La Arquitectura Barroca Española.

El siglo XVI supone el final de la hegemonía hispana. El siglo XVII viene marcado por una crisis económica muy importante, lo que supone que las construcciones sean menos monumentales que en el renacimiento y que los materiales sean menos costosos (ladrillo, yeso, madera).
La arquitectura barroca española tiene tres periodos:

1. Primera mitad del s. XVII, de gran sobriedad estructural y decorativa.
2. La Segunda mitad del s. XVII, marcado por el decorativismo.
3. EL Barroco Final de principios del s. XVIII, en el que coexiste una decoración libre y fantasiosa, y las tendencias equilibradas y sobrias de la arquitectura cortesana de los Borbones.

1.- Primera Mitad del siglo XVII.

Debido a la influencia de Juan de Herrera, en este periodo predomina la desnudez estructural y decorativa.

Fracisco de Mora (1.553-1.610) continúa con la tradición herreriana, pero ya anticipa las formas barrocas.

Es autor del Convento de San José en Ávila y del Palacio Ducal en Lerma (Burgos).

Su sobrino y discípulo, Juan Gómez de Mora (1.586-1.648), se aparta de la severidad herreriana. Su obra clave es la Clerecía de Salamanca (ojo, pero sólo la fachada, que la torre es de Churriguera).

En Madrid se encarga de la Plaza Mayor y la casa de la Villa.

Alonso Carbonell (finales s. XVI - 1.660) es el autor del Palacio del Buen Retiro de Madrid, construido por deseo del Conde Duque de Olivares y del que sólo se conserva un ala. Tenía una larga fachada jalonada por dos torres de chapiteles escurialenses. Este es el primer barroco español, variación del estilo herreriano. En el interior de este palacio estaba el salón de reinos de Felipe IV, decorado con importantes pinturas.

También trabajo en el PAnteón de reyes de El Escorial, que fue construido por Gian Battista Crescenzi, de planta octogonal, casi circular, decorada con pilastras, capitales y sepulcros a base de marmol y bronce.

Algunos autores dicen que el plano fue suyo, y que Crescenzi sólo lo decoró; otros dice que sólo hizo la bóveda....
También hay que destacar a los jesuítas Pedro Sánchez y Francisco Bautista, autores de la Catedral de San Isidro en Madrid.

Tiene una sola nave con capillas laterales y un crucero que forma una cruz latina con la nave central.  La cúpula está en el centro.

La fachada está recorrida por grandes pilastras verticales.
Pedro Sánchez fue el encargado de hacer las cúpulas encamondadas o falsas sobre un soporte de madera, que tanto abundan en las iglesias madrileñas de la época.

2.- Segunda Mitad del Siglo XVII.

Desde 1.650 se van a ir añadiendo elementos decorativos, naturalista y abstractos, a las desnudas estructuras herrerianas.

Las plantas siguen siendo sencillas, aunque los alzados alcanzan mayor libertad y dinamismo.

En Madrid, destacan Manuel y José del Olmo, con la Iglesia de las Comendadoras de Santiago, con Planta de cruz Griega;

Pedro de La Torre, que hizo la capilla de San Isidro, adosada a la Iglesia de San Andrés, obra de José de Villareal.

En Andalucía, Alonso Cano (1.601- 1.667), pintor, escultor y arquitecto;  fue el encargado de la fachada de la catedral de Granada, que concibió como un arco de triunfo de acentuados claroscuros.

En Galicia se inició la remodelación de la Catedral románica de Santiago de Compostela. José Peña Toro realizó el pórtico de la Quintana y la torre de la campana. De Diego Antonio de Andrade es esta torre del reloj.

Se trata de un cuerpo alargado y esbelto, recorrido por pilastras y coronado por otras dos torres (cuadrada y poligonal) a modo de campanario.

Tanto por las proporciones como por la ornamentación es uno de los precedentes de la fachada del Obradoiro, proyectada por Peña Toro y ejecutada por Fernando de Casas y Novoa.

Esta fachada se realizó para tapar el Pórtico de la Gloria, integrar el edificio en el proyecto urbanístico de la ciudad e integrarlo en la escalinata barroca que ya se había empezado a construir.  Casa y Novoa realizó un diseño piramidal, articulado en tres calles por columnas estriadas,  dividido en dos niveles y flanqueado por dos torres. La estructura se aligera con los grandes ventanales que dan luminosidad al nártex de la catedral.

