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domingo, 10 de mayo de 2009

Doménicos Theotocópoulus, El Greco (1.541-1.614)

Nació en 1.541 en la isla de Candía, capital de Creta.
Sus inicios artísticos reciben la influencia de la tradición bizantina.
En 1.567 se trasladó a Venecia, donde residió hasta a 1.570.
Tras un viaje de estudios por Italia, vivió en Roma hasta 1.577, y de allí vino a España.
Aunque sus raíces bizantinas se aprecian en determinados aspectos, su formación básica se encuentra en los grandes maestros de le escuela veneciana, como Tiziano y Tintoretto y con el Miguel Ángel de su última época.
De su época veneciana tenemos “La Anunciación” del Museo del Prado.


Su llegada a España se produce en el 1.577. El motivo de su llegada son las obras de Felipe II en El Escorial, ya que en Italia era difícil conseguir encargos por la competencia.
Después de una breve estancia en Madrid, se fue a Toledo para llevar a cabo “El Expolio” para la catedral y la decoración de los retablos de la Iglesia de Santo domingo el Antiguo.
Este es "El expolio". En este cuadro muestra el momento en que a Jesucristo le quitan las ropas, lo que supone el inicio de la Pasión. El rostro de Cristo, sereno, mira hacia las alturas. Es la figura central de la composición. El rojo de su túnica simboliza su martirio.

En la parte superior aparecen multitud de rostros. Este es el típico abigarramiento de EL Greco. En la parte inferior del cuadro destacan las tres Marías.
Esta foto corresponde a “La Asunción” del museo de Santa Cruz de Toledo.



En 1.580 recibió su anhelado encargo para el monasterio de El Escorial, pero su “martirio de San Mauricio”, entregado en 1.582, fue rechazado por Felipe II por sus formas manieristas.
Tras este revés, El Greco amplió su taller e inició la producción de retablos para conventos, parroquias y el arzobispado de Toledo. También realizó cuadros de menor tamaño para miembros de la nobleza de Toledo.
Fue un retratista excepcional y admirado, a pesar de su estilo alejado de del mundo cortesano. Sus retratos suelen ser de busto o de medio cuerpo, de personajes enlutados, con un cromatismo sobrio en contraposición al colorido tan rico de sus obras. El más famoso de ellos es “El caballero de la mano en el pecho”.
De su época Toledana, "El entierro del Conde de Orgaz" es su cuadro más conocido. Su ejecución trabajo se alargó hasta finales de 1.587. Hoy se encuentra en la Iglesia de Santo Tomé.
En esta obra se aprecian las características de la pintura de El Greco:
  • alargamiento de sus figuras (el canon que sigue dice la cabeza tiene que ser una décima parte del cuerpo).
  • horror vacui (miedo a los espcacios vacíos9
  • colorido y contrastes lumíncos importanes....
El cuadro representa las dos dimensiones de la existencia humana: abajo la muerte, arriba el cielo, la vida eterna.

El Greco evolucionó hacia un manierismo desmaterializador, en el que las pinceladas adquieren mayor fluidez, las figuras parecen ingrávidas y un hálito sobrenatural impregna el ambiente.
Des este periodo tenemos varias obras.
Esta es “La adoración de los pastores”.
Esta es“La resurrección”.

Aquí tenemos el grupo de Laocoonte .

martes, 5 de mayo de 2009

La pintura española del siglo XVI.

Los temas profanos están ausentes. Predomina la pintura religiosa y los retratos.
La técnica es óleo sobre tabla.
Hay un escaso desarrollo de la pintura al fresco y hay una dependencia de las formas italianas.
En época de Carlos V hay varios focos.
En época de Felipe II, el foco de irradiación pictórica será El Escorial. Bajo su reinado destaca EL Greco, que analizaremos por separado.
En Castilla las formas italianas llegan con Pedro Berruguete (1.450-1.504), padre del escultor Alonso. Trabaja durante el reinado de los Reyes Católicos.
De su formación flamenca toma el naturalismo, y de la influencia italiana toma la perspectiva.
Le preocupa el espacio y la representación armónica propia del arte italiano. Tiene interés por la realidad y por la descripción del detalle. Su pintura está vinculada a los valores religiosos.
Este es su “Auto de Fe”.
Valencia es la ciudad más destacada con dos pintores: Yánez de la Almedina y Fernando de Llanos, que introducen la forma y el contenido de la pintura de Leonardo y las arquitecturas bramantescas en el Retablo de la Catedral de Valencia.
Este cuadro es "Santa Catalina" de Yánez de la Almedina.


