESCUELA MADRILEÑA:

Madrid reunió a principios del XVII a numerosos pintores extranjeros cuya obra está a caballo entre el manierismo y el naturalismo procedente de Italia. Entre ellos destacan Bartolomé y Vicente Carducho.


El autor más importante de este periodo es Juan Bautista Maíno (1.581-1649).  Hasta 1.958 se pensó que era italiano. Se cree que pudo formarse con El Greco pero no hay constancia documental. Lo que se sabe es que se formó en Italia, donde conoció las pinturas de Caravaggio. Fue discípulo de Guido Renni y Annibale Carracci, entre otros. Felipe III le llamó a la Corte para que fuese maestro de pintura del futuro Felipe IV. Allí conoció a Velázquez.
Entre sus obras destaca esta "Adoración de los pastores" del Museo del Prado.












En la segunda mitad del siglo XVII se constituye la escuela madrileña con Fray Juan Rizzi y Francisco Herrera el Joven.
Esta escuela es amante del movimiento, del colorido y de la pincelada suelta. Mezcla los colores venecianos y flamencos.

Francisco de Herrera el Joven (1.622-1.685) era hijo de Francisco Herrera. Nació en Sevilla y fue a formarse a Italia. A su llegada a la Corte hacia el 1.654 trajo el dinamismo colorista del barroco decorativo italiano. Ese es su "San Hermenegildo triunfante" de el Prado.

Juan Carreño de Miranda (1.614-1.685) se formó en Madrid con Pedro de Vuevas y Bartolomé Román. Empezó a trabajar temas religiosos hasta que fue nombrado Pintor del Rey en 1.669. Hizo carrera administrativa en Palacio, como Velázquez, y en sus retratos plasmó a los últimos Austrias.
Basten como ejemplos estos retratos de Carlos II y Mariana de Austria.



















Claudio Coello (1.642 - 1.693) es el pintor más singular de la escuela madrileña. Alumno de Francisco Rizzi, asimila su barroquismo y lo enriquece con un cuidado dibujo.  Coello estudió de las Colecciones Reales los cuadros de los pintores venecianos y flamencos. Con su compañero y amigo José Jiménez Donoso practicó la pintura al fresco.
Fue nombrado Pintor del Rey en 1.684 y Pintor de Cámara en 1.685. En ese mismo año ejecutó su obra maestra: "La adoración de la Sagrada Forma" de la Sacristía del Monasterio de El Escorial.
En esa obra asimiló las enseñanzas de Velázquez en cuanto a la perspectiva aérea o expresión del marco ambiental, el naturalismo de los retratos y dignidad de los personajes.