En Cataluña, la arquitectura civil tiene un papel destacado, si bien el barroco penetra en las motivos decorativos, principalmente, como puede verse en la generalización de las columnas salomónicas. De todas formas destaca la Catedral de Gerona, con una fachada retablo precedida de una gran escalera.

A finales del siglo XVII, destaca Francisco Herrera el Joven ( 1.622 - 1.685),  que fue pintor y en sus últimos años realizó retablos y ejerció de arquitecto. Él  trazó los planos para la Basílica del Pilar, que se inició en 1681, pero tras su muerte el proyecto se modificó.

Junto con Herrera el Joven, José Jimenez Donoso es uno de los pintores-arquitectos del barroco madrileño. Casi todas sus obras arquitectónicas está hoy destruidas, excepto la Casa de la Panadería en la Plaza Mayor madrileña, que Donoso reconstruyó después del incendio de 1672, y que fue proyectada por Juan Gómez de Mora.

3.- Barroco Final.

El siglo XVIII supone la apoteósis del Barroco. El estilo se hace recargado y exuberante, pero los tres hermanos Churriguera crearán un estilo propio, al margen de la corriente cortesana que trajeron los Borbones.
José Benito Churriguera (1. 665 - 1.725) se encargó de realizar retablos en los que emplea columnas solomónicas y los estípites (pilastra trocopiramidal invertida). Este es el retablo de San Esteban de Salamanca.

También se encargó, con un  estilo más sobrio y racional, del trazado del Nuevo Batzán.

Sus hermanos, Joaquín (1.674 - 1.724) y Alberto Churriguera, trabajan en Salamanca.
Del primero es el Colegio de Calatrava.

Alberto Churriguera (1.676 - 1.750) fue el encargado de realizar la plaza Mayor de Salamanca, siguiendo en modelo porticado de Madrid, aunque más recargado.

Pedro Ribera (1.681 - 1.742), de imaginación desbordante,  fue discípulo de José Benito de Churriguera. por lo que continúa con las estípites, la decoración fantasiosa y recargada. Trabajó en Madrid, donde realizó, entre otros, el puente de Toledo, el Cuartel del Conde-Duque, la fuente de la Mariblanca.....

Obra suya es la iglesia de Montserrat, en la calle San Bernardo, que fue prisión femenina tras la Guerra Civil española. en ella observamos las estípites, baquetones encuadrando los vanos, los chipeteles bulbosos...

Esta es la fachada del antiguo Hospicio de San Fernando, hoy museo Municipal de Madrid. Esta fachada está organizada como un retablo, con dos cuerpos, y en el que el movimiento es muy importante.

Se va ascendiendo desde la base hasta la hornacina en la que está San Fernando.

Los cortinajes a los lados de las obras, confieren gran teatralidad a esta fachada.

En Toledo destaca la figura de Narciso Tomé (1.690 - 1.742). Su obra más célebre es el transparente de la catedral, en el deambulatorio. Construido para dar más iluminación al sagrario de la capilla, los efectos de la luz y su escenografía es impresionante, ya que mezcla arquitectura, escultura y pintura.

La arquitectura barroca andaluza tuvo dos focos: Sevilla y Granada.

En SEvilla, Leonardo de Figueroa (1.650 - 1.730) realizó la iglesia de San Luis de los alemanes, con planta de cruz griega y cúpula de anillo ondulado.

Esta es la fachada del palacio de San Telmo. Consta de 3 cuerpos encuadrados en haces de columnas muy ornamentadas.

En Granada, Francisco Hurtado Izquierdo(1.669 - 1.725) realizó el Sagrario de la catedral, en el que predomina la columna salomónica y la profusión de elemento inútiles.

No podemos terminar el barroco final, sin hablar de la corriente cortesana asociada a los borbones. Se trata de autores extranjeros traídos por Felipe V. Su arquitectura es más sobria y monumental, siguiendo los modelos francés e italiano.

EL palacio Real de Madrid, obra de Juvara y Sachetti, es un claro ejemplo. Se trata de un palacio de planta rectangular en torno a un patio central. Está flanqueado por torreones en las esquinas que sobresalen en altura. El exterior recuerda a una fortaleza y no establece una vinculación con su contexto urbano, a pesar de su ajardinamiento a la francesa.

Otra obra de estos este estilo,  es el palacio de La Granja (Segovia), cuyo esquema e inicio fue obra de Teodoro Ardemans, y que fue modificado por Sachetti y Juvara.