En el segundo tercio del s. XVI destaca Vicente Masip, influenciado por la obra de Rafael, y que predominó en la escuela de Valencia hasta finales del s. XVI.
Su hijo es Juan de Juanes. Su lenguaje artístico evolucionó hacia formas más suaves y blandas, tras entrar en contacto con el manierismo italiano. Este cuedro es “La Santa Cena”.


En Andalucía destaca Pedro Machuca.También es arquitecto, por lo que tiene un interés por los efectos lumínicos y por la expresividad manierista. Su obra muestra influencias de Miguel Ángel y Corregio. Usa colores desleídos y composiciones complejas.
Su obra más famosa es “El descendimiento”.


En Extremadura aparece Luis Morales, que se inspira en Leonardo, Durero y los manieristas.
En los últimos años pinta figuras alargadas y lánguidas, con rasgos dramáticos. Esta es su “Virgen con el niño”.


El Escorial es el centro artístico de la segunda mitad del s. XVI. Entres sus autores destacan Juan Fernández Navarrete, Alonso Sánchez Coello y Juan Pantoja de la Cruz.

Juan Fernández Navarrete, el mudo (1.540-1.579) recibe la influencia de Tiziano en el color, la iluminación y los escorzos. Destaca “El martirio de Santiago”.


Alonso Sánchez Coello (1.531-1.588) fue seguidor del retratista flamenco Antonio Moro en cuanto a su rigidez, austeridad e hieratismo cortesano. Este es un retrato de Isabel Clara Eugenia.


Juan Pantoja de la Cruz (1.553-1.608) heredó la técnica de Coello. Hace retratos, entre los que destacan el retrato de Margarita de Austria.

La Pintura del Renacimiento en los Países Bajos.

La escuela flamenca va a continuar con esas características que ya dijimos anteriormente, aunque se irá adaptando a las novedades que llegan de Italia.
La pintura del renacimiento flamenco tiene tres periodos, en los que destaca un artista:
  • 1.490-1.530: Metsys.
  • 1.530-1.570: Patinir y Brueghel.
  • 1.570-1.607: Consolidación de la pintura manierista.
1.- Quentin Metsys o Massys.
Reúne el realismo flamenco y una interpretación humanista de la vida de la época. Mantiene el gusto flamenco pero trabaja el “sfumato” en sus pinturas. Fundador de la escuela de Amberes.
Entre sus obras destacan “El santo Entierro”, “Ecce Homo” y “El cambista y su mujer”, que tenéis en la foto.



2.-Joachim Patinir.-
El paisaje es el verdadero protagonista de su obra, y transforma en paisajismo cualquier motivo religioso.entre sus obras destacan “Descanso en la huida a Egipto” y “El paso de la laguna Estigia”.

3.-Peter Brueghel, el Viejo.
Es el pintor más interesante de la escuela flamenca.
Cultivó temas propios del erasmismo, como la ironía sobre la locura humana.
Cómico y pesimistas, nos presenta la irracionalidad del mundo.
Tiende a geometrizar las formas y emplea la luz abstracta, lo que genera sombras. Su única preocupación es el contenido, la lección moral y discursiva que la obra sugiere.
Esta es “El triunfo de la muerte”,
“Ciegos guiados por otro ciego”,
y “Los cazadores en la nieve”.

La pintura de Renacimiento en Alemania.

En el s. XV hay una pintura religiosa basada en los primitivos flamencos, pero con una fuerte carga de patetismo y violencia.
Los pintores alemanes asumen los problemas de la reforma luterana y los transmite a la imagen religiosa.
Durero es el pintor que asimiló en mayor grado la ruptura renacentista.

Estos son algunos autores alemanes:

1.- Mathias Grünenwald (1.475-1.528) hizo el Retablo de Isenhein (1.512-15) es un políptico de la pasión de Cristo. Dentro de él, destaca la tabla de “la Crucifixión”.




2.-Alberto Durero (1.471-1.528) fue pintor, grabador y teórico del arte.

Intentó fijar un modo racional para reproducir pictóricamente la belleza y la realidad.
Se sentía atraído por el espíritu del Renacimiento, por eso aplicó las leyes de la perspectiva y las de la proporción del cuerpo humano.
Tras sus viajes por Italia sustituyó la búsqueda de la verdad por la aspiración a la belleza ideal, aunque no ajena a lo real, como aprendió de la escuela italiana.
Durero era un estudioso de la vida interior, lo que queda patente en retratos y autorretratos, para él tan dignos como cualquier pintura religiosa.

Este es su “Autorretrato”.

Estos son “Adán y Eva”.


También tiene grabados como “El caballero, la muerte y el diablo”.

3.- Cranach, el Viejo es el retratista de la reforma. Este es el “El juicio de París”.



4.- Hans Holbein el Joven fue retratista de la corte de Enrique VIII. Preocupado por la exactitud y la representación realista y minuciosa, mostrando atención por el detalle y la precisión de sus pinceladas. Este es el Retrato de Enrique VIII.

ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA.

1.- Introducción del Renacimiento.
A diferencia de la escultura italiana, en España hay un rechazo a los temas mitológicos. Hay una predilección por las obras religiosas. Esto se entiende por el contexto histórico.
El material escultóricos es la madera policromada, que se utiliza en retablos e imágenes. Con ello se logra más capacidad expresiva y realismo en las obras.

Para los sepulcros se utiliza piedra y mármol.
El renacimiento llega a España en el primer tercio del siglo XVI, gracias a los artistas italianos que vienen a trabajar para los reyes. Entre ellos destacan:
Doménico Fancelli realizó el Sepulcro del príncipe d. Juan, en la iglesia de Santo Tomás de Ávila y el Sepulcro de los Reyes Católicos en la Capilla Real de Granada, que tenéis en la foto.



Pietro Torrigiano es discípulo de Miguel Ángel. Su obra clave es “San Jerónimo”, una terracota policromada.

2.- Escultores españoles del primer tercio del s. XVI.
Los escultores españoles del primer tercio del s. XVI trabajan formas italianas pero añaden sentimiento religiosos del Renacimiento Español. El expresionismo, de tradición gótica, e impulsado por los modelos de Donatello, domina la primera mitad del s. XVI. Este expresionismo se caracteriza por:
  • figuras de forma llameante,
  • policromadas con abundante oro,
  • agitación de las telas, barbas y cabellos.
Entre los autores destacan: Vasco de la Zarza, Felipe Vigarny, Bartolomé Ordóñez y Diego de Siloé.

Vasco de la Zarza.-
Es un excelente ornamentista. Destaca el Sepulcro del obispo Alonso de Madrigal, "El Tostado" en Ávila.

Felipe Vigarny es de origen francés y con influencia flamenca. Tiene un estilo de transición gótico-renacentista. Destaca el Relieve del Camino del Calvario de la catedral de Burgos , el Retablo de la capilla Real de Granada y la capilla del condestable de Burgos, que hizo con Diego de Siloé.

Bartolomé Ordóñez estudió en Italia, donde recibió la influencia de Miguel Ángel. Hizo el Relieve del Transepto de la Catedral de Barcelona y el sepulcro de Felipe El Hermoso y Juana la Loca en la Capilla Real de Granada, que tenéis en esta foto.



Diego de Siloé viajó a Italia y trabajó en Burgos. Hizo el retablo del Condestable y la Sillería del coro de San Benito en Valladolid.

3.- Escultores españoles del segundo tercio del siglo XVI: El Manierismo. Valladolid es el centro de la escuela castellana, donde trabajan dos grandes escultores: Alonso Berruguete y Juan de Juni.



Alonso Berruguete es hijo del pintor Pedro Berruguete. Amplió su formación manierista en Italia. Su obra está cargada de tensión formal y expresiva. Utiliza muchos recursos dramáticos y expresivos. Entre sus obras destaca este “San Sebastián"


Es una talla en madera policromada. esta escultura formaba parte del retablo de San Benito, que en la actualidad está en el Museo de Escultura de Valladolid. La figura del Santo transmite la angustia de su martirio. Su postura difícil e inestable, agudiza este sentimiento.

Éste es "El Sacrificio de Isaac”.


Juan de Juni es de origen francés y se formó en Italia. Tiene un gusto por las formas anchas, amplias y musculosas del manierismo miguelangelesco. En sus esculturas dominan el perfeccionismo, el uso de formas anatómicamente proporcionadas, la teatralidad y el dramatismo. Entre sus obras destacan “Santo Entierro” y “San Antonio”.



Gaspar Becerra.- Tiene formación italiana e influencia de M. Ángel. Hizo el retablo de la catedral de Astorga.


4.- Finales del siglo XVI: Los Leoni.
En el último tercio del siglo XVI destacan los Leoni (León y Pompeyo). Son escultores milaneses que trabajan en El Escorial. Tienen un precioso tecnicismo e idealización de los personajes, pero respetando el parecido fisonómico. Son considerados manieristas.

León Leoni (padre) realizo “Carlos V dominado el furor”.


Para este grupo, León Leoni se inspira en el Genio de la Victoria, de Miguel Ángel. La figura del emperador se concibió desnuda, como la de un emperador romano, y la armadura articulada puede quitarse pieza por pieza.

Carlos V aparece en un actitud serena y melancólica, alejada de todo triunfalismo. Los detalles son impresionantes.



Pompeyo Leoni hizo el grupo sepulcral de Carlos V y Felipe II de El Escorial. Estas esculturas están a ambos lados del altar.

La Arquitectura del Renacimiento Español.