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La pintura holandesa: Rembrandt, Hals y Veermer.

El cliente principal de los pintores holandeses son los burgueses, por lo que van a demandar, principalmente,  cuadros de pequeño formato para decorar sus casas.
Los temas suelen ser retratos (individuales y colectivos), escenas costumbristas, bodegones, paisajes, etc.

1.- Rembrandt Van Rijn (1.606-1669)

Es la figura más importante del barroco holandés, aunque sus contemporáneos no lo vieron así.

Este pintor are un habitual de las subastas, donde adquiría cuadros para aumentar su colección y también con fines especulativos. Su afición al dinero ha llegado hasta nosotros. Sus discípulos  pintaban monedas en el suelo y se divertían viendo como se inclinaba a recogerlas.

La fidelidad a su propio estilo y el rechazo a adaptarse a nuevos gustos pictóricos le alejaron del favor del público.

En sus últimos años su obra es más profunda y espiritual.

Su estilo parte del claroscuro (conoció a Caravaggio) sin embargo, en sus obras el límite entre la luz y las sobras no es tajante, lo que crea unas penumbras que dan una atmósfera fantástica y misteriosa a sus obras.

En las zonas oscuras, las formas quedan sumergidas por manchones densos y amplios de pasta cromática.

Técnicamente, su pincelada prieta y dibujística de los primeros años evoluciona posteriormente hacia una factura suelta y de empaste, a base de gruesas manchas de color.

No abandonó el realismo típico de la pintura holandesa, pero lo impregna de un idealismo y una espiritualidad que le alejo de sus contemporáneos.

En lo que se refiere a su obra, cultivó todos los géneros, también el religioso. Elige escenas bíblicas y evangélicas que trata con gran emotividad y sentimiento, como se puede ver en su "descendimiento".

Esta es la negación de San Pedro.

Este cuadro es su "Ronda de noche". El barniz utilizado en una restauración oscureció el lienzo, lo que provocó que se le asignara, erróneamente, este titulo. Hoy sabemos que la acción se desarrolla a medio día y que probablemente represente un desfile de las milicias cívicas con motivo de la visita de María de Medicis a Amsterdam en 1.638.

También tiene obras mitológicas ("Danae"), históricas ("Aristóteles contemplando el busto de Homero")...

Pero los retratos son los que ocupan un lugar más importante en su actividad pictórica. En ellos captura la psicología del retratado y penetra prifundamente en su alma.

Destacan los retratos individuales como el de Claudius Civilis, o los colectivos, donde consigue individualizar a cada personaje.  Esta es, quizás, una de sus obras más conocidas: "La lección de anatomía del Dr. Tulp".

Si analizamos la obra en detalle, podemos ver que la luz, irreal y artificiosa, procede de arriba y acentúa en contraste entre la frialdad del cuerpo desnudo del cadáver y la calidez de los rostros de los asistentes a la clase de anatomía.

Este es el primer retrato de grupo de Rembrandt, y ya introduce cambios en la concepción tradicional de los retratos colectivos. En la pintura holandesa del S. XVII, las corporaciones profesionales encargaban retratos grupales a los artista para exponerlos en sus sedes. La costumbre exigía que se respetase la jerarquía y el rango de cada uno, pero aquí Rembrandt se olvida de esta jerarquía y lo subordina a la acción narrativa de la obra, con lo que rompe con la rigidez de los anteriores retratos grupales. La composición de los personajes es piramidal.

A pesar de que el cadáver es el centro de atención , ninguno de los siete personajes repara en él: los tres individuos del centro, que conforman una forma triangular, miran las pinzas y el brazos, los otros cuatro miran al espectador o al rostro del doctor; y el doctor fija la vista en algún punto situado fuera del cuadro.

Este cuadro se basa en un hecho real: la lección pública de anatomía que dio el Dr, Tulp en 1.632 sobre el funcionamiento de los tendones de un brazo, utilizando para ello a un ahorcado. Fue un acontecimiento destacado porque el Ayuntamiento cedía un cuerpo humano una vez al año y los cirujanos se veían obligados a aprender el oficio con libros o muestras conservadas. Se cree que el propio Rembrandt acudió a esta lección.

2.- Frans Hals (1.580? - 1.666)

Trabajó como retratista casi toda su vida. Sus cuadro son retratos, individuales y colectivos, donde domina la familiaridad, la falta de solemnidad, y en donde prevalece la alegría y vivacidad.