Dentro del renacimiento español, debemos hablar del estilo purista y de la obra de Juan de Herrera.

1.-El estilo Purista.
La arquitectura del Renacimiento se va simplificando y elimina el exceso de carga decorativa, típico del plateresco, por la influencia italiana.
Diego de Siloé adecuó las formas renacentistas a la esbeltez, espaciosidad y estructura de la catedral gótica. Hizo el interior de la Catedral de Granada, donde está la tumba de los Reyes Católicos.
Es un templo de planta gótica iniciado por Enrique Egas. El problema era cómo darle altura sin utilizar elementos góticos. La solución fue una combinación muy original. Puso pilares con medias columnas clásicas adosadas hasta cierta altura. Sobre estas columnas puso una especie de entablamento de varios cuerpos, y sobre éste labró un nuevo pilar con pilastras adosadas que duplica la altura del soporte sin romper las proporciones renacentistas. Algunos autores creen que se inspira en el doble soporte de la Mezquita de Córdoba. Recubre todo con una bóveda de media naranja.



Otro autor del purismo es Andrés de Vandelvira, que practica el clasicismo, aunque con un gusto propio ya de manierismo. Destaca la Catedral de Jaén y la Iglesia del Salvador de Úbeda, en la que emplea cariátides en la portada. Esta es la catedral.



Pedro Machuca viajó a Italia y allí descubrió a Miguel Ángel, del que se hizo admirador. En Granada hizo el Palacio de Carlos V, dentro de la catedral. Su fachada es de gran monumentalidad. Tiene el almohadillado “cuatrocentista”, que se sustituye en piso alto por frontones alternantes, triangulares y curvos. Introduce así el estilo de Miguel Ángel.



Alonso de Covarrubias es el más clasicista y su obra más desornamentada. Es el arquitecto real de Carlos V. Destaca en Alcázar y el Hospital de Tavera en Toledo.



Rodrigo Gil de Hontañón evoluciona desde formas góticas hacia formas renacentistas. Destaca la Universidad de Alcalá de Henares. Su fachada es de diseño unitario y armónico. Son dos cuadrados rematados en una galería corrida, que flanquean una portada coronada por un frontón triangular.


2.- El Escorial y el arte de Juan de Herrera.

El Monasterio de el Escorial se hizo para conmemorara la Victoria de San Quintín (10 de agosto de 1.557).
Los planos se deben a Juan Bautista de Toledo. Tras su muerte, su discípulo Juan de Herrera continúa con la obra.
Es un monasterio, templo, palacio y biblioteca.
Juan Bautista de Toledo se formó en Italia y colaboró con Miguel Ángel en la basílica de S. Pedro del Vaticano.
Juan de Herrera, de acuerdo con su formación matemática, confirió al monasterio una estructura más unitaria y simétrica. Su estilo renacentista de corte manierista, llamada herreriano en su honor, fue imitado hasta entrado el siglo XVII.



El exterior del edificio, de granito, es austero y sólido. Tiene cuatro torreones en los extremos y sus muros está plagados de ventanas cuadradas, sin molduras ni cornisas.
Loas cubiertas son de pizarra negra. Las tejados rematan en chapiteles y en bolas de granito.

La fachada principal, al oeste, rompe la monotonía del edifico con un doble piso de columnas dóricas gigantes rematado por un frontón. En el interior de la hornacina hay una imagen de San Lorenzo.





Detrás de esta entrada está el patio de lo Reyes, desde donde se accede a la iglesia.



Su planta tiene forma de parrilla invertida, ya que S. Lorenzo fue martirizado en una.




Esta planta es un modelo de simetría y de unidad. El eje central empezaría en la entrada principal, cruzaría el patio de los reyes y continuaría hasta la basílica y las estancias privadas de Felipe II, que se corresponde con esa especie de ábside que sobresale de la estructura.

Viendo este plano, la primera estructura cuadrada de la derecha es el monasterio y la de detrás es el claustro donde está el patio de los evangelistas.


La iglesia, bajo cuyo altar se encuentra el Panteón de los Reyes, es el centro neurálgico.

Este es el panteón de los Reyes.



Este es el interior de la basílica.



Está inspirada en la primera basílica de S. Pedro del Vaticano, por lo que tiene planta de cruz griega con una cúpula central sobre un cimborrio.

En lo que respecto al contenido de esta obra, cuando este Monasterio se construyó, España era la primera potencia económica y militar, y la monumentalidad del edificio respondía a este estatus.
También hay que tener en cuenta el contexto religioso. Felipe II creó un monasterio para ser su residencia y la de su corte. Esto hay que enmarcarlo en el título de rey católico que la monarquía hispana tenía. Felipe II debía de implantar la nueva religiosidad que surgió tras el Concilio de Trento.