Este es el retrato de Willen Van Heythuysen

En los retratos colectivos supera la simple yuxtaposición de figuras, consiguiendo conjuntos armoniosos y exentos de rigidez que reflejan el carácter de la comunidad. Estos son sus  "Regentes del Hospicio".

3.- Johannes Vermeer de Delft (.1632-1.675).

Destacan las escenas de interior, en las que muestra la placidez y la serenidad de la vida doméstica. En ellas se aprecia la sencillez y el realismo de esos personajes que realizan labores cotidianas como bordar, leer una carta, cocinar.. Esta es su lechera.

Esta es la muchacha de la perla.

Esta es su "Carta de Amor"

En sus obras destaca la luz: clara y diáfana, que suele penetrar en la estancia por una ventana lateral.

Sus cuadros tienen un bello y rico cromatismo.

Su pincelada es corta y suave. Destacan los paisajes de su ciudad natal:  Delft.

Exposición de Rubens en el Prado

Hasta el 23 de enero podeís encontrar en el Museo del Prado de Madrid una exposición sobre Rubens.
Para los que no podaís ir, el Museo ofrece un visita virtual en este enlace:
http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/rubens/rubens-360/

De todas formas, quiero aprovechar este enlace para recomendaros la sección "pradomedia" dentro de la web del museo. En ella podeís encontrar vídeos, audioguías...
Merece la pena.
El Prado, como siempre, a la última en las TIC´s.
Saludos

La Pintura Barroca en Flandes: Rubens, Van Dyck y Jordaens.

El siglo XVII viene marcado por los constantes enfrentamientos entre católicos y protestante y el desarrollo del comercio. Los clientes fueron aristócratas, burgueses y la Iglesia, por lo que la temática va a ser bastante variada: hay temas religiosos, profanos, retratos, etc.

La figura principal es Rubens. Discípulos suyos son Van Dyck y Jordaens.

-Pedro Pablo Rubens (1.577-1640):

Es la figura más  importante de la pintura flamenca y del arte europeo del s. XVII.

Entre 1.600 y 1.608 vivió en Roma, donde estudió a Mantegna, Tiziano, Tintoreto, Veronés, Rafael y a sus contemporáneos Carracci y Caravagio.

Viajó a España, donde conoció a Velázquez. En esta primera etapa demuestra sus dotes como retratista, como se observa en este retrato ecuestre del Duque de Lerma.

De regreso a Flandes, comenzó a trabajar como pintor de la corte de los reyes españoles, e inició una fructífera carrera. Rubens abrió su taller para satisfacer las demandas de su clientela. En él trabajan artistas de renombre como Van Dick y Jordaens. El maestro hacía los bocetos y las figuras principales y las más destacadas de la obra. El resto lo hacían sus aprendices.

También fue diplomático, por lo que viajó por toda Europa.

En su estilo, domina el dinamismo y la vitalidad. Sus composiciones son abiertas y en diagonal, lo que da mayor sensación de movimiento.
Sus tonos son cálidos, debido a la influencia de la escuela veneciana y, en especial, de Tiziano en los que se refiere a la pincelada suelta y deshecha.  Los colores no se yuxtaponen, se introducen los unos en los otros.
La temática de sus cuadros es muy variada: hay temas religiosos, mitológicos, retratos, paisajes...
Tiene predilección por los desnudos femeninos. Sus mujeres son voluminosas y palpitan vida y acción.
Dentro del género religioso, sus obras son grandes composiciones fieles al estilos de la Contrarreforma.
Esta es "La adoración de los Reyes Magos" del Museo del Prado.

Este es "El Descendimiento de la cruz" de la Catedral de Amberes.

Entre sus obras mitológicas destaca este "Rapto de las hijas de Leucipo"

"La creación de la Vía ´Lactea"

"El jardín del Amor"

Y su obra más conocida: "Las Tres Gracias", donde se aprecian esas pinceladas largas y brillantes.

El color de las carnes blandas de las gracias es fruto de la combinación de tres colores primarios: rojo, amarillo y azul.  (Fijaros bien en el tono de la piel, qué solo Rubens consigue. Es fácil adivinar que es una obra de Rubens por su color.)

El cuadro representa, siguiendo la mitología griega, a las tres gracias (Eufrosina, Talía y Aglae), hijas de Zeus y de la ninfa Eurymona, y que eran las diosas del encanto,  la alegría y la belleza.

La diosa de la derecha es la primera mujer del pintor (Isabella Brandt) y la de la izquierda es su segunda esposa (Helene Fourment)..
Como su situación económica se lo permitía, Rubens guardo este cuadro hasta su muerte. Tras lo cual, se subastaron sus obras y Felipe IV la adquirió.

Como retratista, Rubens refleja la psicología del retratado, sin descuidar la exaltación de este, como se aprecia en este "Enrique IV recibiendo el retrato de María de Medicis"

o en este retrato de María de Medicis, con el que crea un tipo de retrato de tres cuartos que se prolongará durante el barroco posterior.

2.- Antoon Van Dyck  (1.599 - 1641)
Se formó en Amberes en la escuela de Rubens, de quien aprendió la técnica y algo de su estilo.
Luego viajó a Italia donde estudió a los pintores del s. XVI y se sintió atraído por el colorido veneciano y por el claroscuro de los tenebristas.
En Inglaterra fue pintor de cámara de Carlos I, por lo que los retratos son lo más conocido de su producción.   Todos ellos tienen varias características en común:

• son de cuerpo entero,
• en ellos domina la elegancia, la delicadeza y la distinción, 
•  tiende a adelgazar las formas,
• y sus manos, de dedos largos, puntiagudos y caídos, son inconfundibles.

En su etapa inglesa, el colorido es más frío, con transparencias grises y plateadas. Introduce pajes, caballos o perros para encuadrar sus obras.
Su influencia en Inglaterra fue tal, que marcó el retrato inglés del s. XVIII.
Este es un retrato de Carlos I de caza.

Aquí tenemos un autorretrato de Van Dyck y E. Porlier.

3.- Jacob Jordaens (1.593-1.678)También fue discípulo de Rubens. Era protestante, por lo que se inclinó por los temas populares. sus obras reflejan la vida cotidiana de las clases humildes.

Aún así, tiene obra religiosas como esta Piedad del Prado.

Su cuadros tienen matices tenebristas, en los que abundan los personajes vulgares y toscos.

En ocasiones mezcla en sus cuadros de género la mitología y el realismo de la vida aldeana.

Este cuadro es "El rey bebe".

Son escenas de espíritu flamenco, agradable y alegre, representadas con un vigor formal y compositivo.

Emplea una pincelada prieta, alisando superficies.
El vigor y los tonos cálidos recuerdan a Rubens.
Este es un retrato del autor y su familia, que está en el Prado.

La pintura barroca francesa

Los siglos XVII  y XVIII son los siglos de oro de la pintura europea.

Todos los artistas acuden a Roma y son contínuos los intercambios de pintores entre las cortes de Madrid, París, Londres, La Haya....

En Francia, el maniersimo pervive hasta principios del XVII. Pasado este tiempo, la pintura barroca francesa surge con dos vertientes:

• la naturalista, vinculad a la iglesia y la burguesía, influida por el estilo de Carracci y Caravaggio.
• la clasicista, influida por el arte de la corte de Luis XIV.

1.- La tendencia naturalista.

Simon de Vouet estuvo influido, en su primera época, por Caravaggio, como se aprecia en sus obras religiosas, como esta última cena.

 Tras su etapa italiana realizó obras mitológicas como este "Rapto de Europa".

También hay que destacar a los tres hermanos Le Nain con una pintura  de rudo realismo. Entre ellos destaca Louis, con un suave tenebristmo y con obras de temática campesina como esta "Comida de campesinos" del Louvre.

Influido por Caravagio, Georges de La Tour destca por su uso de la luz.  Entre sus obras hay temas religiosos y de género. Todas ellas denotan un estilo muy personal.  Esta es su Magdalena.

Este cuadro es "San Sebastián llorado por Santa Irene".

 Y este es "San José carpintero"

2.- La tendencia Clasicista (Lorena y Poussin)

Ambos vivieron en Roma y desde allí mandaban sus obras a Francia.

En el clasicismo de Nicolás Poussin domina la claridad, la racionalidad, el equilibrio y los temas mitológicos. Sus colores son suaves y sus cuadros carecen de movimiento por sus estudiadas composiciones geométricas.

Estos son "Los pastores de la Arcadia"

y "el triunfo de Neptuno"

Claudio Lorena es el poeta de la naturaleza. En sus paisajes destaca la luz, dorada y cálida, con efectos vaporosos que influirá pintores posteriores como William Turner y que parece anticipar el impresionismo.